Ascension Manifest

"No blog for old men" on line

2011-07-21T14:15:00.000-07:00

È on line il mio nuovo blog, No Blog For Old Men.
Ci si legge lì.

Questo blog fa ciao ciao con la manina

2011-07-19T11:14:00.000-07:00

Questo blog chiude ufficialmente. O meglio, non sarà più aggiornato. Fine. Ma, morto un blog, se ne fa un altro. A breve i miei soliloqui migreranno altrove, con una formula diversa, un po' più rapida, ma tutto incentrato sulla musica, come di consueto.

A presto per aggiornamenti.

RICK TOMLINSON : Night Time Recordings In Goteborg

2011-06-26T09:17:00.000-07:00

Nasce a Bolton, ma è Manchester la sua casa artistica. Rick Tomlinson si accomoda in un angolo e gioca con le ombre, le respira e le trasforma in malinconica purificazione.

Tomlinson appartiene al ramo genealogico di Jack Rose, a cui deve il calore del fingerpicking, e di Sir Richard Bishop, a cui lo accomuna la fascinazione per gli arabeschi. In Night Time Recordings From Goteborg la chitarra acustica intona melodie solitarie avvolte in una fine patina meditativa.

Rustiche sfumature affiorano in diversi punti, soprattutto nella coppia finale Warm Winds – Smaltung, ma credo che con Daylight Over Calvi Tomlison superi sé stesso toccando il vertice assoluto di purezza poetica. Non esagero a dire che ascoltarla mi commuove e l'incanto che risuona tra le sue note ha la capacità di estraniarmi dallo spazio che mi circonda. Il volto sonoro si delinea su un arpeggio costruito su una scala di lacrime di cristallo tanto fragili che per ascenderla i passi devono tramutarsi in respiri. L'atmosfera dolente, quasi disperata mi ha ricordato l'inafferrabile verbo del Leopardi del “Canto notturno di un pastore errante dell'Asia”: la luna muta osserva il vagabondare di queste melodie che si distendono sulla flebile e tortuosa linea della vita, ne indagano il significato senza afferrarlo.

“Night Time Recordings In Goteborg” è uscito in sole 465 copie numerate a mano per l'ultramiscroscopica etichetta svedese Kning Disk.

Da avere senza alcun indugio anche gli altri due progetti in cui è coinvolto Tomlinson.

L'omonimo full-length dei Voice Of The Seven Woods (anche diversi Ep all'attivo) insieme al batterista Chris Walmsley e al bassista Pete Hedley è attiguo alle atmosfere del Tomlinson solista, ma con uno spettro ben più ampio: risuonano echi di Led Zeppelin, Davy Graham, Robbie Basho, Pentangle, kraut rock e persino Nick Drake nell'unico brano cantato, Silver Morning Branches.

Più irruento e abrasivo invece il progetto-fratello, Voice Of The Seven Thunders (anche qui un omonimo lavoro su lunga distanza), una sorta di rilettura raga degli Amon Duul II che strizza l'occhio a Jimi Hendrix. L'impatto è in apparenza più fisico, ma sotto scorre la filigrana che lo lega alle altre esperienze sonore di Tomlinson. Il nome scelto viene dall'Apocalisse di Giovanni.

Purtroppo su YouTube non ci sono tracce tratte da Night Time Recordings In Goteborg, ma in compenso, se volete farvi un favore, potete ascoltarlo per intero qui.

(2009, Kning Disk)

VEX RED : Start With A Strong And Persistent Desire

2011-06-17T13:22:00.000-07:00

Li scoprii su Psycho!, rivista che, quando ero un imberbe moccioso alla magica scoperta delle chitarre pesanti, mi diede parecchie dritte. Si parlava di nu-metal per i Vex Red, ma secondo me è riduttivo e fuori luogo.

Sì, c'è del crossover, ma è più una patina che il centro da cui tutto si sviluppa. Usciti per la I Am, l'etichetta di Ross Robinson, i Vex Red uscirono a loro volta di scena in breve tempo. Lasciarono solo queste undici canzoni intrise d'autunno a cui, però, non disdegnano le chitarre graffianti.

Più vicini alla malinconia dei Radiohead che al disagio perverso dei (primi) Korn; distanti anni luce dalla violenza cieca e gratuita degli Slipknot o dall'hip-hop sfacciata dei Limp Bizkit, invero i Vex Red erano una creatura trasversale.

Impregnata di emo-rock, la voce di Terry Abbott ripercorre anche i sentieri degli Alice In Chains, ma rifugge sia dagli intrecci corali di Staley e Cantrell, sia dal pattume post-grunge in voga nel 2002, anno di pubblicazione di Start With A Strong And Persistent Desire.

La forza di queste canzoni sta tutta nelle linee vocali, lineari e fruibili senza ricorrere ai luoghi comuni di una tristezza costruita a tavolino. Basta prendere The Closest e Can't Smile per mettere in chiaro le cose.

Sono forse i Deftones il gruppo cui più i Vex Red puntano lo sguardo in Clone Jesus e Dermo, ma non per questo li si può cacciare nella pentola del nu-metal (persino per la band di Chino Moreno è un'etichetta limitativa e alquanto arbitraria).

Passati in sordina dalle nostre parti, si inabissarono poco dopo nel silenzio. I litigi intestini stettero alla base dello sgretolamento del progetto. Il batterista Ben Calvert comparve nei Twin Zero di Karl Middleton a metà anni Zero, Terry Abbott fondò i Septembre di cui non so proprio nulla. Degli altri, a parte del bassista Keith Lambert che ha collaborato per breve tempo con Martin Grech, si sono perse le tracce sui palchi. Fine dei Vex Red.

(2002, I Am)

SHUDDER TO THINK : Pony Express Record

2011-04-07T07:18:00.000-07:00

Erano i tempi in cui le major si fiondavano su qualsiasi entità dell'underground. “Nevermind” dei Nirvana aveva sdoganato definitivamente l'alternative-rock, oltre ad aver portato capitali nelle casse della Geffen, e nella corsa all'oro le grandi label avevano sguinzagliato i cani da tartufo alla ricerca di ipotetici tesori nascosti nel sottobosco. Non era raro che si scovassero patacche.

Gli Shudder To Think non erano affatto delle truffe, anzi. Messi sotto contratto addirittura dalla Sony dopo aver già pubblicato ben quattro dischi - di cui tre per la Dischord di Ian McKaye dei Fugazi - nel 1994 tirano fuori dal cilindro Pony Express Record.

Piallati i bozzi di uno stile che nel precedente “Get Your Goat” era ancora grezzo, a venir fuori è un autentico gioiello pop-core dalle molteplici sfumature.

Il cantante Craig Wedren è un funambolo che zigzaga a destra e manca con le sue melodie che non tengono alcun conto delle heavy-rotation su MTV. Le sue linee vocali sanno essere ruffiane ma senza scadere nel paraculismo (Gang Of $, Kissi Penny), ammiccano al grunge dei Soundgarden nei passaggi più power-rock (X-French Tee Shirt, So Into You), rielaborano i paradigmi faithnomoreiani di Mike Patton (Hit Liquor, Sweet Year Child). Il suo stile mi ricorda l'imprevedibilità dell'avant-prog più ostico, vedi i maestri Thinking Plague.

Il manto strumentale è spesso in contrasto con i giri vocali di Wedren, senza per questo essere entità separate. Le chitarre sono acide e iper-dissonanti, quello degli Shudder To Think è un rock che rivisita il concetto stesso di riff all'interno di canzoni sbilenche e aspre.

Fatto di hardcore made in Washington D.C. e pop, il sound della band è permeabile ad altri linguaggi musicali. Questa elasticità permette di dare vita alla ballata jazz di Room 9, Kentucky e al meta-blues di Own Me. E il quadro complessivo si mantiene assolutamente coerente.

Fa una strana sensazione pensare che un disco del genere sia uscito addirittura per la Sony. Questa è roba per orecchie abituate alle dissonanze, alle fratturazioni melodiche, ai suoni abrasivi e agli incroci stilistici più arditi.

(1994, Sony Epic)

FAUN FABLES : Light Of A Vaster Dark

2011-03-28T07:09:00.000-07:00

I Faun Fables mi conducono per mano in luoghi surreali, in scenari da fiaba nei boschi. Ma non sono storie a lieto fine dove tutti vivranno poi felici e contenti e sorridenti e metteranno su famiglia sfornando un branco di marmocchi che affollerà la contea come un'invasione di locuste. L'imprevisto è dietro l'angolo e spesso sento incombere una catastrofe che si rivelerà permanente, un danno irreparabile perpetrato da chissà quale oscura forza con una velenosa ed inarrestabile cattiveria. Sento occhi strisciare qui e là, nel buio, tra le fessure della vegetazione. Spiano, osservano e piccole lingue biforcute tramano piani diabolici.

Va bene, forse lascio che l'immaginazione viaggi un po' troppo slegata, ma è davvero quel che le loro canzoni mi suggeriscono, indipendentemente dai temi affrontati. L'inquietudine che traspira dalle atmosfere non si palesa con estrema evidenza, ma sorge pian piano tra le intercapedini, ribolle e sgorga per dipanarsi silenziosa e quando la scorgo è ormai una marea che sta per annegarmi.

Ok, sto esagerando.

Questo nuovo lavoro uscito nell'ottobre scorso, qui in Italia, non se l'è filato praticamente nessuno, a parte un paio di accorte webzine che non hanno esitato a elogiarne il potenziale. Si vede che tutti gli altri stavano tutti a sbrodolarsi su qualcos'altro. Me compreso, sia chiaro, che sono venuto a conoscenza dell'uscita di questo ultimo disco per puro caso qualche settimana fa.

Quarto lavoro per la coppia Dawn McCarthy – Nils Frykdahl (militante nei recentemente – e aggiungerei, tristemente – sciolti Sleepytime Gorilla Museum) e, senza ombra di dubbio, il punto più alto toccato in una carriera che si protrae da ben quattordici anni.

Light Of A Vaster Dark è in parte ispirato dagli scritti di Willa Cather e Laura Ingalls Wilder e batte la strada percorsa dal gruppo nelle precedenti pubblicazioni con un folk che richiama a chiare lettere la tradizione prog-folk britannica degli anni Sessanta, con Pentangle e Fairport Convention in veste di indubbi numi tutelari.

L'album ha una struttura particolare in cui degli Interludi fungono da spina dorsale e concorrono a dipingere quegli stranianti scenari fiabeschi cui accennavo all'inizio e di cui smetterò di parlare da qui alla fine di questo post. Promessa da chierichetto.

Qui dentro ci sono canzoni meravigliose nel loro stare in bilico tra tradizione dei settlers e ricerca melodica mai scontata: Housekeeper – che ha un eccellente solo di violino dall'afflato celtico -, Violet - che ricorda i bellissimi Espers -, la disperata title-track – che sa di foglie spazzate via da gelide brezze rigurgitate da un pozzo d'angoscia -, Hear The Grinder Creek – coi cori dissonanti che distorcono la scena per pochi istanti, come un fotogramma deforme che appare all'improvviso in una pellicola -, O Mary – il cui candore è prossimo a tramutarsi in infermo pallore -, Parade – che strizza l'occhio ai Jefferson Airplane - sono tutte figlie di una classe cristallina.

Il rituale di Sweeping Spell sa parecchio di Dead Can Dance, periodo-Spiritchaser.

Do atto ai Faun Fables di essere una band dall'estremo talento capace di non rendere mai banale un genere molto datato e di non cadere nella trappola del presunto plagio. Il loro peculiare tocco sulle composizioni è distinguibile tra le influenze e con questo album hanno raggiunto sul serio il perfetto punto di equilibrio tra solidità della scrittura, signorilità negli arrangiamenti, potenza evocativa.

Mi duole essere arrivato così tardi.

(2010, Drag City)

JOHNNY CASH : At Folsom Prison

2011-03-23T14:41:00.000-07:00

Questo è un cazzo di live. Sudato, intenso. Vissuto.

Quanti dischi dal vivo vengono pubblicati nel contemporaneo e iperaffollato mercato discografico con la stessa intensità, la stessa veracità, la stessa forza evocativa? Quelli d'oggi sono manufatti, “istantanee” - come piace tanto alle band chiamarli - false dalla testa ai piedi che non vengono mai lanciate in pasto ai fans, già pronti con gli euro stropicciati in mano, senza prima passare dalla sala operatoria per un bel lifting o una mastoplastica additiva che le renda impeccabilmente bugiarde. Live al botulino, pura plastica fondente 100%, meglio se arricchita da qualche ovazione degna dell'applausometro de La Corrida o di un'opprimente sit-com a caso. D'altronde, che ci si attende da una società che si specchia ammiccante nella sua terrificante bellezza in vitro?

Penso a Johnny Cash e sento la voce di uno che ne ha passate di cotte e di crude, ma che ha saputo conservare un'umanità ed una sensibilità profondissime, che sono poi affiorate in tutta la loro spoglia magnificenza nei lavori degli ultimi anni, su tutti la serie "American" registrata da Rick Rubin.

Poco importa se nella setlist alla Folsom Prison manchino alcuni cavalli di battaglia: Cocaine Blues, Folsom Prison Blues, 25 Minutes To Go, Orange Blossom Special valgono l'intero prezzo del biglietto, e non ho menzionato la toccante The Long Black Veil. Ma è uno show perfetto da cima a fondo tra ballate pastorali e accessi country da manuale. Musica che oltrepassa la pelle, s'intrufola nelle vene e si mescola col sangue diventando parte di te, frammento dell'enorme colonna sonora della tua vita.

Canzoni che sono storie di crimine, di esistenze trascorse dietro le sbarre tra passati difficili e presenti ancora più foschi. Ma Cash dà voce alla speranza dei reietti di questo mondo lercio ed ipocrita.

Tossisce, sorride, interagisce col pubblico, Johnny. Sono le imperfezioni a rendere questo live l'immortale testimonianza di un evento che rivive nella sua riproduzione tecnica – ciao Benjamin.

La testimonianza di qualcosa dall'inestimabile valore. Di autentico. Di assolutamente umano.

(1968, Columbia)

LONG DISTANCE CALLING : Long Distance Calling

2011-03-20T14:17:00.000-07:00

Parlare in termini entusiastici di una band o un disco ad ogni post ridurrebbe questo blog ad una monotona bacheca di esaltazioni e, detto fra me e me – perché qui io parlo solo con me stesso – la faccenda comincerebbe a recarmi più sbadigli e sonnolenza che altro. Ogni tanto esporre il proprio rammarico per aver sprecato tempo e banda per un disco è un buon toccasana per ripristinare gli equilibri interiori.

I teteshki Long Distance Calling non si facevano vivi da due anni, ovvero da quando con “Avoid The Light” speravo di aver trovato i degni eredi dei Pelican, i quali dopo “Australasia” e “The Fire In Our Throats bla bla bla... “ si sono esposti al pubblico ludibrio con lavoretti che tacciare d'essere Orrendi è voler tenere la lingua educatamente a freno.

Questo eponimo terzo album del quintetto teteshko stenderebbe un orso tanto è inzuppato di luoghi comuni e di latitanza di pathos, quindi prevedibile e tedioso. Quello proposto è il solito copione che francamente conosco a memoria di lunghi brani post-rock tanto ligi ai dettami del genere e compiti che pure quando potrebbero spostarmi la scriminatura dei capelli dall'altra parte della testa con qualche bella sculacciata metallica pare che stiano accarezzando un cucciolo di foca appena nato col timore di fargli qualche graffietto.

Tutto ciò è insopportabile, lasciatemelo dire. Neanche la comparsa di John Bush, ex cantante degli Anthrax e uno che ti fa vibrare le guance come un phon gigante puntato in faccia con la sua vociona possente riesce a risollevare le sorti di questo dischetto: Middleville è una lunga power ballad che pare uscita dai Nickelback (con un po' più di gusto estetico, va detto).

Mi sa tanto che i Long Distance Calling siano degli eterni incompiuti. Ascoltandoli ho rivissuto quei patetici momenti nei ricevimenti scolastici quando la professoressa di turno, col suo sorriso maligno e ricco di soddisfazione informava mia madre – che poi si voltava verso me con un sorriso denso di rassegnazione – di avere un figlio «dalle grandi potenzialità ma che può fare molto di più». Ho pensato proprio a questo.

(2011, Superball Music)

BELL ORCHESTRE : As Seen Through Windows

2011-03-19T16:28:00.000-07:00

Andando a caccia di informazioni su una band mi sono imbattuto in questi Bell Orchestre. Rimasti in disparte per qualche mese, in questi giorni sto dedicando loro del tempo.

Il gruppo, che consta di sei componenti di base a Montreal, Canada, coinvolge anche due membri fissi degli Arcade Fire (Richard Reed Parry e Sarah Neufeld).

È musica sperimentale, di quella che soddisfa i miei appetiti. Sono parecchio astratti e cerebrali senza però scadere in monologhi autistici, hanno una spiccata componente colta senza per questo risultare affetti da irritante saccenteria. Impiegano spesso archi che li avvicinano ad ambienti da camera prossimi alla Penguin Café Orchestra, influenza troppo palese per non venire citata (su tutte l'iniziale Stripes), oltre a strumenti a fiato – tromba, trombone, corno e oboe - che conferiscono sontuose sfumature jazzy (soprattutto nell'emozionante title-track) e orchestrali.

L'umore generale del disco è tra il cupo e il trasognato con la testa ficcata dentro una crepa del muro per osservarne la realtà trasfigurata al di là.

Sanno riprodurre scenari d'oscura poetica ma anche eco provenienti da profondi moti marini (Elephants e c'è Julia Kent dietro l'angolo), poi si lasciano andare in improvvisi accessi gipsy, come dei Gogol Bordello ma più malinconici (The Gaze).

Disseminati qua e là ci sono riferimenti ai Clogs, ai Jaga Jazzist, al minimalismo di Philip Glass e ai The Kilimanjaro Darkjazz Ensemble e in Icicles/Bicycles si lasciano tentare dalla jungle. Il violino di Air Lines/Land Lines sembra venir fuori dalle sonate di Bach.

Tirano fuori pure una bellissima cover di Bucephalus Bouncing Ball di Aphex Twin, facendone emergere il lato melodico nascosto in quel groviglio d'elettronica d'autore.

Hanno pubblicato due dischi, As Seen Through Windows è il secondo – il primo è “Recording A Tape The Colour Of The Light” del 2005, fuori per Rough Trade.

Band davvero interessante da cui attendo un sequel degno, se non di più, di questo album.

(2009, Arts & Crafts)

SOUNDGARDEN : Live On I-5

2011-03-19T13:47:00.000-07:00

L'ho ascoltato oggi pomeriggio sulla loro pagina Facebook, in due rate perché tutto d'un fiato non ce l'ho fatta. È una collezione di canzoni live registrate durante il tour di supporto a "Down On The Upside" del 1996, l'ultimo lavoro in studio in ordine cronologico, fino ad oggi. Fino ad oggi perché i Soundgarden, dopo la fallimentare esperienza solista di Cornell - ridottosi tragicamente a vestire i panni di un aspirante Justin Timberlake quarantenne - hanno deciso di riunirsi, dapprima per alcune date live, negando fortemente la possibilità di scrivere del materiale inedito, salvo poi smentirsi appena qualche settimana fa. Insomma, da fan cresciuto a pane e grunge, con Soundgarden e Alice In Chains come portate predilette, mi preparo al peggio. Ok, Kim Thayil è sopravvissuto con alcune collaborazioni, alcune anche decenti; Matt Cameron s'è dato ai quattro quarti facili facili degli ultimi, discutibili Pearl Jam; Ben Shepherd non pervenuto (ma si vocifera sia stato on buona compagnia con un bel po' di bottiglie).

Che dire di questo live? Bella la tracklist con molti estratti da "Badmotorfinger", il disco che più apprezzo della loro carriera. Buona l'esecuzione strumentale ma niente di eccezionale. Vergognosa la performance di Cornell, spesso fuori nota, incapace di elevarsi vocalmente come in studio (ma questo è un fatto risaputo che è spesso emerso negli ultimi anni di attività della band ed acuito nelle recenti avventure di Cristoforo, vedi i dispensabili e ruffiani Audioslave).

Ah, una Rusty Cage così veloce non l'avrebbero suonata neanche i Sex Pistols - però il tiro ce l'ha. Da censura Jesus Christ Pose: non si può sfigurare un pezzo coi controcazzi come quello in quel modo.

C'è pure una cover di Helter Skelter dei Beatles e di Search And Destroy degli Stooges, per la cronaca. Solo per la cronaca.

Basta, lo mollo, non vorrei che la cena mi restasse qui - sto battendo la mano destra lì dove esofago e stomaco si incontrano amichevolmente.

Di buono c'è una copertina più in linea con la consueta iconografia del gruppo, elemento che era venuto a mancare col recente greatest hits "Telephantasm", in cui Josh Graham - curatore dell'artwork - ha dato il peggio di sé.

(2011, Universal)

VIC CHESNUTT : Ghetto Bells

2011-03-18T12:49:00.000-07:00

L'ho tenuto sepolto sotto la polvere per, quanto saranno stati, due anni? Forse tre. Lo avrò ascoltato sì e no un paio di volte, poi distratto da mille altre cose, me ne sono dimenticato. Probabilmente non mi aveva colpito più di tanto.

Piccola pausa di silenzio, poi fischietto guardandomi intorno.

Ok, faccio un sincero e completo mea culpa: non lo avevo capito. Non ero entrato in connessione col mood di questo che, insieme al precedente “Silver Lake”, è l'album più elaborato e quasi quasi il più affascinante del Vic Chesnutt degli ultimi anni.

L'ho (ri)scoperto un paio di settimane fa e ora non manca quasi mai di comparire tra i miei ascolti quotidiani.

Sono quindi due settimane che mi ritrovo con queste note che traspirano dalle casse e mi si posano sulla pelle come delicata brina. Ascoltare il compianto Vic intonare un canto d'amore come Virginia mi stringe il cuore in una morsa. Got To Me, Gnats, What Do You Mean? (in un teatrale scambio di incomprensioni tra Vic, cucciolo su di un trampolino, e un coro di voci femminili, quasi fossero l'incarnazione di una società incapace di accoglierlo e capirlo) sono sinceramente delle gemme di estrema eleganza. Ma è Forthright il gioiello di spoglia magnificenza: mi accompagna dolcemente verso un lago di confortevoli ricordi notturni e, centimetro dopo centimetro, m'immergo e trattengo il fiato e l'acqua mi accarezza e scorre intorno inesorabile, come i pensieri. Fuori parte un temporale che scheggia lo specchio d'acqua, ma in questo liquido tepore ciò non importa. Nulla ha più alcuna importanza.

(New West Records, 2005)

LIBRI : John Cheever , Il Nuotatore

2011-03-18T07:58:00.000-07:00

Ritengo che la scelta della Fandango di mutilare “The Stories Of John Cheever”, la raccolta che fruttò al suo autore il Premio Pulitzer nel 1979, sia alquanto discutibile. Le opere fondamentali di uno scrittore, specialmente uno tanto importante (ma poco conosciuto dalle nostre parti) come John Cheever, andrebbero pubblicate nella loro interezza mettendo da parte certe arroganze imposte dal marketing.

In questo libriccino che ha lo spessore di un pamphlet (sono 56 pagine al “modico” prezzo di 5 euro), Fandango pubblica soltanto 3 estratti da quella raccolta, tra cui lo scritto più rappresentativo della poetica cheeveriana, ovvero il bellissimo e toccante “Il nuotatore” (che fu tradotto in opera cinematografica nel 1968 con Burt Lancaster).

Lo stile di Cheever è pacato ed elegiaco e la sua prosa è avvolta da una semplicità linguistica che non ne ripudia la ricerca. Quelle di Cheever sono storie dell'America borghese di fine anni Cinquanta, quella benpensante che, sotto la maschera sorridente della quotidianità da mostrare ai vicini, occulta inquietudini e malesseri.

Il viaggio di Ned Merrill, il protagonista de “Il nuotatore” che attraversa l'intera contea nuotando da una piscina all'altra, è una serie di incontri che racchiudono ricordi, volti amici e cordiali radunati in feste, ma anche dolorose scie di un passato non del tutto chiuso. È uno sguardo spietato - ma architettato con estrema maestria - nella vita confortevole e apparentemente felice di Ned Merrill, in cui ogni cosa è gradualmente messa in discussione, persino il suo presente (che è invero sorprendente nella malinconica scena finale).

Ho trovato parecchio interessante anche “Una radio straordinaria”, leggendo il quale non ho potuto non ripensare ad uno dei "Sessanta Racconti" di Dino Buzzati, ovvero “Sciopero dei telefoni”. Anche qui ogni certezza pian piano scricchiola e le fobie prendono il sopravvento mentre Irene Westcott origlia le vicissitudini dei vicini grazie alla radio guasta regalatale dal marito. E temendo che la Felicità che negli anni si è illusa di costruire nel focolare domestico e di cui si avvolge ogni giorno come una calda placenta protettiva, Irene scopre gli spaventosi fori che pian piano si allargano, e si allargano e si allargano. Senza lasciarle scampo.

L'ombelico era scomparso, e Neddy si domandò che sensazione avrebbe provato una mano nel toccare i propri attributi nel letto, alle tre del mattino, e nel sentire una pancia senza ombelico, senza legami con la nascita, un'interruzione nella successione della specie?

TWEAK BIRD : Tweak Bird

2011-02-13T15:21:00.000-08:00

Caleb e Ashton Bird sono fratelli. Caleb e Ashton Bird vengono da Carbondale, cittadina di trentamila abitanti nel sud dell'Illinois. Caleb e Ashton Bird suonano insieme. Caleb e Ashton Bird sono i Tweak Bird. Caleb imbraccia la sua possente chitarra baritona e si avvale del suo bel microfono, Ashton sta alla batteria e ha anche lui ha il suo da fare col microfono. Nel 2007 si affacciano con lo schizofrenico Ep di quattro brani “Bigbone Snakebite”. L'anno successivo preparano i bagagli e approdano nella più consona Los Angeles e arriva così “Reservations”, mini-cd di sette nuove composizioni prodotto da Toshi Kasai (Altamont, recentemente divenuto un terzo dei Big Business) e il signor Dale Crover (che, per chi non lo sapesse, è il batterista dei Melvins), soci nell'etichetta Deaf Nephews (che però non pubblica l'album, ci pensa Volcom). I fratelli Bird attirano un po' di attenzioni coi loro shows, compaiono in alcune trasmissioni televisive, racimolano un bel gruzzolo di ottime recensioni qua e là creando così notevoli aspettative sul futuro prossimo. È il 2010, ovvero l'anno scorso, e Caleb e Ashton Bird completano il filotto col loro primo parto su lunga (?) distanza: Tweak Bird. Sì, disco omonimo. Dieci tracce. Ventisette minuti. Sì, 27 minuti. Vi starete chiedendo cosa potranno mai suonare i due consagnuinei per racchiudere in un così esiguo lasso di tempo dieci canzoni, di cui l'ultima di sei minuti passati. Ecco: provate ad emulsionare mentalmente la ruvidezza dello stoner, un approccio smaccatamente indie-rock, fresche melodie pop, un certo impeto post-punk, un pizzico di southern rock e un pizzico di blues, umori psichedelici e del prog-rock zippato. Se doveste piombare in equilibrio sulla punta dei piedi sull'orlo di una profonda emicrania, per favore, non guardatevi intorno alla disperata ricerca di spigoli che pongano definitivo rimedio alla faccenda, non è mica colpa vostra. Potete risolvere il problema senza fare sciocchezze e mettendo su i Tweak Bird, avrete così una visione chiara (??) del composto (o del groviglio). I due fratelli Bird si danno da fare senza alcuna forzatura, senza calcoli preliminari, senza pavoneggiarsi della loro inafferrabilità. I loro timbri vocali sono quasi femminei, atipici per un sound abituato a grasse barbe alcoliche. "Tweak Bird" è un mix trascinante ed irresistibile che paga il suo inevitabile bel tributo ai Kyuss nei frangenti più desertici, ma potremmo scovare tra le maglie gli attacchi psicotici dei primissimi Blood Brothers, se non gli sferragliamenti dei mai dimenticati Jesus Lizard. Il singolo Lights In Lines (di cui Roud Trippin' è la lisergica protesi) ha tutti i crismi dell'anthem stoner, e Tunneling Through e Sky Ride (che strizza l'occhio ai Black Rebel Motorcycle Club), con le loro ruspanti andature, non se ne stanno lì mica a cazzeggiare. Siamo anche certi che i Dead Meadows gradirebbero la sciamanica Flyin' High, mentre acidi vapori in technicolor si elevano serpeggiando da cumuli di carboni ardenti col sassofono di A Sun / Ahh Ahh. Insomma, se arrivando a Distant Airways si dovesse illuminare nella vostra capoccia il mega-schermo con su scritto King Crimson rilassatevi, non state affatto dando di matto. È proprio tutto vero.

(Volcom, 2010)

The Future / Lights In Lines / Roud Trippin' / A Sun/Ahh Ahh / Beyond / Tunneling Through / Sky Ride / Hazement In The Basement / Flyin' High / Distant Airways

[OCCHIO | SCISSO]

2011-02-05T07:08:00.000-08:00

In questo blog propongo alcuni scritti autonomi ed estratti dalla raccolta di racconti alla quale sto attualmente lavorando. Buona lettura.

www.occhioscisso.it

NADJA & OvO : The Life & Death Of A Wasp

2010-12-20T09:07:00.000-08:00

Da due creature tanto particolari non potevamo che attenderci un parto tanto sbilenco quanto fosco e malato. Più che il processo vitale di una vespa questo lavoro sembra un restringimento di campo sulla sua sola sofferente agonia. I canadesi Nadja di Aidan Baker e i transfughi italiani Bruno Dorella e Stefania Pedretti, also known as OvO, danno vita ad un opprimente scenario che non ha alcuna pretesa di accessibilità, che non concede minimi spazi alle melodie, che è pura crittografia sonora. The Life & Death Of A Wasp è un trip psicotico diviso in quattro movimenti che s'innesta nell'alienante filone dell'avantgarde contemporanea. I Nadja imbastiscono spessi bordoni di suono che si intrecciano col drumming ispido di Dorella, che è supporto per i sinistri soliloqui della Pedretti, a volte alle prese con formicolii vocali che rimandano agli incubi insettiformi di Cronenberg, altre volte si profonde in indemoniati spoken da autentica strega, altre ancora in sinistre salmodie in growling. Si materializzano così gli inferi della psiche, larghe zone d'ombra che si espandono progressivamente e che non lasciano scampo ad alcuna forma di vita; ogni cosa appassisce e cade in rovina una volta raggiunta dalla tenebra. C'è parecchia aria doom tra questi solchi: è minimale e scarna quella di A Wasp Flying Around The Sugar, è marziale e soffocante quella di Put Some Sugar In My Cup, Please. La fisionomia dei brani è sfocata come lo sono i tratti di un volto al di là di un vetro sabbiato: non ci sono strofe, tanto meno ritornelli, sono il percorso di un fluido appiccicoso che sgorga dagli interstizi del pavimento e il rischio di rimanervi incollati come mosche non è poi così remoto. Della vita della vespa, tornando a far riferimento al titolo, come vi abbiamo detto, non v'è alcuna traccia, a meno che questa non sia funestata dagli incubi e oppressa dagli spettri. Spettri che si manifestano negli echi iniziali di Drowned In Coffee, che cresce d'intensità fino a rasentare l'inabissamento di un gigantesco iceberg con centinaia di corpi umani intrappolati all'interno, piccole e smilze larve dal volto rappreso in un silenzioso grido di raccapriccio. Servono forti e allenate difese mentali per non lasciarsi trascinare giù, tra le fiamme dell'inferno, una volta che Nadja e OvO vi avranno afferrato la testa con una maligna mano artigliata. E a quel punto ogni via di fuga sarà sbarrata, e voi intrappolati dentro. O ancora peggio, sepolti vivi.

(Vendetta, 2010)

A Wasp Flying Around The Sugar / Trapped In The Jar / Put Some Sugar In My Cup, Please / Drowned In Coffee

PSYCHOCEAN : "Luminescence" out now!

2010-12-10T16:05:00.000-08:00

Da venerdì 26 novembre 2010 è disponibile in download gratuito su www.psychocean.org “Luminescence”, primo full-length degli Psychocean a tre anni di distanza dall'ep “Embryonal Confinement”.

Sul nuovo album compare, in veste di special guest, il cantante dei Novembre Carmelo Orlando, alla voce in alcune parti di “Luminescent Twin”, mentre le due copertine, fronte e retro, sono opere del pittore Tobia Ravà.

L'album è pubblicato in download gratuito su licenze Creative Commons e in via autoprodotta. La copia fisica del cd comprende l'artwork più un cd-r vergine serigrafato in nome della separazione tra l'essenza, la musica, e l'accessorio, il supporto plastico.

Questa è la tracklist:
1. Ganymede
2. Fractal
3. Black Sidereal Abyss
4. Hypnagogic Hallucinations
5. Meridian Zero
6. Opalescence
7. Luminescence
8. Faceless The King
9. Luminescent Twin (feat. Carmelo Orlando)

L'album è ascoltabile e scaricabile anche da Jamendo.

ISOBEL CAMPBELL & MARK LANEGAN : Live @ Tunnel, Milano, 28 novembre 2010

2010-11-29T15:49:00.000-08:00

Le distanze che ho calcolato prima di mettere la mia barba fuori dalla porta di casa sono ben diverse da quelle che realmente percorro per giungere al Tunnel. E, avendo calcolato male le distanze, realizzo già a metà tragitto che gli ultimi due bicchieri d'acqua bevuti prima di immettere la sopracitata barba sul marciapiede sono stati un errore. Un grave errore. Mentre il freddo mi sta erodendo il viso, la vescica ha raggiunto dimensioni ipertrofiche che quasi mi costringono a camminare piegato come un mendicante. E ho ancora un bel po' di strada da macinare. Arrivo, ma c'è il consueto imprevisto fantozziano: una consistente fila all'entrata – e menomale che durante il pomeriggio la pioggia ha smesso di cadere – che in normali modalità sarebbe anche gradevole, ma star farmi al freddo con un gavettone assiso nel basso ventre, si può ben capire, è una tortura che neanche la più diabolica mente cinese avrebbe potuto architettare. Entro, prendo il mio accredito, lascio il giubbotto al guardaroba e mi fiondo alla toilette. Il preambolo sulla minzione è necessario per riferire della causa che mi fa perdere le prime battute di questa serata. È infatti mentre reco sollievo al mio corpo espellendo i liquidi in eccesso, in nome della guerra senza frontiere alla ritenzione idrica, che Harper Simon dà inizio al suo set. Tocca a lui riscaldare gli animi della serata, almeno sulla carta. Ahimè, però, Harper Simon non riscalda proprio un bel niente ed in molti tra il pubblico si augurano che torni piuttosto a riscaldare la poltroncina in camerino il prima possibile, me compreso. È da solo, voce e chitarra acustica, esegue sei o sette canzoni che non si distinguono l'una dall'altra tanto sono simili e prive d'identità melodica. Stilisticamente è un incrocio tra Simon & Garfunkel e John Martyn, con qualche sfumatura vocale che richiama Thom Yorke, ma i paralleli altisonanti vanno presi con pinze e guanti. La gente affluita al Tunnel, che mi pare registri il pieno, non si cura della presenza del povero Harper Simon, letteralmente sopraffatto dal chiacchiericcio incessante, cui si somma un volume troppo basso che non lo aiuta a farsi considerare. Noioso e monocorde, dopo venti minuti dal suo inizio il set giunge al termine. Bye bye Harper Simon, temo che di te non sentirò parlare per un pezzo, stando così le cose.

Ore ventidue e Mark Lanegan e Isobel Campbell fanno il loro ingresso sulla ribalta con la band che li accompagna. Lui è serio come fosse un calco di gesso, lei è meno bella che in foto, me lo si conceda. Partono coi primi quattro solchi dell'ultima fatica, quell'”Hawk” che m'ha davvero entusiasmato, ma partono a mio avviso coi pezzi migliori e qui storco un po' il naso. Poco male, You Won't Let Me Down Again si conferma un gran pezzo, compatto, southern fino al midollo. Dal vivo la carica emotiva dei brani rimane la stessa, anzi, emerge con maggiore vigore l'anima blues e bucolica da entroterra americano, quello dei granai e dell'essenza yankee. Nel frattempo, nell'anfratto di platea in cui mi trovo ubicato, tra chi passa a destra, chi passa a manca, chi si sposta di qui e chi di là, finisco accanto a due signorine più che trentenni. Una bionda e una mora. Si danno gomitate complici ad ogni ingresso vocale di Lanegan proprio come se stessero sfogliando un numero di Cioè segnalandosi il belloccio del momento, ma la cosa peggiore sono i balletti che la mora comincia ad improvvisare ad ogni brano, attirandosi gli sguardi severi di chi mi sta accanto. La situazione ha un coefficiente di irrealtà piuttosto alto, tenuti presenti i ritmi blandi della musica proposta dai due musicisti americani. Vorrei informarla che ha sbagliato posto, che non è il concerto dei Motley Crue questo, soprattutto quando mi urta nel bel mezzo di uno dei tanti appunti che prendo al buio (e non sto qui a dire a quali abilità di decifrazione dovrò ricorrere una volta a casa al cospetto di quegli scarabocchi). Si cheterà più avanti, con buona pace dei miei appunti – che però peggiorano in calligrafia. Nel frattempo Isobel e Mark stanno dando una bella spolverata al loro repertorio proponendo Honey Child, What Can I Do? direttamente dal loro esordio, e a seguire Ballad Of Broken Seas, al termine della quale Lanegan proferisce finalmente le sue prime parole, ovvero un “thank you” avvolto nel suo timbro baritonale. E siamo già all'ottavo brano in scaletta. Per tutta la durata dell'esibizione terrà una maschera di ghiaccio, la mano sinistra sul microfono, la destra ad impugnare a metà altezza l'asta, racchiuso nel suo carapace che è invero anche uno spesso muro che lo separa dal pubblico. Finisce “Ballad Of Broken Seas” e all'improvviso l'ex frontman degli Screaming Trees si dilegua nel backstage, lasciando la scena alla sola Campbell, che si immerge in Black Mountain e Saturday's Gone, anch'esse estratte dal primo full-length. Lanegan torna e tornano anche i fischi e gli inneschi di frequenza che tormentano a più riprese l'esibizione dei nostri. I quali tirano fuori una Back Burner bella fumosa (qui siamo al secondo lavoro, “Sunday At Devil Dirt”), poi Time Of Season che sa tanto di Lynyrd Skynyrd e di nuovo un altro breve passo temporale indietro con Salvation. Scatta l'irresistibile Get Behind Me e qui non posso mica dar torto al balletto della mora, che si scatena al ritmo del dirompente rockabilly ordito dalla cricca sul palco. Sedici brani in settantacinque minuti e il set finisce qui. Fine? No, non è finita, è tempo di extra richiamati a gran voce da un pubblico che ne vuole ancora, sottoscritto compreso. E allora Lanegan e la Campbell tornano sul palco e ripartono con la notturna e affascinante Revolver, rimanendo ancorati all'esordio con la nenia di (Do You Wanna) Come Walk With Me? prima, e la tomwaitsiana Ramblin'Man poi, con la Campbell che fischietta che è una meraviglia. Ma il colpo di scena, la sorpresa finale, la ciliegina sulla torta, un-altro-luogo-comune-per-esprimere-stupore sta arrivando e, giuro solennemente senza incrociare neanche un misero pelo del mio giovane e candido corpicino, che non me lo sarei immaginato: a) perché è una delle mie canzoni preferite di Mister Lanegan, quindi mi pare una manna miracolosa che suonino proprio quella; b) perché non tengo in conto una rovistata nel Lanegan solista. Insomma, dulcis in fundo, è tempo di una Wedding Dress ancora più acida e graffiante di quella contenuta in quel capolavoro che è “Bubblegum”, con quelle chitarre in crunch che sfrigolano e trasudano elettroni, dipanandoli in ogni dove. The end could be soon, we'd better rent a room, so you can love me, non posso non cantare dopo quel sinuoso Ba dadadada, ba dadada dadadada. Ah, che soddisfazione, mi gaso quasi allo stesso modo di quando ascolto “Walk” dei Pantera. Meglio di così non possono chiudere, con venti canzoni eseguite in maniera impeccabile, un'ora e mezza di alta professionalità ma, forse, anche di eccessivo distacco con un pubblico ad ogni modo caloroso. Sarà una fisima chic? O un vero e proprio approccio “spirituale” alla performance? Non lo so, fatto sta che la mia vescica è leggera come un fiocco di neve e pronta per la traversata di ritorno.

JOANNA NEWSOM : Live @ Teatro dal Verme, Milano, 27 settembre 2010

2010-09-29T04:48:00.000-07:00

Quando arrivo all'ingresso del Teatro dal Verme le condizioni climatiche si sono già sistemate da un bel pezzo ma è evidente che ormai l'estate a Milano sta per diventare un ricordo. La temperatura, fresca quel che basta per non tramutarsi in gelo, è quella ideale per un concerto come quello di Joanna Newsom, ormai con merito divenuta eroina del panorama folk internazionale. Per qualche attimo, sempre davanti l'ingresso del teatro, temo però di finire personalmente annotato nel libriccino nero dei più punkabbestia della serata nonostante indossi un sobrio maglioncino e dei gentilissimi pantaloni quasi skinny verdastri: inevitabile che si raduni a questi eventi un certo intellettualismo estetico fatto di occhialoni che nessuno si filava più da vent'anni, giacchette lise e acconciature da fighetti efebici. Ma è da sottolineare come, grazie ad una visione panottica della platea una volta preso posto in sala, mi colpisca piacevolmente la presenza di molte persone abbastanza avanti con l'età, dettaglio a me del tutto inatteso. Vorrà pur dire qualcosa, questo. Ma, chiusa l'inutile parentesi sui miei complessi d'inferiorità riguardo la mia scarsa competitività nei trend della moda, alle 21 in punto rompe il ghiaccio un supporter di cui non possiedo notizie biografiche, tanto meno mi attendo che dovesse aprire il concerto di Joanna Newsom. Alasdair Roberts da Glasgow si presenta sul palco con la sola chitarra acustica in mano – non nudo però, ha dei bei pantaloni rossi indosso e pure una camicia, e il tutto mette in evidenza la sua alta statura coniugata ad uno scarso volume muscolare – e per mezz'ora abbondante propina le sue rivisitazioni di traditionals irlandesi e scozzesi inclusi nel suo album “Too Long In This Condition” (il titolo del disco è stato una delle fortuite notizie carpite durante i suoi brevi interventi tra le canzoni, constatato il suo stretto accento scozzese). Niente per cui spendere molte parole, eccetto la sua bravura nel fingerpicking e nell'uso di particolari accordature – tant'è che gli intervalli tra brano e brano erano puntellati dalle corde che si arcuavano e impennavano a seconda delle sue necessità tonali -, sei brani monocordi cantati sì con convinzione ma nulla più. Bello il secondo brano di cui sconosco il titolo, dopodiché il volenteroso Alasdair inizia a farsi un po' pesante allo stesso modo in cui si farà pesante la pizza che mangerò più tardi al momento di abbozzare questo articolo e che mi farà sudare in piena notte come un chicco di riso lesso. Alasdair non mi fa sudare ma, in compenso, non mi fa vedere l'ora che concluda la predica e sloggi. Alasdair finisce e ringrazia, se ne va e il cambio palco dura dei bei venti minuti, ed è proprio qui che noto la presenza di tante teste canute, come vi ho già detto. L'arpa di Joanna Newsom è imponente in mezzo al palco e il tecnico – che però è una donna, e nel dubbio mi esonero dall'ardito utilizzo della parola “tecnica”, chiedo scusa – impiega un bel po' ad accordare ogni corda. Puntuale tanto da spaccare un capello in quattro, le luci sfumano con dolcezza e alle 22 Joanna e la sua band di supporto entrano in scena e da questo punto in poi mi dimentico solennemente tutto quello che è avvenuto durante tutta la pesante giornata affrontata. Lei ha l'innocenza di un'adolescente non ancora matura nonostante abbia ventotto anni, va sul palco col passo accelerato ma assolutamente aggraziato delle studentesse in ritardo dopo il suono della campanella. Comincia ad accarezzare le corde per il primo brano ma si ferma. Sorride, I've got new strings, dice (ecco compreso il motivo di un così lungo check all'arpa durante il cambio palco). Sorride nuovamente e sistema la disarmonia. Mi sorprende la sua timidezza in perfetto equilibrio con l'agilità nell'affrontare il pubblico. È timida, e si vede, ma assolutamente a suo agio. Ha un fascino incredibile. Ma, chiusa l'inutile parentesi sull'ascendente che la meravigliosa Joanna esercita su un fallito imbrattacarte come il sottoscritto, tutto comincia dopo la falsa partenza. Il viaggio comincia da lontano, ad aprire è la breve Bridges And Balloon, che è anche opener del suo primo album, “The Milk-Eyed Mender” del 2004 e funge da intro al resto della scaletta. Arrivano subito le presentazioni del gruppo che la supporta e poi si riprende con la title-track del grandioso ultimo lavoro “Have One On Me” ed il suo fiabesco sovrapporsi di cori sul finale. Tutti lì dentro ci emozioniamo e parte il primo di una serie di lunghi applausi che mettono ancor più in evidenza la garbata riservatezza della giovane musicista californiana. Che però tira fuori dal cilindro la coppia di canzoni da me più attesa, Easy e la commovente Cosmia, che mi mette davvero la pelle d'oca. Se già su disco la pregiata fattura delle composizioni è evidente, dal vivo questa è riproposta al cubo. La Newsom è sostenuta da una band eccellente (un chitarrista che maneggia anche ukulele e mandolino con estrema bravura, un batterista, un trombettista, due violiniste), strumentisti preparati e sensibili alle sottolineature dei momenti topici senza essere invadenti, con un estro formidabile nelle dinamiche e ottimi anche nelle operazioni di sostegno, sia ritmico (bellissimi i battiti di mani in controtempo), sia vocale (certi cori venano di gospel e blues ben più di un frangente). Quando i tocchi sull'arpa s'infittiscono mi sento sfiorato da morbidi flussi acquatici ma non mi è neanche raro perdermi in fantastici labirinti di un surreale giardino. Le architetture delle canzoni mi lasciano davvero basito per come vengano eseguite e scorgo una certa propensione alla rivisitazione di un certo approccio prog: non mi sento affatto criminale se tiro in ballo i Gentle Giant negli improvvisi cambi di tempo e struttura di alcuni pezzi. Dopo In California, uno dei sei estratti dall'ultimo disco, Joanna si ferma per un “really quick tuning check” che poi così “really quick” non è, tanto che il chitarrista, dal cognome di chiare origini italiane, interviene per sollevare la Newsom dal disagio rivelando a tutti noi di avere antenati di Lucca. Quant'è piccolo il mondo, anche se non siamo a Lucca bensì a Milano. Insomma, finisce anche quest'altro simpatico siparietto e nel frattempo Joanna è passata al pianoforte per intonare Inflammatory Writ, altra gittata d'occhio sull'esordio. La Newsom interpreta ogni brano con una precisione vocale da brivido, alterna con estrema disinvoltura timbrica e falsetti e mi domando come possa essere tanto precisa nel canto mentre tesse quelle scintillanti trame soniche sull'arpa. Gli applausi continuano ad essere lunghi, caldi e fragorosi e sfilano così anche Autumn e Good Intentions, prima di Monkey And Bear che chiude il set quando io e tutti i presenti ne vorremmo ancora per tutta la notte. Due ammiratori donano alla bella Joanna due mazzi di fiori giusto per dimostrare di essere tipi originali e lei ringrazia facendo spallucce e sorridendo e guadagna il backstage. Come da copione, un concerto così non può finire senza un extra. Passa neanche un minuto di ovazioni e richieste di bis e la Newsom e compagnia sono di nuovo ognuno al posto che avevano da poco lasciato. Se erroneamente penso che oltre il picco di pathos raggiunto con “Cosmia” non potrei andare per stasera è solo perché non ho ancora fatto i conti con Baby Birch: la versione in studio, ve l'assicuro, per quanto raffinata ed elegante possa essere, è, vi assicuro di nuovo, un nulla in confronto a ciò che viene eseguito sul palco: leggera e confidenziale si apre e cresce lenta ed inarrestabile fino alla coda intarsiata di celtiche fantasie, che è qui ben più lunga di quella che si trova su disco, e si eleva con un climax da paura che si libra su, si alza e si alza e il tetto del teatro si schiude come un guscio e fluttuo lontano da qui, in un posto che non potrei definire perché le parole hanno un limite di fronte a certe emozioni. Vorrei piangere ma ho la barba e la faccia seria da uomo brutto sporco e cattivo, quindi mi astengo. Stavolta finisce davvero, dopo un'ora e quaranta che non dimenticherò perché voglio ricordarla per quello che è stata: una vera e propria esperienza artistica. Niente è rimasto in balia del caso, ogni suono calibrato alla perfezione, ogni singolo passaggio pennellato con classe, niente fuori posto. Joanna Newsom si conferma strepitosa strumentista e impressionante cantante, padrona del palco e affabile col pubblico. Ok, sì, è pure così affascinante che vorrei inoltrarle una seria proposta matrimoniale. Lo so, sognare è molto bello.

Bridges And Balloons / Have One On Me / Easy / Cosmia / Soft As Chalk / In California / Inflammatory Writ / Autumn / Good Intentions / Monkey And Bear / Baby Birch

SLEEPYTIME GORILLA MUSEUM : Grand Opening And Closing

2010-04-30T06:51:00.000-07:00

Pensi alla California e si configurano spiagge assolate affollate da bikini riempiti fin quasi a scoppiare da ben di dio assortito, pensi a megamuscolosoni a forma di bagnino sulle torrette,pensi a palme e strade larghissime rigogliose di traffico e vita. Lì dove splende il sole però, esistono zone oscure, buchi neri che paiono assorbire ogni apparente felicità, masticarla e risputarla all'esterno sotto forma di sogno rivoltato. Gli Sleepytime Gorilla Museum incarnano alla perfezione questi banchi di nera nebbia sotterranea. Influenzati da un cupo surrealismo, il nome della band viene direttamente dal mondo dadaista: il 22 giugno 1916 ebbe luogo l'inaugurazione di un fantomatico museo da opera di un nugolo di dadaista riunitisi sotto il monicker di "Sleepytime Gorilla Press". L'esibizione di quel giorno fu un incendio che portò alla chiusura del loco. Non esistono però fonti certe a riguardo, il tutto potrebbe anche essere una semplice invenzione dei membri della band, e visti gli ambienti artistici dai quali sono influenzati la cosa non ci stupirebbe affatto. Leggenda o fatto reale, il titolo del primo album, Grand Opening And Closing, viene proprio da questo happening. Oggi, a far parte della combriccola c'è gente che non è affatto di primo pelo: il chitarrista/cantante Nils Frikdahl inquietava l'underground americano già a metà anni Novanta coi suoi perfidi Idiot Flesh in compagnia del bassista Dan Rathbun (che è, tra l'altro, inventore e costruttore di molti strumenti impiegati dalla band durante le proprie performance); la violinista Carla Kihlstedt, oltre ad essere impegnata in un interessante progetto solista, è membro di Charming Hostess e Tin Hat Trio (e solo in occasione del successivo album degli SGM si aggiungerà alla line-up il batterista degli Skeleton Key Matthias Bossi). Il museo degli incubi schiude lento i battenti e ci risucchia immediatamente in una caduta verso gli inferi dell'anima umana. L'inno all'insonnia di Sleep Is Wrong è un efferato requiem dove la voce di Frikdahl si staglia per latrare come una belva assassina mentre martellamenti industrial alla Swans si alternano a cabarettistici momenti di decompressione. I timorosi non possono più abbandonare lo spettacolo, manette di ferro inossidabile ne bloccano i polsi ed è vietato non guardare. L'alternanza di furiose apertura post-metalliche con apparenti calme che nascondono inquietanti riverberi notturni è la spina dorsale dello stile degli Sleepytime, che pagano un forte dazio ai maestri dell'avant-prog più surrealista, i Thinking Plague. Ambugaton si districa all'interno di sghembe geometrie, così come il velenoso hard-rock di 1997. Carla Kihlstedt ci sussurra l'inquietudine di una giovane donna come se stesse descrivendoci la scena ritratta in un'impolverata e decrepita fotografia che sembra rimasta impigliata in una gigantesca ragnatela che gode di vita autonoma (Ablutions). Le voci di Nils e Carla s'intrecciano in un visionario dialogo, come due tetri gemelli siamesi. Il ghigno malefico che espone denti aguzzi sotto occhi neri come l'abisso diviene materia tangibile nell'angoscia soffocante di Powerless: qualcosa striscia nei dintorni, lo percepiamo. Gli intenti "anti-umani" dichiarati dal gruppo pulsano da sotto il pavimento, lo rigonfiano e lo lacerano per fuoriuscire come rigurgiti di un'oscura creatura sotterranea. Ma prima che il tutto venga definitivamente a galla ci sono le carezze di una mano defunta nella ninna-nanna di Sleepytime e i rimbalzi fuori controllo di The Stain, sorta di King Crimson rielaborati dal Cappellaio Matto di Lewis Carroll. Il sipario cala sul carillon di Sunflower, sul quale ruota, vestito a festa, il cadavere dell'uomo contemporaneo. Come pochi altri là fuori gli Sleepytime Gorilla Museum sono in grado di evocare fobie che conducono alla pazzia. Le loro mani sono artigliate e pronte a sferrare attacchi letali alla coscienza. La rivolta contro l'ipocrisia della vita di tutti i giorni è qui servita in tutta il suo candido orrore. Abbandoni ogni speranza chi ha il coraggio di entrare nel museo dell'anti-umanità.

(Seeland, The End Records, 2001)

Sleep Is Wrong / Ambugaton / Ablutions / 1997 / The Miniature / Powerless / The Stain / Sleepytime / Sunflower

LIBRI : David Foster Wallace, Brevi Interviste Con Uomini Schifosi

2010-01-19T13:57:00.000-08:00

David Foster Wallace ci ha lasciati troppo presto. Sconfitto dalla depressione, altra e forse orrendamente più vera faccia di una società che anela con voracità a quella felicità costruita in laboratorio dai pubblicitari. E di questa società di massa Wallace è sempre stato caustico osservatore e spietato critico, a volte con un estro umoristico esilarante, altre volte con fotogrammi toccanti e profondi. Uscito nel 1999, a tre anni da quell'enorme successo di pubblico e critica che fu “Infinite Jest”, malloppo di oltre 1200 pagine (di cui 100 di sole note scritte di tutto pugno direttamente dall'autore e parti integranti della storia), Brevi Interviste Con Uomini Schifosi è l'emblema del Wallace più sperimentale, lanciato a briglia sciolta nella manipolazione del racconto breve.

Spina dorsale del libro sono le interviste a strani individui tutti affetti da preoccupanti perversioni degli istinti sessuali. Nelle brevi interviste, nelle quali vengono riportate soltanto le risposte, le domande dell'intervistatrice sono un continuo omissis, chiedendo così uno sforzo comunicativo al ricettore, invitato a ricostruirle. Ma le domande, in sostanza, non contano. In apparenza astrusi e paradossali, questi frammenti di lingua parlata (a volte sembrano delle bobine trascritte) rivelano piano piano una normalità paralizzante. Tutto è assurdo ma nello stesso tempo realistico. Tutto è possibile. Il tono cinico e sferzante che a momenti sprofonda in un surrealismo grottesco è la risultante di un processo di certosina vivisezione della realtà, masticata e poi sputata in faccia al lettore in tutte le sue più inquietanti forme. Quelle di cui nessuno vorrebbe mai sentir parlare, salvo poi restare incollato alla tivvù, in nome di un voyeurismo che ha superato ormai ogni soglia di decenza, quando un caso del genere oltrepassa i limiti del privato e assurge all'altare della cronaca. Ci si imbatte così in una sequenza di piccoli mostri quotidiani: dal sostenitore del partito democratico americano, che all'acme dell'orgasmo urla slogan di incitamento verso la sua fazione politica, al focomelico Johnny Moncherino, che col suo braccio sottosviluppato adesca, impietosendole, un consistente numero di donne per poi portarle a letto. O l'uomo di servizio nelle latrine di lusso, impassibile come una statua di marmo, che distribuisce asciugamani puliti a ricchi che defecano ed emettono i flati e le puzze più infestanti solo in cambio di qualche spicciolo. O ancora il tizio che fa leva sui punti deboli e sui traumi d'amore di una ragazza per sedurla, farci del sesso e mollarla. O l'altro che vuole convincere la sua donna che quello che le fa di tanto male non vorrebbe farlo. Wallace scruta dal buco della serratura nella stanza degli orrori ma senza urlare allo scandalo. Sa bene che questa è la brutale normalità. Ma non è soltanto questo il materiale di "Brevi Interviste". Alcuni degli episodi inclusi sono tra i migliori suoi scritti. Il salto dal trampolino di una piscina comunale diventa metafora del lancio nel vuoto e delle scelte che si parano davanti ad un tredicenne che entra nella difficile fase della pubertà, con una scena descritta con un tono poetico ma mai ampolloso che si muove lenta, come una moviola emotiva ricca di dettagli (Per Sempre Lassù). C'è il bellissimo Sul Letto di Morte..., ultima dichiarazione, sul suo capezzale, di un padre che ha sempre odiato il figlio, eterno rivale nella vita. C'è il geniale Ottetto, in cui i meccanismi della metafinzione vengono rivelati con gli schemi di costruzione di un microracconto o costruendone alcuni (i cui paragrafi vengono chiamati Quiz a Sorpresa) in cui i protagonisti sono la coppia X e Y, due amici alla deriva. L'onirico Chiesa Fatta Senza Le Mani che sfuma i contorni della realtà catapultandoci in una dimensione tortuosa dai piani che sfalsano. O il lapidario Una Storia Ridotta All'Osso della Vita Postindustriale, istantanea di un incontro tra un uomo ed una donna racchiuso in otto righe e mezzo che, rielaborando il minimalismo del primo Raymond Carver, ci lancia davanti gli occhi ad una velocità paurosa tutta l'assenza di sentimento che impera in gran parte dei rapporti sociali. Spigoloso ed al limite del sopportabile è La Persona Depressa, racconto che ruota intorno ad una giovane depressa che assilla ogni persona che la circonda raccontandole le sue sfighe ed i suoi sbalzi d'umore, talmente egoista e disinteressata ai sentimenti altrui che induce la sua psicanalista a suicidarsi. Se la storia, nel suo complesso, si rivela addirittura geniale, lo stile e la struttura che la informano rende la lettura abbastanza difficoltosa: ridondanze a mai finire, lunghissime note che sono racconti nel racconto (avvalendosi così di una tecnica cara a Borges, ad esempio, quella della “moltiplicazione interna del racconto”) che, se da un punto di vista tecnico-stilistico sono una vera leccornia, dall'altro, per chi non è interessato ai dettagli tecnici ma è solo in cerca di "una storia", rendono il tutto estremamente cervellotico, quasi spossante. Di sicuro un'anticipazione di quello che sarà il materiale che verrà incluso 5 anni più tardi in “Oblio”, raccolta di romanzi brevi in cui lo stile di Wallace diventa un vero e proprio labirinto in cui il rischio di perdersi è costantemente dietro l'angolo.

Wallace crea marionette incarnanti perversioni e aberrazioni che altro non sono che proiezioni, in microscala, delle nevrosi di massa che innervano la società postindustriale tutta. La sua è una prosa geniale che mescola senza soluzione di continuità registri alti e forbiti (con una padronanza dei linguaggi settoriali a dir poco spaventosa) ad altri più bassi e colloquiali che lambiscono il volgare. Tutto costruito con una maestria davvero rara. “Brevi Interviste...” è un libro ostico, a tratti difficile da seguire, basta deconcentrarsi per poche parole e si rischia di perdere il bandolo della matassa. E così è per quasi tutta la produzione dello scomparso scrittore americano. Per chi non avesse ancora confidenza con lo stile del Nostro, il consiglio è quello di cominciare con “La Ragazza dai Capelli Strani” nell'elegante edizione di Minimum Fax, la sua prima raccolta di racconti uscita nel 1989, quando ancora quel nodo alla gola che gli ha fermato per sempre il respiro era abbastanza lontano ma, probabilmente, già annunciato.

GIOVANNI SOLLIMA : Works

2010-01-13T13:39:00.000-08:00

Giovanni Sollima è un crogiolo sinestetico dove, qua e là, fioriscono eleganti intarsi, come un'architettura che si genera da sola con un moto interiore. Con ago e filo cuce elaborazioni di campi sensoriali diversi in un corpus che diviene multicolore riverbero spirituale. Sollima scava nell'anima umana e affonda le mani nei più disparati gerghi musicali per dare forma viva alle proprie visioni sonore. Nel viaggio di Works si accendono colori, si sussurrano versi, ci si lascia trasportare dalle melodie. Su un humus cameristico Giovanni Sollima amalgama una mistura plasmata dalla congiunzione dei più diversi tra i linguaggi musicali. Ed è sicuramente questo il dettaglio tecnico che più avvince nel flusso narrativo che s'espande dalle note. La sola Terra Aria, atto primo di una suite frazionata in quattro episodi, vale per intero il prezzo del biglietto: torsioni barocche disegnano lievi spirali sulle quali si distendono respiri di cristallo e l'aria perde ogni consistenza e diviene materia che appartiene solo al tempo, arrestando lo scorrere di questo proprio quando si raggiunge il picco del pathos. La declinazione di (apparentemente) distanti mondi musicali è evidente nei successivi movimenti: dagli accenni celtici che però hanno un approccio quasi post-rock di Terra Fuoco agli intrecci di delay che, nel finale, divengono martellanti al confine dell'esoterismo tribale di Terra Acqua. Sollima non s'intimorisce nell'imbastardire la tradizione classica (che trova in Zobeide un buon compendio tra Bach – forte la sua impronta anche in Trio - e Bartòk) con stili più contemporanei e “di massa”. Gli intenti colti emergono con la forza delle citazioni in spoken words della Divina Commedia di Dante (Hell IV) o nel ricordo di Lord Byron (Byron). Con Hell I il barometro emotivo segna vertiginose altitudini: si vaga in un deserto dove piccole voragini si aprono per lasciar fuoriuscire il vento che dà vita ad una tempesta che si avvita intorno al cuore, lo essicca e lo rigenera. È l'affresco della mestizia e della rinascita interiore, dove il violoncello, nei punti più stridenti sembra intonare un requiem solitario in una notte d'assenza che si conficca nelle ossa, un grido nella penombra che va affievolendosi in una placida agonia. Magnifica. Parecchio distante dall'autoreferenzialità di molti suoi colleghi neo-contemporanei, più dediti al puro astrattismo privo di funzione comunicativa, Giovanni Sollima, palermitano d'esportazione internazionale, migra in sentieri scavati da incandescenti colate di umori e riconfigura una poetica dalla fragile bellezza e dall'evocativa forza interiore. Qualcosa non da poco.

(Sony BMG, 2005)

Terra Aria / Terra Acqua / Terra Danza / Terra Fuoco / Zobeide / Byron / Hell I / Hell IV (Ugolino) / La Spera Ottava / Inversion Recovery / Trio / Notte

LIBRI : Josè Saramago, Saggio sulla Lucidità

2009-03-19T12:35:00.000-07:00

Josè Saramago non concede nessun appiglio. Personaggi senza nome e senza volto, quasi fossero manichini squadrati irretiti nelle logiche del potere. Città e nazioni senza nome, come se non ci fosse alcuna differenza tra questo e quel luogo, in ogni dove il potere esercita le sue pressioni e regola ogni assetto ed ogni equilibrio. Come un continuo allargamento dell'obiettivo, la scena ed i fatti assumono dimensioni sempre più macroscopiche. Alle elezioni amministrative oltre l'ottanta per cento dei cittadini della capitale vota scheda bianca. Il governo, allarmato da tale situazione, la quale viene svenduta alla massa come un atto di rivolta anarchica, abbandona la città per trasferire così il centro del potere amministrativo altrove. E dal suo nuovo eremo continua l'azione di mistificazione e demonizzazione di quell'atto tanto scriteriato quanto scellerato. Ma la città, abbandonata a se stessa, senza più nemmeno la polizia e l'esercito a sorvegliare per l'incolumità della popolazione, continua la sua vita con ordine e discrezione. Saramago sposta la cinepresa linguistica continuamente qui e lì, in un susseguirsi di discorsi ed azioni che hanno continuamente differenti protagonisti, come tante storie contenute in una sempre più grande, come strutture piccole che moltiplicate creano un abnorme figura frattale. La retorica stereotipata del politichese, l'opulenza delle frasi fatte impregnate di nazionalismo, patriottismo imbolsito ed ostinazione nella creazione di demoni da fronteggiare a tutti i costi, purché il meccanismo della paura continui imperterrito a lavorare e non lasci un solo attimo di tregua alla popolazione. Il narratore racconta i fatti con caustica ironia, lasciando entrare il lettore nella narrazione rivolgendosi ad esso direttamente, indagando la psiche di chi agisce, trapanando fin dentro il midollo per scovare agitazioni, nervosismi o piccoli attimi di gloria che in un batter di ciglio evaporano. La maggior parte di Saggio sulla Lucidità si svolge attraverso dialoghi informati nell'inconfondibile stile dell'autore. I cambi di turno nei dialoghi infatti non sono definiti dalle solite virgolette che aprono e chiudono un intervento, bensì da un uso testardo delle virgole e delle maiuscole che lasciano così intendere il cambio di oratore. Non è raro quindi imbattersi in due o tre pagine consecutive in cui non v'è traccia di un solo punto che fermi la narrazione. Ciò porta ad una vivacità impressionante, soprattutto nei passaggi in cui le conversazioni si fanno altamente concitate. Il governo indaga, riunioni tra i membri di questo si susseguono, bisogna trovare l'epicentro, l'occhio del ciclone, l'origine di un tale misfatto. Ad un commissario di polizia l'infausto compito di indagare e di tentare di scovare se vi sono connessioni tra questa rivolta e l'epidemia di cecità che esplose quattro anni prima nella città. Il tutto conduce sulle tracce di una donna che non era diventata cieca e sospettata di omicidio. Lentamente emerge così un quadro inquietante in cui è evidente la macchina di propaganda governativa, abile nel muoversi liberamente in ciò che tutti chiamiamo "sistema democratico". Un thriller politico che invita a riflettere e a tentare di comprendere anche quale sia il ruolo dei mass media nella creazione, sotto commissione dei centri di potere, di autentici spauracchi e capri espiatori che servono soltanto a nascondere la ferocia dei piani di dominio di massa di una ristretta èlite. Saramago colpisce con un linguaggio dinamico ed aguzzo, con stilettate di ironia sparse qua e la che evidenziano quanto di grottesco nella società fondata sulla "libertà", sui "diritti" e sull' "uguaglianza" ci sia al di sotto della pura facciata. Una storia dai tratti surrealisti che invero mostra cosa si agiti sotto la superficie della nostra quotidianità. L'altra faccia della realtà.

LIBRI : Paul Auster, Leviatano

2009-03-18T13:34:00.000-07:00

Come il caso, la catena di eventi che ruzzolano uno sull'altro, compenetrandosi e lasciando ognuno la propria traccia su quello che lo ha preceduto, come la casualità può, in ogni istante della vita, farci deragliare dal sentiero che ci eravamo prefissati di percorrere. Ruota intorno a questo, ma non solo, il Leviatano di Paul Auster. Uno degli autori più apprezzati in terra natìa (gli USA), Auster architetta una storia "paradossalmente reale", in cui l'intersecarsi degli eventi assume i toni di un ventaglio di possibilità che può senza alcun dubbio trovare riscontro nell'esistenza di tutti i giorni. Al centro dei fatti vi è Benjamin Sachs, scrittore promettente e persona brillante. A narrare è il suo amico Peter Aaron, scrittore anch'egli, che qui redige il "memoriale", il testamento del passaggio su questa terra di Sachs. Si, perché sin da principio si è al corrente del fatto che Sachs sia morto. Aaron lo ha appreso da un trafiletto sul New York Times: Sei giorni fa un uomo si è fatto saltare in aria sul ciglio di una strada del Wisconsin del nord. L'FBI indaga e va a casa di Aaron, la vittima aveva il suo numero in tasca. Da qui lo scrittore congiunge i pezzi e decide di mettere mano al libro e di narrare la storia del suo amico, dal momento in cui, fortuitamente (ma nemmeno poi tanto) si incontrano, fino agli ultimi tormentati periodi. La chiave di tutto sono le coincidenze, quelle stradine secondarie che affluiscono nel lungo viale che è la vita (a tal proposito mi viene in mente, quasi a mo' di flash cerebrale, il dipinto di Paul Klee, "Strada principale e strade secondarie", ma non chiedetemi perché). I personaggi entrano, escono, poi rientrano e riescono. Episodi, lasciati lì come contorno, seminati come tracce, assurgono a rulo primario in un punto successivo del districarsi della storia. Il tono è accorato e morbido, ma non si lascia mai andare ad enfasi eccessivamente caricata o digressioni melense. Ogni apertura "filosofica" interna alla narrazione non appare mai disgiunta dallo svolgersi dei fatti e ciò che più colpisce è la fluidità dello stile. In una scrittura priva di costruzioni troppo cervellotiche ed ermetiche (vizietto di tanti scrittori al giorno d'oggi), le parole si susseguono con una semplicità applicata ad un'efficacia comunicativa quasi disarmante. Andando avanti ed indietro nel tempo il narratore Auster/Aaron costruisce una storia umana a tratti toccante, che lambisce le lande della disperazione ma non se ne lascia travolgere. A permerare il tutto c'è sempre quel barlume di speranza, a volte sepolto e poi disseppellito che è come una luce in fondo al tunnel. Formidabile la descrizione della personalità di Sachs e la forgiatura di un quadro spazio-temporale mai eccessivamente sfumato, in modo tale da poter incastonare gli eventi in determinati punti di riferimento. S'avverte una lieve flessione verso la fine del quarto capitolo, in cui la descrizione dei fatti diviene un po' frettolosa e la "banalità" degli avvenimenti non è ben camuffata da un intreccio fin lì davvero molto efficace. "Leviatano" scorre velocemente senza perdere in tensione e flusso narrativo, crea un quadro realista governato dal paradosso delle incidenze. Una lezione di vita, in cui convergono anche il senso degli ideali, il rispetto della vita, la funzione stessa della scrittura (come mezzo di sopravvivenza dello scrittore nella coscienza collettiva dopo la morte). Un romanzo che potrebbe lasciare il segno in chi avrà il piacere d'intrattenersi in sua compagnia, come in una chiacchierata tra vecchi amici incontratisi casualmente per strada.

New Faces #2

2009-02-22T07:12:00.001-08:00

I Robinson fanno un casino della madonna. Se soffrite di emicranie o mal d'orecchi lasciate stare, questa non è affatto roba per voi. Il singer sbraita quasi volesse estirparsi una tonsilla. Tutti gli altri pestano come dei fabbri generando dieci bozzetti di follia urbana radicati nel caos incontrollabile del grind-core. Le loro "canzoni" sono un continuo fluire di battute ed elettroni e le prime sei incluse in scaletta non raggiungono nemmeno un minuto di durata. Insomma, i nostri non cincischiano mica con pretese filo-intellettuali e vanno dritti al punto. Le strutture cominciano un tantino a complicarsi a partire da 7 (i titoli sono in logica sequenza numerale da 1 a 10), dove le chitarre iniziano a sfilacciarsi, fatto poi rimarcato allo spasimo dall'asfissiante finale 10, che da sola dura tanto quanto tutte le altre messe assieme. The Great City (Debello, 2006) sono venti minuti di isteria allo stato brado con cui dover fare i conti. Gente del giro Debello, chi è a conoscenza delle scorribande messe in atto dalla label in questione sa sicuramente a cosa va incontro.

I Kongh vengono dalla Svezia, sono in tre e fanno sul serio. La loro miscela di metallo fondato prevalentemente sulla lentezza narcolettica del doom e che si avvale del supremo pattume sludge e di un impatto tipico del post-hardcore li rende possenti come degli elefanti imbizzarriti. Counting Heartbeats (Trust No One, 2007) è il loro esordio del 2007 su Trust No One Records ed in cinque solchi tocca la bellezza di 65 minuti. Facile intuire che siamo al cospetto quindi di composizioni molto articolate e lunghe, dove convergono tratti cari a Rwake, Mastodon, Melvins, echi di Breach (il giro principale della prima Pushed Beyond). A spessi muri di suono si affiancano non di rado sinistri arpeggi mentre la voce è un ferino latrato che si staglia con attitudine declamatoria. Quel che colpisce è la compattezza che i Kongh riescono a raggiungere in una moltitudine di strutture che si susseguono per creare un amalgama parecchio personale. Il gioiello del disco è Zithuatanejo, posta perfettamente in equilibrio tra sbilenchi giri post-rock, aperture death-core, esplosioni in poderosi mid-tempos in un viaggio deumanizzante ma nel contempo eccezionale.

I 10 Dischi Migliori del 2008

2009-01-06T17:56:00.000-08:00

1. ALEXANDER TUCKER : Portal

Il trip psicotico di "Portal" scava nella mente per giungere allo spirito, per rilasciare le scorie e purificare le zone d'ombra, è una sorta di viaggio visionario con fini espiatori

(Recensione completa su Taxi-Driver)

2. BURST : Lazarus Bird

Le nuove songs sono più lunghe ed intricate che in passato, comprensive ora di dilatazioni e sospensioni più marcate che, alternandosi con le aperture più metalliche, creano un interessante sistema di pieni e vuoti.

(Recensione completa su Taxi-Driver)

3. MESHUGGAH : ObZen

Un po' più quadrato e meno labirintico rispetto all'imponente “Nothing”, “obZen” è la naturale evoluzione, nonché la definitiva cristallizzazione del sound meshuggahiano, sintesi mirabile di ciò che il metal moderno deve essere. Cinici e spietati come sempre, se non ci fossero difficilmente li si potrebbe inventare.

(Recensione completa su Silent Scream)

4. CULT OF LUNA : Eternal Kingdom

I Cult Of Luna appaiono così rinnovati pur mantenendo fede alla loro matrice: apportano elementi nuovi negli arrangiamenti delle songs, dimostrano una crescita tecnica e di songwriting (soprattutto quest'ultima) di primo livello e sfruttano al meglio tutte le loro caratteristiche, in primis la destrezza nelle dinamiche, oltre alla classe nei suoni.

(Recensione completa su Silent Scream)

5. LUSTMORD : [Other]

Più che di isolazionismo vien da parlare di alienazione, di dissociazione mentale, di qualcosa di inafferrabile ma terribilmente pericoloso.

(Recensione completa su Il Cibicida)

6. ROSE KEMP : Unholy Majesty

Rose Kemp affonda le sue radici artistiche nelle desolate piane del cantautorato folk, riecheggiando spesso la cupa natura di un altro asso della scena, la bravissima Faun Fables.

(Recensione completa su Il Cibicida)

7. MADE OUT OF BABIES : The Ruiner

Riffage di pregevole fattura e, nonostante le ascendenze (anche i Melvins stanno nei paraggi, così come i Neurosis in "How To Get Bigger"), sempre dal taglio espressamente personale, altrettanto ottima la scelta dei suoni col basso che pare voler scavare caverne ("Grimace") ed eccellente la prova vocale della bella Julie.

(Recensione completa su Silent Scream)

8. 5IVE : Hesperus

Escluso l'Ep "Versus" risalente al 2004, erano ben sette anni che i 5ive non rilasciavano un nuovo albo su lunga distanza.

(Recensione completa su Taxi-Driver)

9. UFOMAMMUT : Idolum

Fatto di figure contorte, di riff minacciosi, di andature sinuose, di visioni liquide, di strutture irregolari, di echi e riverberi persi nel cosmo.

(Recensione completa su Silent Scream)

10. OPETH : Watershed

L'essenza non è stata intaccata, nonostante il prog-rock dei seventies si stia sempre più impossessando del corredo genetico dei nostri. Le ombre che si allungano sul pavimento vengono direttamente dal passato, da quelle candele spente dal vento dei primi lavori.

SUBARACHNOID SPACE : Almost Invisible

2009-01-04T06:00:00.000-08:00

Il liquefarsi delle tonalità dei colori, il mutamento continuo della materia delle cose, l'estensione ben oltre i delineati confini percettivi, è sempre rientrato in questi ambiti sensoriali la missione artistica dello space-rock. A sentirli i Subarachnoid Space sembrano la colonna sonora dell'immaterialità, dell'alterazione della luce, di una misteriosa alchimia tra la psiche umana ed il cosmo. Chi non è avvezzo a lasciarsi trasportare da magmi sonori che non concedono nessun punto di appoggio desista ora stesso. Almost Invisible è uno di quei preziosi gioielli sommersi di cui in pochi si sono fino ad oggi accorti. Ridefinire forme e strutture mescolandoli, non concedendo nulla alla melodia studiata a tavolino, lasciando che, come laser, le note saettino e si intersechino fino a conformarsi in oscure geometrie. I Subarachnoid Space, fin dalla loro ragione sociale (lo spazio subaracnoideo è situato tra due meningi dell'encefalo, l'aracnoide e la pia madre), manifestano l'intenzione di sussurrare alla psiche tramite caotici turbinii, frattali sonori che assumono ora una fisionomia, a breve un'altra. Il kraut-rock di Ash Ra Temple, Tangerine Dream e Popol Vuh, la visionaria interpretazione della psichedelia dei Pink Floyd dell'era Barrett (con i quali spartiscono la componente più solenne e spirituale avendo assorbito completamente l'anima ascetica di “Set The Control For The Heart Of The Sun”), tutto questo è filtrato attraverso la lente del quartetto di Portland, che ci assorbe definitivamente in un vischioso limbo dal quale si innalzano, subdole, sinuose colonne di fumo acido. L'irregolarità dei sentieri ritmici poi conferisce un'essenza del tutto naturale, ai margini dell'improvvisazione; non a caso l'album è stato interamente registrato durante due esibizioni della band nel '96 (le prime quattro tracce ad Oakland, le restanti due a Los Angeles). Agglomerati convulsi si muovono da capo a capo di enormi campi magnetici. I Subarachnoid Space ne osservano le andature, ne descrivono le evoluzioni.

(Relapse, 1997)
Shut Inside / Hidden Outside / Floating Above The Skyline / Below Any Border / Outlined In Rust / Calm Fever

ISIS : Panopticon

2008-10-20T14:23:00.000-07:00

Il Panopticon è un tipo di inserimento dei corpi nello spazio, di distribuzione degli individui gli uni in rapporto agli altri, di organizzazione gerarchica, di disposizione dei centri e dei canali di potere, di definizione dei suoi strumenti e dei suoi modi di intervento, che si possono mettere in opera in ospedali, fabbriche, scuole, prigioni. Così Michel Foucault, nel suo saggio "Sorvegliare e Punire" del 1975, dava una definizione di cosa fosse realmente il Panopticon in termini teorici, al di fuori del suo progetto originale. Uno strumento per controllare ed ordinare la società attraverso un duplice processo di segregazione/osservazione. Una sorta di Grande Fratello orwelliano ante litteram se vogliamo. Osservare senza essere visti, esercitare potere senza che questo sia manifesta forza fisica, ma solo insinuato in un'implicazione psicologica fatta di pressione nei confronti di chi lo subisce. Struttura penitenziaria concepita nel 1785 dall'inglese Jeremy Bentham, il Panopticon doveva essere un rivoluzionario sistema di incarcerazione, di rieducazione, di riequilibrio della società. Mantenere i detenuti separati ed isolati per evitare il contatto sociale, osservare il loro comportamento senza che questi possano vedere chi li spia, ma coscienti di essere potenzialmente sempre oggetti di informazione, mai soggetti di comunicazione. Un sistema di luce filtrante permette alla guardia che si trova nella torre centrale di tenere sempre sott'occhio le sagome dei detenuti rinchiusi nelle celle singole disposte ad anello intorno alla torre. Nessuna via di scampo da questo claustrofobico e deumanizzante contesto, molto simile all'assetto sociale in cui adesso viviamo. Tenuti in scacco dalla pressione psicologica esercitata dai media, altoparlanti della propaganda del “potere democratico”, siamo costantemente controllati a vista, sia da mezzi tecnologici (cellulari, fotocamere, videocamere), sia da un punto di vista mentale, col costante lavaggio del cervello che l'ottica consumistica perpetra giornalmente, generando modi di pensare e di agire preconfezionai e tutti uguali, quindi facilmente prevedibili ed “osservabili”, con l'illusione di renderci la vita ed il consumo personalizzato. Ognuno però rimane confinato nelle sue paure e nelle sue frustrazioni, soli come in celle dai muri spessi ed impenetrabili. Da questo punto parte l'idea che muove Panopticon, probabilmente il disco più rappresentativo degli Isis. Di certo uno dei più influenti degli ultimi anni nell'universo post-metal. Due anni più tardi l'ottimo “Oceanic”, disco che aveva condotto la band verso l'altare della consacrazione, quest'ultima giunge definitivamente col compendio di post-hardcore, post-rock, psichedelia, progressive ed alternative-metal delle sette canzoni qui incluse. Un perfetto album di “crossover” (se col termine intendiamo l'originale significato di “fusione di stili”), in cui forme e gerghi del rock si compenetrano e si fondono, raggiungendo equilibri senza macchia, per creare un amalgama rinnovato nelle distensioni compositive. Aaron Turner e soci, partiti dalla sulfurea claustrofobia degli esordi doom à la Neurosis, adesso si dirigono verso i chiaroscuri universi dei Tool e agghindano numerosi passaggi strumentali con giri cari ai Mogwai, senza dimenticare le ascendenze pinkfloydiane, adesso più profonde. Il corredo genetico dà quindi vita ad una serie di quadri di eccellente fattura, che trovano nell'iniziale So Did We la più alta forma di espressione, informata su continue ascese e voli in picchiata (nonostante l'attacco possente), con flussi strumentali che simulano correnti marine sotterranee e vortici di venti impetuosi: tutta la coda finale di oltre quattro minuti è semplicemente un piccolo manuale di climax e anti-climax musicale Il merito principale degli Isis è quello di non indulgere in perenni reiterazioni tematico-melodiche, avvalendosi di uno sviluppo prettamente progressive che li libera così dai vizi di forma tipici del post-rock. Ma per far lievitare i brani ci vuole pur sempre del tempo ed i lunghi ma nel contempo suggestivi prologhi di In Fiction, Grinning Mouths e Wills Dissolve (questa bellissima nei suoi intrecci di chitarra) la dicono lunga. Le digressioni di Backlit quasi ammiccano al kraut-rock degli Amon Duul, per poi re-incanalarsi tra grumose aperture post-metal. E’ invece ai limiti del trasognato il ciclico agitarsi della meravigliosa Syndic Calls, anche qui perfetto svolgersi di sali-scendi che, a volte, rischia di sconfinare in qualcosa a metà tra Godspeed You! Black Emperor e l'ambient. Quasi a sottolineare l'amore dei nostri verso l'arte sonora dei Tool viene invitato il bassista di questi, Justin Chancellor, per tratteggiare le linee di basso di Altered Colours, la quale vibra sotto le schiarite d'un pallido sole mattutino per poi inabissarsi in acquatiche distese surreali(ste). Le parti più dure contengono vigorose distorsioni di matrice noise-core, mentre Aaron Turner (di certo non un eccelso cantante) offre una prova vocale decisamente sopra le righe per tutta la durata del platter, delineando belle melodie che ben si coniugano con l'escapismo pindarico del tessuto strumentale. Anche le liriche, ispirate come detto dal progetto teorico del carcere panottico, riescono nel loro compito di creare un mondo ricco di necessità esistenziali, di ricerca umanista necessaria per gli uomini contemporanei, sempre più distratti ed indaffarati in “bel altro”. Fondamentale per l'incursione dell'universo post-core addentro le radure del post-rock (e a questo titolo si possono tranquillamente affiancare “Salvation” dei Cult Of Luna e non ultimo “The Eye Of Every Storm” dei Neurosis, pubblicati tutti nel 2004), “Panopticon” sfuma le linee di demarcazione che prima segregavano determinati modi d'intendere il rock alternativo e l'indie-metal e costituendo un corpus non soltanto musicale, ma anche “filosofico” che invita a riflettere sulla condizione umana dei nostri tempi, sempre più oppressa dal peso di un potere che ci osserva attimo dopo attimo.

(Ipecac, 2004)
So Did We / Backlit / In Fiction / Wills Dissolve / Syndic Calls / Altered Colours / Grinning Mouths

KONGH / OCEAN CHIEF : Split

2008-08-28T18:59:00.000-07:00

Limitato a sole 500 copie, questo lavoro che vede coinvolte due delle migliori formazioni del panorama doom/sludge svedese è una leccornia per gli amanti del genere. I primi a far la loro comparsa sono gli ottimi Kongh, reduci lo scorso anno dall'altrettanto pregevole primo disco su lunga distanza intitolato "Counting Heartbeats". I ritmi rispetto al recente album sono dannatamente decelerati e la vena death metal lì apparsa è qui totalmente messa da parte. Anche la voce ora è più modulata e meno ferina ma non per questo orba della cattiveria necessaria. La loro Drifting On Waves è un'autentica odissea fatta di riff lenti e slabbrati, sdoppiature di chitarra ed andatura pachidermica, attraversando oltre venticinque minuti senza il minimo calo di tensione. I Kongh stanno da qualche parte tra Mastodon, Blutch ed i bravissimi americani Ocean: una band dalle grandi speranze da tenere sotto stretta osservazione, siete stati avvisati. È poi la volta dei magmatici Ocean Chief che con i due dischi fin qui pubblicati ("The Oden Sessions" del 2004 e "Tor" del 2006) si è imposta come una delle band cardine dell'effervescente scena scandinava. Il trio con Freja non tradisce il proprio trademark fatto di basso ultra-distorto e chitarra che lascia correre acide e corrosive fiamme lisergiche. Figli legittimi del verbo Sleep, i nostri sono molto più psichedelici dei loro colleghi e lo dimostrano sia con una voce lontana e drogata che con la bellissima divagazione psycho-spaziale che parte al diciassettesimo minuto per poi condurre ad un cambio di tempo che ammicca alle cadenze dei Black Sabbath. Il flusso, in entrambi i brani scorre alla perfezione, complici anche suoni ben calibrati ed un'atmosfera omogenea, nonostante le due band dimostrino di possedere forte personalità. Oltre cinquantuno minuti di musica di alto livello.

(Land O'\Smiles, 2008)
Drifting On Waves (Kongh) / Freja (Ocean Chief)

TESTAMENT : The Formation Of Damnation

2008-05-26T13:57:00.000-07:00

Tutti quei gruppucoli che vengono attualmente spacciati come nuovi capisaldi dell'heavy metal futuro o presente fate vobis (i Trivium? Gli Shadows Fall?) dovrebbero evaporare all'istante al cospetto di una band come i Testament. Perché saremmo veramente curiosi di sapere se, tra vent'anni, i suddetti saranno capaci di sfornare dischi cazzuti e veraci come fa tutt'oggi la cricca guidata da un paurosamente inossidabile Chuck Billy. A venticinque anni dalla nascita (le origini sono legate al monicker Legacy per chi non ne fosse al corrente) i Testament sono ancora dei satanassi, eccezionali esegeti della materia thrash e, probabilmente - insieme ai cugini Exodus - gli ultimi veri baluardi del vecchio sound della Bay Area (non vorrete mica dire che l'ultimo Slayer possa reggere il confronto? Ovviamente soprassediamo sulle ultime [dis]avventure discografiche di Metallica e Megadeth). Il ritorno dei nostri ci segnala una line-up rinnovata rispetto all'ultimo albo in studio (quel "The Gathering" che è oramai un classico): al basso Greg Christian (stava nei Legacy nei primi anni '80), quella bestia feroce di Paul Bostaph alla batteria (nel suo curriculum i formidabili Forbidden, oltre a Slayer ed Exodus) ed il figliol prodigo Alex Skolnick alla chitarra; a questo sommiamo la vera e propria spina dorsale della band, ovvero Chuck Billy alla voce ed Eric Peterson alla chitarra. Ed i Testament ricominciano esattamente da dove li avevamo lasciati ben nove anni fa, da un thrash metal furibondo e che non risente minimamente del processo di erosione del tempo poichè coniuga mirabilmente la tradizione con le produzioni moderne senza mai sconfinare nel plastificato. Ci dovremmo attendere dei cinquantenni smidollati e rimbambiti e invece i cinque tirano fuori una prestazione da far invidia a tutti quei pischelli capaci solo di pose da finto bruti davanti alla macchina fotografica. L'attacco di More Than Meets The Eye mette subito in chiaro le cose: riff epico e che porta indelebile il trademark del gruppo che sfocia in una cavalcata spaccaossa. Per tutto l'album Chuck non risparmia una briciola dell'energia della propria ugola, che col tempo s'è fatta ancora più acida e fiammeggiante. Parliamo seriamente, chi tra le band della vecchia guardia potrebbe mettere sul piatto pezzi come Dangers Of The Faithless che è una mattonata in testa o la successiva The Persecuted Won't Forget, la quale mette seriamente a ferro e fuoco i nostri timpani non lasciando nessuno spiraglio di tregua. La title-track e The Evil Has Landed hanno le radici ben salde nelle scorribande tipicamente thrasheggianti; in Afterlife sbuca fuori persino un refrain anthemico e con cenni melodici più delineati. Gira invece un pò a vuoto F.E.A.R., il solco che più degli altri soffre un'ispirazione un pò sottotono: ma è un peccato veniale. La varietà ritmica all'interno di ogni brano permette la composizione di brani lunghi ed articolati che, anziché instillare noia conducono invece all'ascolto ripetuto per comprendere meglio i dettagli. E non è soltanto una questione di tecnica, è l'atmosfera cupa e drammatica, nonché quell'essenziale carica belluina che mai vengono messe da parte e che la fanno quindi da padroni. La produzione ben curata (affidata alle sapienti mani di Andy Sneap) supporta sicuramente la riuscita potente, ma non si può di certo negare che l'efferatezza sia proprio intrinseca ad un riffage serratissimo e che non avverte il minimo calo d'ispirazione, nonchè all'attitudine di tutta la band, che pesta come fossero dei nerboruti fabbri di vent'anni l'uno. "The Gathering" fu un disco pauroso e semplicemente ineguagliabile, ma qui, cari signori, siamo al cospetto di una band micidiale pronta ad innaffiarci tutti quanti con un bel lanciafiamme. The Formation Of Damnation è ciò che dai Testament ci si deve sempre attendere ed entra senza il minimo indugio di diritto tra i candidati più accreditati a titolo di disco metal dell'anno.

(Nuclear Blast, 2008)
For The Glory Of / More Than Meets The Eye / The Evil Has Landed / The Formation Of Damnation / Dangers Of The Faithless / The Persecuted Won't Forget / Henchman Ride / Killing Season / Afterlife / F.E.A.R. / Leave Me Forever.

KARL SANDERS : Saurian Meditations

2008-02-28T17:25:00.000-08:00

Potremmo tracciare, e senza nemmeno grossi problemi, due assi che congiungono perfettamente il Karl Sanders in forza ai Nile con quello solista. L'intersezione ci consentirebbe di vedere che l'Antico Egitto, il suo fascino e la passione del biondocrinito musicista americano è il perno di tutta la faccenda. In tempi recenti, ovvero con l'ultimo (ferocissimo) "Ithyphallic", i Nile hanno un pò accantonato quelle atmosfere cupe e tribali che, nel 2004, diventano materia prima per questo Saurian Meditations. Sanders accantona chitarre iperdistorte, tempi inumani e voci da oltretomba per proiettarci in un oltretomba differente, lontano cinque millenni, alle radici di quella che fu una tra le più affascinanti e misteriose tra le civiltà antiche. Molta della strumentazione impiegata è tipicamente araba (su tutte la baglama) e ciò aiuta Karl nei suoi intenti narrativi e descrittivi, creando un enorme abisso che lambisce spesso le fattezze della soundtrack. L'aura cinematografica di molti brani ivi inclusi è evidente e non solo per il fatto che "Saurian Meditations" si sviluppi in gran parte come lavoro avuto l'onore di fondersi emotivamente con le torbide ambientazioni degli SPK del capolavoro "Zahmia Lehmanni" può prepararsi per un nuovo itinerario che lo assorbirà, fin quasi a perdere contatto con l'inquinante realtà contemporanea. Non è affatto un crimine d'immaginazione provare ad accostare Contemplations Of The Endless Abyss o Temple Of Lunar Ascension o The Forbidden Path Across The Chasm Of Self-Realization come gli assi musicali di alcune scene tratte da un lungometraggio sulla civiltà figlia del Nilo. I toni permangono solenni ed austeri, una severa mistica intride come una fitta nebbia l'albo nella sua interezza, formando un discorso unitario negli umori, un tragitto dalle tappe diverse ma affini, come un paesaggio perennemente contiguo che muta solo in relazione a sottili dettagli. Le chiavi di lettura vanno rintracciate nei titoli, fortemente immaginifici ed in perfetto parallelo con la materia sonica che va sviluppandosi. The Elder God Shrine pare veramente porre in suono le onorificienze in nome di antichi dei proprio lì, sui loro altari, con quei cori da Carmina Burana ad elevarsi verso il minaccioso cielo gravido di saette. Od Of The Sleep Of Ishtar, nenia che circonda il dio Ishtar totalmente assorbito in una meditativa contemplazione. Dreaming Through The Eyes Of Serpents striscia subdola e le sue spire sono luccicanti come lame pronte ad affondare la carne: un'iride filiforme ci osserva, in attesa del momento propizio per sferrare il letale attacco. Whence No Traveler Returns ha un forte animo mediterraneo, aggravato da scale in minore che ghiacciano il calore (quasi latino in verità) dell'incipit iniziale. "Saurian Meditations" è un'opera dai forti accenti spirituali, nella quale le eco del passato diventano materia presente; album perfetto per l'immaginaria creazione di svaniti ma mai dimenticati scenari storici dall'incommensurabile forza evocativa e seduttrice.

(Relapse, 2004)
Awaiting The Vultures / Of The Sleep Of Ishtar / Luring The Doom Serpent / Contemplations Of The Endless Abyss / The Elder God Shrine / Temple Of Lunar Ascension / Dreaming Through The Eyes Of Serpents / Whence No Traveler Returns / The Forbidden Path Across The Chasm Of Self-Realization / Beckon The Sick Winds Of Pestilence

TIME OF ORCHIDS : Namesake Caution

2008-02-16T19:07:00.000-08:00

Primo album su Cuneiform Records per i newyorkesi Time Of Orchids, reduci un paio d'anni fa dall'oscuro e fascinoso “Sarcast While”, fuori su Tzadik di John Zorn però (ed il primo “Melonwhisper” stava addirittura su Relapse). La militanza nei cataloghi di due etichette tanto particolari dovrebbe far rizzare le antenne a non pochi lì fuori. Si, perché i quattro americani formano un combo dalla formidabile duttilità compositiva, oltre a creare atmosfere cariche di tensione, nonostante la vena melodica sia quasi fiabesca e trasognata [Mean (Hush-Hush)]. Sono disturbanti e maligni e l'aver succhiato l'ostica politonalità ai padrini Thinking Plague non permette di raggiungere nessun punto di riferimento sicuro, nessun sostegno. Le composizioni appaiono così multiformi, nonostante si distendano attraverso strutture facilmente individuabili e più delineate rispetto al precedente albo, attualmente il loro vertice creativo e decisamente più strutturato e complesso. Darling Abandon è una (quasi normale) ballad se non fosse per un cantato tortuoso e per il suo fluire ad intermittenza. I Nostri armeggiano pure col math-rock di Laddio Bolocko e Dianogah in Gem ed un po' in tutto il disco. Sanno essere estremi senza dover per forza sforare nelle nerborute dimostrazioni di forza tipicamente metal, i loro sono colpi di fioretto taglienti come bisturi, ed è la corteccia cerebrale a risentirne: ne sono un buon esempio la lunga e stralunata We Speak In Shards o le movenze samba di Parade Of Seasons o le eco twinpeaksiane di The Only Thing. Le tastiere sono sempre presenti a far da tappeto, ed un certo mood caro ad Angelo Badalamenti si scorge qua e là (non a caso abbiamo scomodato “Twin Peaks” qualche parola fa). A dispetto degli accostamenti snocciolati tra queste righe, i Time Of Orchids fanno vedere di non essere emuli di nessuno e di voler perseguire un percorso fatto di sperimentazione e ricerca che, con Namesake Caution pare trovare un buon punto d'equilibrio ed una sicura affermazione di personalità ben definita. Colin Marston (bassista di Dysrhythmia e Behold...The Arctopus per chi non ne fosse al corrente) si è preso la briga di registrare queste dieci canzoni, e ciò potrebbe essere un ulteriore segno di garanzia sempre per chi ha le antenne ricettive. Ascolto non adatto a tutti, è bene dirlo, questa è materia piena di aculei che può essere apprezzata solo dopo ripetuti e mirati ascolti, essendo nei dintorni di un avant-prog piuttosto astruso. Chi ha pazienza e coraggio si avvicini pure, ne trarrà solo giovamento.

(Cuneiform, 2007)
In Colour Captivating / Windswept Spectacle / Darling Abandon / Parade Of Seasons / The Only Thing / Gem / Crib Tinge To Callow / Meant (Hush-Hush) / We Speak In Shards / Entertainment Woes

JOHN DE LEO : Vago Svanendo

2008-02-11T14:40:00.000-08:00

Alquanto difficile non scavare nel passato artistico di John De Leo, in quei Quintorigo che lo esposero all'attenzione di una fetta di ascoltatori dal palato fine, esigenti ed affamati di musica forbita e non convenzionale. Stessi tratti che si possono tranquillamente rintracciare in questa prima opera solista del cantautore romagnolo, summa di quanto negli anni il Nostro è riuscito ad apprendere, anche da esperienze extra-musicali: i rapporti di stima-amicizia con lo scrittore Alessandro Bergonzoni (qui presente in un monologo ritmato nella ghost-track a protesi della conclusiva Sinner), le ispirazioni avute da alcuni dipinti per la stesura di alcune canzoni ivi incluse, così come alcuni scritti di diversi scrittori. De Leo mostra quindi la sua dimestichezza intersemiotica che traduce immagini e parole in suoni e melodie. Vago Svanendo si rivela così un viaggio non adatto a tutti a causa di una spigolosità nelle strutture, nelle bizzarre trovate di "stratosiana" memoria che da sempre fanno parte del suo repertorio (un archetipo fu "Nola vocals" inclusa in "Grigio" dei Quintorigo), come ad esempio Canzo, momento di dialogico funambolismo tra voce e tromba (di Gianluca Petrella), o le architetture solo vocali di Freak Ship (ispirato da un quadro di Hyeronimous Bosch, "La nave dei pazzi", composto tra il 1490 ed il 1500). I concetti di follia e vagabondaggio nautico - in un probabile mare del chaos mentale? - sono spesso ripresi ed appaiono alla stregua di leitmotiv che animano l'opera: lo dimostrano anche Tilt (C'è Mattia?) che riverbera i Quintorigo più ilari e giocosi o il palese tributo alla canzone jazz d'autore alla maniera di Paolo Conte di Spiega La Vela. Elegante e sontuoso l'arrangiamento orchestrato sullo standard di Leonard Bernstein Big Stuff, dove emerge il lato più melodico e convenzionale del prisma vocale di De Leo, intento a caricare di vitree tinte un sinuoso e continuo intreccio di archi. Con Bambino Marrone (primo singolo prescelto) si fa largo una ludica voglia di giocare con la canzone pop, con un refrain che si distende spensierato mentre tutt'attorno l'arrangiamento è ispessito dall'uso di giocattoli atti ad ampliare lo spettro cromatico. Piace molto anche Le Chien Et Le Flacon in cui la linea vocale si tramuta in strumento aggiunto inseguendo e lasciandosi sorpassare dal restante tessuto con chitarra acustica e tromba in bella vista. Se dovessimo star qui a dire quale sia il brano più bello non potremmo non dire che questo sia L'Uomo Che Continua, che piace per il tono dimesso (grazie anche ad un immaginifico testo dai tratti acutamente esistenzialisti), per i contrappunti vocali nel refrain e per le fascinose e dissonanti movenze della chitarra. Questo primo capitolo in solitario di John De Leo mostra come ci siano artisti che appaiono sordi alle sirene del successo plastificato delle charts, mossi solo dall'urgenza e dalla necessità di raccontare il vasto mondo interiore che abita ogni uomo, avvalendosi di forme artistiche diverse ma contigue. La filigrana che lega il passato di De Leo al presente non è stata recisa e l'afflato istrionico di questo albo lo dimostra, lavoro di per sé dotato di suggestivo fascino.

(Carosello Records, 2007)
Intro: 4 Piano Notes / Freak Ship / Vago Svanendo / L'Uomo Che Continua / Canzo / Tilt (C'è Mattia?) / Spiega La Vela / Big Stuff / Bambino Marrone / Le Chien Et Le Flacon / Sinner

CULT OF LUNA : Salvation

2008-02-03T08:44:00.000-08:00

Ammetto che solo in tempi recenti sono riuscito a comprendere la portata di un album come Salvation. Spesso, molto spesso direi, tante opere svelano tutto il loro valore dopo parecchio tempo e, parlando a titolo personale, questo terzo episodio discografico dei Cult Of Luna rientra perfettamente nella schiera. Quando quattro anni fa venne immesso sul mercato, l'accoglienza riservatagli da gran parte della critica fu alquanto tiepida. Non voglio certo mettermi qui a criticare i giudizi altrui o a fare del becero revisionismo, anche perché “Salvation” non è certo un capolavoro, è doveroso ammetterlo. Rappresenta una fase di transizione per il seven-piece svedese, un momento interlocutorio in cui i Nostri imboccarono la strada che li portò, lo scorso anno, alla forgiatura di un disco enorme come “Somewhere Along The Highway”, lavoro che la maggior parte della critica ha elogiato meritatamente. Il passaggio dalle scorie neurosisiane di “The Beyond” alle strane fattezze di “Salvation” spiazzò non pochi. Fatto sta che qui i Cult Of Luna iniziano a recidere quel cordone che li legava ai padri Neurosis, lavorando maggiormente ad un sound più personale, dove la potenza delle chitarre veniva in parte smagrita, caricando di contro il corpus sonoro di elementi fino a quel momento relegati ad un livello inferiore. Lunghe digressioni affluiscono in immaginifici ed ampi spazi di vuoto, radure fluttuanti che a momenti flirtano con l'ambient, in cui gli echi si accendono e spengono ripetutamente. Lo schiudersi di Echoes, l'intermezzo di Vague Illusions, gran parte della soffusa Crossing Over (che ammicca al diluito e sognante post-rock dei Sigur Ròs) ricalcano fedelmente questa tendenza alla rarefazione delle strutture. La maggiore consapevolezza nelle proprie capacità descrittive conduce i sette di Umea a dipingere climi notturni dove la luna è una gelida lampadina che buca il nero vellutato di un cielo dove gli astri sono evanescenti. La voce di Klas Rydberg è sempre urlata e sconfortata, si abbandona all'afflizione totale, come in preda ad un vigoroso pianto nervoso. La disperazione di una Leave Me Here vale invero più della metà dell'intero viaggio: uno spesso muro di onde ci scuote prima dell'abbandono in discesa verso l'abisso accompagnati da giri post-rock. Elemento quest'ultimo molto presente ma nel contempo plasmato secondo i dogmi della psichedelia, fuso con le sue esplorazioni spaziali. Le strutture del post-hardcore primigenio si dilatano per dare vita a qualcosa di fascinosa eleganza e di magari ancora acerba ma nel contempo innegabile particolarità. La prima parte di Waiting For You pare anticipare la desolazione di “And With Her Came The Birds” (inclusa in”Somewhere Along The Highway”), salvo poi innervarsi con un potentissimo riff che la fa letteralmente esplodere, dando luogo ad uno strumentale (solo nel finale è graffiata dalla voce di Klas) di dieci minuti di rara intensità. La maniacale cura delle dinamiche nei brani è un particolare fondamentale per l'economia del suono dei Cult Of Luna, i quali, lavorando su architetture a climax, lasciano che la profondità aumenti progressivamente. Stilisticamente parlando non è menzogna dire che qui le intuizioni del capolavoro “Kollapse” dei Breach vengono elaborate a dovere. Disco da riscoprire e sviscerare per coglierne l'essenza, carica di sfuggevole bellezza.

(Earache, 2004)
Echoes / Vague Illusions / Leave Me Here / Waiting For You / Adrift / White Cell / Crossing Over / Into The Beyond

2007 : In Nominae Relapse

2007-12-24T06:19:00.000-08:00

Per chi ama le sonorità dure e contaminate questo 2007 che volge oramai al termine non può non essere ricordato come l'anno della Relapse. La label statunitense, da febbraio a novembre ha immesso sul mercato una considerevole mole di album di livello medio-alto, marchiando probabilmente il suo periodo più prolifico. della macchina da guerra gestita dalla premiata ditta Yurkiewicz/Jacobson. In un anno poverissimo di dischi di rilievo in ambito Metal (con la M maiuscola), la perseveranza, l'attenzione e lo "stile" dell'etichetta guidata dal binomio Yurkiewicz/Jacobson sono davvero una delle pochissime note intonate dell'attuale (e sempre più spompato) panorama metallaro. Peccato solo che Neurosis e Nile si siano congedati dal parco delle (mostruose) meraviglie Relapse, altrimenti la concorrenza sarebbe stata seriamente rasa al suolo.

Gli album menzionati sono ordinati in ordine cronologico in base alle date di pubblicazione ufficiali. Tutte le uscite sono state recensite dal sottoscritto e trovate i relativi articoli nell'archivio della webzine Silent Scream ed alcune in quelli de Il Cibicida e Taxi-Driver.

06.02 : CAR BOMB Centralia

Discendenti di gente come Dillinger Escape Plan e Today Is The Day, aspettarsi docili carezze felpate dai Car Bomb sarebbe utopistico. La band picchia con fare nevrastenico e convulsivo anche se ogni tanto si avverte una certa inesperienza nel songwriting. Il loro math-core è ben costruito e mette in rilievo certe doti personali, nonostante le evidenti ascendenze. Da tenere sott'occhio, nome che promette scintille future.
recensione

06.02 : THE END Elementary

Le luciferine visioni di un caotico albo come "Within Dividia" non parrebbero nemmeno appartenere alla stessa formazione che forgia questo Elementary. Con un nuovo vocalist, i The End ripartono (quasi) da zero, tenendosi la claustrofobia del passato, ma guardando adesso a lidi sonori differenti, come il thrash evoluto di Meshuggah e SikTh ed il progressive moderno di marca Tool. E' un disco non semplice da assimilare, nonostante vi siano non rare aperture melodiche ed alcune songs accessibili come The Never Aftermarth e Throwing Stones. Album cupo che è un vero e proprio bivio per i canadesi ma che dimostra che sotto la ferraglia dell'esordio vi era ben più che un'iconoclasta voglia di radere al suolo tutto.
recensione

20.02 : MINSK The Ritual Fires Of Abandonment

La psichedelia del nuovo millennio passa inevitabilmente da qui. Il rituale dei Minsk espianta l'anima dal corpo e la dissolve in un pulviscolare nirvana che chiude definitivamente l'opprimente samsara che ci lega a questo mondo e alle sue sofferenze, ai suoi dolori. Ma prima bisogna sciogliere i legami e abbandonare tutto, il sangue e la carne compresi. Onde che si alzano e si abbassano lente, magmatiche, nel cerimoniale in cui Tool, Neurosis e Dead Can Dance si fondono in un tutt'uno. Il picco più alto del 2007 targato Relapse.
recensione1 - recensione2

20.02 : RWAKE Voices Of Omens

Malvagi e sporchi come pochi in giro, i Rwake si confermano tra i migliori esponenti del doom/sludge. Andature rallentate che fanno largo ad improvvisi colpi d'acceleratore, tetri intarsi acustici, una voce psicopatica e malefica a rendere ancora più lercio un sound venuto direttamente dal fango. Ci si immagini i Mastodon dediti al doom, ma sempre disposti a rifilare stilettate di un certo calibro. Classe cristallina da un mefitico acquitrino e Voices Of Omens un disco da ricordare. I compagni di label Unearthly Trance sono avvisati.
recensione

06.03 : ALABAMA THUNDERPUSSY Open Fire

La sola title-track sintetizza perfettamente l'essenza di un disco che pesca direttamente negli stilemi classici dell'heavy-metal. Ad incendiare il microfono c'è Kyle Thomas, ex-vocalist dei dimenticati Floodgate, e la band tira fuori una prestazione maiuscola carica di potenza e compattezza. Un pò più lontani dall'hard-sludge dei dischi precedenti ma non meno muscolari, i Thunderpussy aprono il fuoco e accade il finimondo. Album tosto e conferma per un gruppo che si tende spesso a mettere in secondo piano, sbagliando.
recensione

06.03 : DYING FETUS War Of Attrition

Ad onor del vero, uno dei lavori migliori usciti in questo anno di vacche anoressiche in ambito metal tradizionale. Ed è tutto dire, perché i Dying Fetus non fanno altro che riprendere ciò che han sempre fatto, ma magari con una punta di hardcore in più che certifica una lieve apertura nella rinomata ortodossia dei newyorkesi. I quali sparano fuori un lavoro denso ed efferato che non lascia scampo, come da tradizione.

12.03 : LENG TCH'E Marasmus

Forse un'evoluzione del genere era anche prevedibile, ma i belgi Leng Tch'e vanno oltre. Dal furibondo e "nasumiano" grind-core di "The Process Of Elimination" si giunge ora ad un (brutal)death metal evoluto, venato di sludge e stoner, aperture un pò più rock del solito ed una complessità, figlia di una certa maturità, ed un affrancamento dai prodromi di base non indifferenti. Segno che oramai l'impermeabilità di un linguaggio sonoro tanto scandagliato come quello del grind-core non fa più parte della nuova generazione di mutanti della musica pesante.
recensione

15.05 : ANTIGAMA Resonance

Invero uno dei punti più bassi di quest'annata per l'etichetta. E dire che dagli Antigama, dopo il bel "Zeroland", ci aspettavamo di sicuro un album di tutto rispetto. I polacchi invece si limitano al minimo sindacale, ricusando le peculiari sortite semi-industriali dello sperimentale disco precedente ed accodandosi al trend del grind/death schizofrenico. Resonance non è un disco da buttar via, ma poco riesce a farsi ricordare in termini di freschezza di idee. Potevano decisamente far di meglio.
recensione

29.05 : CEPHALIC CARNAGE Xenosapien

Già di per sè condivido le "fantascientifiche" teorie evoluzioniste dei Cephalic Carnage, poi se tirano fuori una roba come Xenosapien, album violento cerebralmente ancor prima che fisicamente, finisce che questo va a piazzarsi come uno dei migliori lavori estremi dell'anno. Un pò meno sperimentale di "Anomalies", questa nuova prova ribadisce la caratura del five-piece di Denver, che si prende pure il lusso di infilare un sax inatteso in G.lobal O.verhaul D.evice, mentre tutt'attorno è un perenne stridere di ferraglia insanguinata. Da annoverarsi tra i nuovi maestri del metal estremo.
recensione

12.06 : PIG DESTROYER Phantom Limb

Ciò che è stato detto in chiusura del trafiletto sopra vale anche per i Pig Destroyer. Phantom Limb non ha riscosso unanimi consensi come accadde per il terrificante "Terrifyer". Probabilmente non tutti hanno colto il coraggio della band guidata da J.R. Hayes, intenta ad uscire dai reticoli del grind-core ultra-sparato e pronta ad aprirsi verso sonorità non ancora esplorate (almeno per loro) come lo stoner ad esempio. Le rasoiate thrasheggianti che i Pig Destroyer sanno infliggere farebbero impallidire persino i maestri Slayer tanto sono feroci e malefiche e non sto mica scherzando. Provare per credere, miei piccoli San Tommaso.
recensione1 - recensione2

27.08 : COLISEUM No Salvation

La Relapse se li è accaparrati direttamente dall'interessante catalogo della Level Plane dopo un debutto eponimo di tutto rispetto. Affetta dal punk/crust, quella dei Coliseum è una perene scorribanda a metà tra High On Fire e Motorhead, ma plasmata con una decisa personalità che lascia intendere buoni sviluppi futuri. Ryan Patterson, mastermind della cricca, trascina i suoi come la motrice di un tir lasciato in discesa senza freni verso la distruzione del mondo. Alla fine non vi è nessuna salvezza, sia chiaro.
recensione

04.09 : BARONESS Red Album

Questo è uno degli album sordio migliori che mi sia capitato di ascoltare negli ultimi tre, quattro anni. Dando un orecchio ai due Ep che segnarono gli esordi del gruppo, una virata verso un sound così vintage e settantiano non era poi tanto facile da pronosticare. I Nostri tengono a bada l'ascendenza Mastodon e mirano a dare fisionomia ad un hard-rock che si fonde col progressive di nuova concezione, aprendosi a levigate digressioni psichedeliche, accentuando la componente melodica delle linee vocali, pur sempre parecchio "grattate". Rays On Pinion, Isak, Wanderlust, The Birthing, O'Appalachia, Wailing Wintry Wind sono i picchi più alti di un disco senza nessun momento debole. Persino l'artwork, realizzato dal vocalist/chitarrista John Baizley (alle prese con la cover dell'ultimo Pig Destroyer), è uno dei migliori dell'anno. Una nuova grande promessa: teniamoceli stretti.
recensione

18.09 : HIGH ON FIRE Death Is This Communion

Ecco cosa vuol dire suonare heavy-metal legato alle radici in maniera fresca e senza cadere nei cliché del genere. Death Is This Communion è invero il capolavoro della creatura post-Sleep di Matt Pike, paladino di un sound arcano ma dannatamente moderno che spazza con un solo riff (quello dell'iniziale Fury Whip) porcherie ambulanti come Trivium ed Avenged Sevenfold dalla faccia del pianeta. Questo è il nuovo e vero Heavy Metal e gli High On Fire sono tra i migliori esponenti del genere. Un album grumoso e possente e devastante che non ci permette di rifiatare nemmeno quando i ritmi si fanno più blandi (Khanrad's Wall). Uno dei nuovi classici della musica pesante. Punto e basta.
recensione

02.10 : ALCHEMIST Tripsis

Sempre indefinibili e con più piedi in una sola scarpa, gli australiani Alchemist continuano a dar vita ad album degni del rispetto degli appassionati di musica intelligente e ricercata. Le loro songs non sono mai banali e le atmosfere spaziali si coniugano perfettamente con quel peculiare riffing tagliente che in più punti ammicca alle dure caratteristiche post-core. Sanno dosare forza e cervello senza che le due componenti si sleghino, magari sperimentando un pò di meno, ma dimostrandosi una delle formazioni più convincenti ed incatalogabili in circolazione.

12.11 : DILLINGER ESCAPE PLAN Ire Works

Lo hanno detto tutti: oramai i Dillinger hanno la pattonite. E mi sa tanto che ai tutti non si può dar di certo torto. Questo è il loro disco più coraggioso perché il più melodico, quello che attirerà più critiche ma nel contempo dimostrerà quanto i Nostri siano tanto duttili quanto intelligenti. Fa un pò uno strano effetto sentire il rockabilly malato di Milk Lizard o l'heavy-pop di Black Bubblegum provenire dagli ampli di un gruppo che ha codificato un genere tanto oltranzista come il math-core di estrazione grind. "Miss Machine" è il loro masterpiece, questo certifica la voglia di non rendersi schiavi degli schemi che essi stessi hanno creato. Gente con coraggio da vendere.
recensione

NEUROSOUNDS VOLUME 1: STONES FROM THE SKY

2007-12-19T07:50:00.001-08:00

È finalmente on-line NeuroSounds Vol.1: Stones From The Sky, la prima compilation sulla scena "post" underground italiana, messa a punto dallo staff del NeuroPrison, il forum italiano sui Neurosis e sulla scena post-hardcore.

I due cd sonorilasciati su licenze Creative Commons e sono gratuitamente scaricabili dal sito: neuroprison.blogspot.com

Di seguito la tracklist della compilation:

CD X

Vanessa Van Basten : La Scatola (6.10)
Lento : Need (5.50)
Morkobot : Zorgongollac (3.04)
Infection Code : Sweet Taste Of Sickness (4.50)
Tears|Before : Portland (6.32)
Incoming Cerebral Overdrive : Food (2.54)
Storm{o}: Inconsiderata Putrefazione (3.20)
Sicklown : Illusion (8.05)
Psychocean : Overtones (4.57)
Amia Venera Landscape : A New Aurora (7.09)
Juggernaut : Nailscratched (4.35)
Jagannah : Pyl (4.00)
Last Minute To Jaffna : Dawn (11.20)
Deflore : Home (3.05)

CD Y

One Starving Day : Black Star Aeon (12.34)
Fog In The Shell : The Night Will Not Stay (8.24)
Tomydeepestego : Mizar (11.27)
Three Steps To The Ocean : Submerged Universe (10.17)
Viscera/// : White Flies (7.53)
A Cold Dead Body : Our Best Years (7.05)
Orbe : Aleph (6.20)
Turquoise : Glimmervoid (8.20)
Larva : La Pioggia e Le Lumache (7.01)

TOOL : Lateralus

2007-12-10T15:19:00.001-08:00

Nel disquisire di vere e proprie pietre miliari della musica il rischio di tracimare in una secca pozzanghera di luoghi comuni e di concetti espressi fino allo sfinimento è sempre in agguato. Tutti hanno detto qualcosa in merito, tutti hanno sviscerato ogni minimo fraseggio di chitarra, ogni semplice virgola delle liriche, tutti hanno fatto affiorare messaggi reconditi reali o, a volte, mere allucinazioni, tutti hanno vivisezionato il corpus in maniera tanto minuziosa da non lasciare nulla nell'ombra. Dire qualcosa di nuovo su Lateralus? No, non è certo il mio compito, nessuna pretesa. Probabilmente il disco più influente e fondamentale della musica pe(n)sante del nuovo millennio. Non è necessario essere un fan dei Tool per convenire con l'assunto di cui sopra. Gran parte delle forme di metallo evoluto, del rock più fresco ed intelligente, dell'umbratile universo "post" ha contratto un enorme debito con la formazione di Adam Jones e Maynard James Keenan. La gestazione di "Lateralus" è lunga e un pò offuscata dalle nebbie del dubbio in merito al proseguo della carriera della band, alle prese con fastidiosi intoppi legali con la loro label, la Volcano, e side-projects di lusso (gli A Perfect Circle). Il suo parto giunge comunque il 15 maggio del 2001, quattro anni e mezzo dopo il già disarmante "AEnima". Alcune delle arcane accezioni del disco sono già espresse nel folle artwork realizzato dal visionario pittore Alex Grey ed ispirato dalle idee del chitarrista Adam Jones (i due si conobbero durante un'esposizione di Grey nel 1999), con rimandi all'anatomia, all'ascetismo orientale, alla cabala. La copertina, il cui disegno finale è la risultante di immagini sovrapposte, ben si sposa con le architetture sonore che i quattro musicisti sono in grado di concertare. Le composizioni smembrano la forma canzone, pur mantenendo fede all'impianto con un'idea nucleare supportata da una protesi che la amplia, ed intorno a ciò ruotano le diverse variazioni su tema, sempre pertinenti con la matrice del brano. Si ottiene così una coesione narrativa che lambisce la perfezione, in cui ogni song assume le sembianze di un capitolo che ha vita a sè ma totalmente assorbito nella trama generale. Il manto ritmico è rigoglioso di tempi dispari e spostamenti di accenti, spettro ampliato da tratti percussivi di impronta etnico-orientale (la triade Disposition, Reflections, Triad è il compendio finito), mettendo in mostra l'impressionante crescita tecnica di Danny Carey (il rullante secco di questo album ha fatto scuola, tra le altre cose). Il lavoro di Justin Chancellor al basso ne palesa non soltanto le abilità strumentali, ma è evidente l'enorme duttilità del suo stile, ancor più che rispetto al passato chitarrista aggiunto con le sue trame fitte e fondamentali per la coralità dell'opera. Adam Jones si prende la briga di ridisegnare i paradigmi della chitarra rock moderna, facendo di una precisa ampiezza degli intervalli una delle caratteristiche principali del suo riffing. Le salmodianti melodie di Maynard James Keenan paiono strisciare sui tessuti strumentali penetrandoli tra le maglie ed omogeneizzandosi ad essi, complice anche il particolare trattamento della voce, equalizzata e mixata in maniera alquanto singolare (pare incassata tra due muri e provenire da chissà dove, è al contempo disgiunta dal resto ma ne fa inevitabilmente parte all'origine). La produzione è in condominio tra la band e David Bottrill (già in cabina di regia per "AEnima") e rivela una cura maniacale dei suoni, spesso gelidi e distanti, i cui strati nascondono dettagli che emergono anche a distanza di anni dal primo ascolto. La macchina aliena si innesta e sette secondi più tardi il tribalismo di The Grudge invade i padiglioni auricolari, distendendosi tra sinuosi risvolti poggiati su un riff ipnotico ed altalene di pieni e vuoti con quel basso "lunare" a tagliare improvvisamente la corrente. Sin dalla prima traccia si può notare il particolare lavoro di distribuzione della metrica nei testi di Keenan, segmentati attentamente seguendo la sequenza ritmica delle sillabe di ogni parola. Cosa che è palese nel decadente neo-surrealismo di Schism, invero la traslazione di un componimento cameristico in partiture rock che avanza con una stralunata cadenza in un'impalcatura poliritmica legata da una sopraffina filigrana. Il dittico Parabol / Parabola coagula gran parte dell'essenza ascetico/esoterica dell'album, l'anima si dimena all'interno di un corpo che è un semplice mezzo, una forma materiale che ingloba ciò che di inafferrabile ma tanto prezioso è in noi. Ma il punto focale è la title-track, il cui titolo si rifà(rebbe) al processo di lateralizzazione dell'essere umano, e quindi, al continuo evolversi della mente nell'esistenza terrena. Il (quasi) minimale giro iniziale funge da ouverture ad un continuo susseguirsi di esplosioni e ribassamenti, in un ciclico giro di dinamiche semplicemente da manuale. Il climax finale è poi l'apogeo emotivo dell'intero disco, autentico vortice che risucchia ogni componente del nostro corpo in uno spazio indefinito ed indefinibile. La dinamicità delle canzoni è indubbiamente un aspetto molto importante e The Patient non ne è di certo esente (Eon Blue Apocalypse è il suo prologo, così come Mantra per "Schism"), con una prima sezione che cresce lenta e che si squarcia in prossimità del refrain, seguendo chitarre ruggenti (ed in certi momenti inoltrate in sentieri parecchio metallici), fino alla fine dove le bellissime melodie della sei corde supportano in "seconda voce" quella di Maynard. Ticks & Leeches appare sin da subito come un brano atipico, principalmente nell'approccio vocale graffiato e distorto, in cui gli esoterismi ritmici prendono il sopravvento. Con Disposition, chiosando la lirica, il tempo cambia e si fa ricco di penombre, e ci ritroviamo ad errare tra sentieri desertici rischiarati dal riflesso lunare, ambiente perfetto per la meditazione. Reflections così diventa la liturgia in cui Maynard sale in cattedra con le sue linee ipnotiche che zigzagano su tortuose evoluzioni orientaleggianti, e la trance si sposta lentamente dalla mente al cosmo tramite fasci luminosi di cui ancora una volta Adam Jones è l'artefice. A suggellare la "suite" giunge Triad, selvaggio assalto strumentale, stavolta un pò meno complesso del solito, ricco di insidiose eco, come se una tribù stesse officiando un rito propiziatorio. Chiude il cerchio la disturbante Faap De Oiad, grumosa massa di rumori che insidiano il monologo di un telespettatore americano spacciatosi per un impiegato dell'Area 51, successivamente rivelatosi uno scherzo: resta comunquea alto il tasso di suspence, soprattutto quando la telefonata si interrompe improvvisamente. "Lateralus" è il punto di non ritorno dei Tool e del rock, adesso mutato in maniera irreversibile. Forgiato in un non identificato angolo della ricerca artistica, questo albo è un oscuro monolite che irradia fascinosi e misteriosi raggi magnetici capaci di proiettarci in una dimensione ultraterrena. Esperienza sacra di una sacra realtà.

(Volcano, 2001)
The Grudge / Eon Blue Apocalypse / The Patient / Mantra / Schism / Parabol / Parabola / Ticks & Leeches / Lateralus / Disposition / Reflection / Triad / Faap De Oiad.

DAVID SYLVIAN & ROBERT FRIPP : The First Day

2007-11-13T16:08:00.000-08:00

Il conciliabolo tra due assoluti titani della musica intelligente non poteva restare segreto, una cosa per pochi intimi. Le assonanze bibliche scorrono fluide: sette canzoni, un titolo eloquente dai chiari riferimenti alla settimana di alta ispirazione creativa di un fantomatico dio. Ma stavolta a salire sul podio divino sono questi due enormi musicisti che sin dall'iniziale funky sincopato su scale armoniche sbilenche di God's Monkey danno saggio, come se ci fosse da dimostrare ancora qualcosa, di cosa può accadere in incontri ravvicinati come questo. The First Day miscela in maniera estremamente naturale, quasi fosse cosa accessibile a tutti i comuni mortali, ricercatezza e sperimentazione formale con la fruibilità di melodie null'affatto scontate. Sylvian, col suo timbro ipnotico, giustappone con estrema classe parabole vocali che mettono in luce non tanto il virtuosismo quanto una necessità comunicativa funzionale al contesto, quindi ben amalgamata al tessuto sonoro, qui invero particolare. Dal canto suo, Robert Fripp immerge frippetronics e fiammeggianti schitarrate un pò ovunque, senza però rendersi invadente. E' l'osmosi perfettamente riuscita tra i due musicisti ciò che rende grande questo album. A sostenere i Nostri in tale avventura giungono Trey Gunn al basso e Jerry Marotta alla batteria, session-men che non credo abbiano bisogno di presentazioni. Firepower si dilata a tal punto da accarezzare lidi space-rock non prima però di aver assisitito ai proverbiali dialoghi della chitarra di Fripp nei numerosi botta e risposta, legando questo momento a memorie kingcrimsoniane. Ovvio che la band-madre del geniale chitarrista sia presenza fissa nel retroterra dell'opera ed il minaccioso riff di Brightness Falls ha qualcosina da riferirci a riguardo. Un pò come quando sopraggiunge 20th Century Dreaming, arzigogolato e poliritmico trip psichedelico che congiunge i Grateful Dead ad acide visioni kraut. Già questo basta per servire il definitivo colpo di grazia ed arrendersi di fronte a tale manna artistica discesa da chissà dove. Ma siamo solo al venerdì, ci sono ancora due giorni di mirabilie da descrivere. Gli oltre diciassette minuti di Darshan elevano al cubo la vena creativa congiunta dei due, rifinendo l'immutabile asse funky con fraseggi jazzati e gli immancabili frippertronics. Bringing Down The Light è l'alba del nuovo giorno, l'ultimo di questo mistico viaggio, contemplativo discendere di polvere solare in una calma avvolgente, quasi confortante e si ha come l'impressione che anziché formarsi, qualcosa si stia lentamente dissolvendo nell'etere. La creazione è finita e rimaniamo a bocca aperta, noi comuni mortali.

(Virgin, 1993)
God's Monkey / Jean The Birdman / Firepower / Brightness Falls / 20th Century Dreaming (A Shaman's Song) / Darshan ( The Road To Graceland) / Bringing Down The Light.

PSYCHOCEAN : "EMBRYONAL CONFINEMENT" OUT NOW!!

2007-11-03T04:29:00.000-07:00

È uscito "Embryonal Confinement", il primo Ep della mia band, gli Psychocean. Il disco è gratuitamente scaricabile cliccando sul banner presente sulla nostra pagina MySpace

Le quattro canzoni incluse si muovono tra Tool, Mastodon, A Perfect Circle, Isis, Voivod e Deftones seguendo svolgimenti progressive.

Chiunque fosse interessato ad avere una copia originale, può inviare una e-mail al seguente indirizzo di posta: info(at)psychocean(dot)com.

Le composizioni sono rilascite sotto licenza Creative Commons .

P.S.: al più presto ricomincerò a scrivere fesserie su questo blog...chissà quando...

NEW FACES

2007-08-18T07:02:00.000-07:00

Seguire le vicende della rigogliosa scena underground statunitense equivale a perdersi in un marasma di nomi e sonorità che, il più delle volte, annaspano (anche senza speranza) in cerca del tanto agognato posto al sole. È innegabile che la rete sia diventato ora più che mai uno strumento parecchio efficace per conoscere nuove, piccole realtà (e per quest'ultime, per rivelarsi ad un pubblico che vada oltre i confini natii), d'altro canto il sovraffollamento di gruppi di qualsiasi estrazione sonora rende molto complicato ogni processo di scrematura: non di rado infatti, dal setaccio ne filtra qualcuno che non meriterebbe le attenzioni rivoltegli. In questa sede segnalo telegraficamente cinque formazioni pressochè sconosciute in suolo italico: la stampa ne parla poco o non ne parla affatto, il pubblico molto spesso ne ignora l'esistenza.

Littered With Arrows (Goodfellow Records, 2007) è il secondo lavoro su lunga distanza per i temibili Destroyer Destroyer, five-piece dell'Oklahoma in vita da tre anni. Gravitano intorno al circuito Debello Records, agguerrita e microscopica label americana che ha in roster altre, interessanti bande di folli metallari come Anapparatus, Triumph Of Gnome, Machinist, El Cerdo, Operator Dead: Post Abandoned, tutte formazioni votate alla distruzione senza compromessi con fendenti death, grind e thrash in forma evoluta. I Destroyer Destroyer, sin dalla ragione sociale, eliminano anche il minimo residuo di dubbio riguardo la loro forza bruta: sono invero una micidiale macchina di morte che genera un chaos spaventoso in un ammasso apparentemente informe di urla giunte allo stadio terminale dell'isteria più acuta e stilettate elettriche discendenti tanto dal math-grind quanto dal death-core più belluino, senza ripudiare mid-tempos tritaossa. La loro violenza non conosce sosta, imperversa perpetua in ogni frammento di "Littered With Arrows", anche quando Off The Beaten Path, a metà tracklist, fa decelerare leggermente questa folle corsa verso la polverizzazione di ogni cosa.

Gli Apiary hanno esordito lo scorso anno con Lost In Focus per Metal Blade. Pur non inventando nulla (anche se in effetti il riffing è molto personale), i cinque americani demoliscono le barriere tra diversi linguaggi dell'universo metal, avendo come punto di riferimento le complesse architetture math-core. Ci si immagini una (ulteriore!) estremizzazione dei cervellotici schemi ritmico-tonali dei maestri Meshuggah, imbastarditi con le recenti evoluzioni (post)metal-core (i Deadguy sono spesso dietro l'angolo). La voce è un rigurgito di rabbia che si staglia su deraglianti chitarroni che stridono e si rincorrono in sviluppi prettamente prog. Metal d'assalto intelligente, li attendiamo per sconvolgerci ulteriormente in futuro.

Di metal hanno poco se non nulla i Souvenir's Young America, trio proveniente da Richmond, Virginia. La loro è una musica fortemente ispirata dai "viaggi" del post-rock strumentale (Labradford e Godspeed You! Black Emperor stanno nei paraggi, senza scordarci dei Grails), tenendo sempre ben presente la lezione "prog" di gente come Isis e Tool (autentici prodromi spirituali). C'è dell'ascetismo tra queste note, come un percorso interiore inarrestabile che pare generato dal disgelo del cuore, prima soggiogato in un malinconico torpore. Le immagini si fanno vive e tangibili in mezzo a chitarre riverberate e climi autunnali, qualche lievissimo squarcio doom tenta di farsi largo, residui ancora pulsanti dell'esordio di giusto un anno fa. An Ocean Without Water (Crucial Blast, 2007) è tutto questo ed oltre, flussi in movimento dopo ipnotiche soste, alba fluorescente dopo una gelida notte di solenne riflessione.

Ce l'hanno parecchio con l'amministrazione del loro paese. E non si può dar certo loro torto. Gli Architect da Syracuse, NY, sono incazzati fino al midollo e ce lo mostrano senza troppi patemi d'animo nel furibondo All Is Not Lost. Il singer Keith sembra un Corey Taylor nevrastenico e trascina il resto della cricca verso catastrofici scenari di distruzione urbana. Ogni song è un autentico colpo di falce che scippa letteralmente le teste. Dal background hardcore, e si sente a chilometri di distanza, gli Architect allestiscono un assalto all'arma bianca semplicemente spaventoso tanto è spietata la loro attitudine. Non mancano i tecnicismi tipicamente metal (il rifferama deve tanto anche alla fusione crust/doom) posti al servizio di una belligerante dichiarazione di intenti che pare la perfetta colonna sonora per gli ultimi istanti di vita prima di un'esplosione nucleare. Alla fine non vi saranno prigionieri.

I Graf Orlock sono gli ultimi ad essere menzionati in questo breve "focus on", ma non si intnda che siano meno talentuosi degli altri. Il loro "spazz-core" è malato e folle, come è giusto che sia, affetto dalla morbosa passione di quelli del gruppo per i film fantascientifici. Non mancano infatti ritagli di dialoghi provenienti direttamente dalle pellicole originali e persino il tema di "Jurassik Park" viene utilizzato per chiudere l'album (con The Dream Left Behind). Non c'è solo il tipico grind-core esasperato da queste parti, tante aperture si rifanno alla violenza tipica del thrash metal. L'artwork di Destination Time Tomorrow poi è un'autentica figata: fa un certo effetto vedersi sbucare la testa di Alien quando si apre il packaging alla ricerca del dischetto. È facile quindi intuire come questi ragazzi californiani siano gente dall'estro spiccato, non solo in termini musicali. Secondo Ep in carriera per la sempre attenta Level Plane Records per una delle migliori realtà del malatissimo panorama spazz-core.

IMPRESSIONS #4

2007-08-03T07:23:00.000-07:00

FLOODGATE : Penalty

(Roadrunner, 1996)

I Floodgate hanno lasciato una sola, ma pur sempre validissima testimonianza della loro breve esistenza. Kyle Thomas, il frontman, fa adesso parte degli Alabama Thunderpussy, coi quali ha dato vta giusto questo anno all'ottimo "Open Fire". Penalty è un disco solido, impiantato su un rifferama derivato dai codici dei Black Sabbath, eterno punto di riferimento per chi si dedichi a certe sonorità. I Floodgate hanno dalla loro una buonissima vena melodica (complice la versatile voce di Thomas, qui affiancato dal fratello Kevin al basso) ed una spessa corazza vicina alla grassezza dello sludge (Through My Days Into My Nights sta dalle parti dei Crowbar, la seguente Till My Soil l'avrebbero potuta scrivere i Corrosion Of Conformity). Le distorsioni sono quindi corpose e sintetizzano il lato più muscolare del gruppo, mai troppo dipendente dagli ascendenti dei Seventies (ci sono anche i Blue Cheer da qualche parte sparsi), pur ammiccando non sporadicamente al southern rock (la ballad Whole fa però troppo il verso alla celeberrima "Planet Caravan" dei Sabbath). Band da molti dimenticata, non fondamentale, ma che se avesse perseverato sarebbe da annoverarsi tra i Big del genere.

COLOSSAMITE : Economy Of Motion
(Skin Graft, 1998)

I Dazzling Killmen furono una delle espressioni più fulminanti ed eminenti del math-rock statunitense della prima metà dello scorso decennio. Non è di loro che parlo in questa sede però (anche se lo meriterebbero eccome), ma dell'avventura successiva ad essi del vocalist (??) Nick Sakes, i Colossamite. Quartetto composto da ben tre chitarre (senza basso, c'è oltre solo la batteria di Chad Popple), la loro è un'incursione nelle lande più malate del math, cui si rifanno per certi incastri di chitarra spigolosi e caotici, oltre che per una schizofrenia jazzata nell'impianto ritmico. Le linee vocali (??) riescono ad uscire fuori dal consueto urlare sguaiato e folle solo nella riflessiva Busy Little Hand, Economy Of Motion per intero è mosso da pulsioni primitive, violente, ma anche di aperture di classe (Tooth Of DaVinci). Tutti tranne Sakes andranno, di lì a poco, a dar vita ai non meno folli (e molto più sperimentali) Gorge Trio, progetto di cui attendiamo notizie da un pò.

MAMMATUS : The Coast Explodes
(Holy Mountain, 2007)

Mammatus è il nome attribuito dai metereologi ad un'enorme e spettacolare formazione nuvolosa che si forma in particolari condizioni climatiche. È anche la ragione sociale adottata da quattro eccezionali musicisti di Santa Cruz, California, invero quanto di meglio si sia udito in tempi recenti in ambito progressive/psichedelico. La musica di The Coast Explodes pare confondersi con la natura, riappropriarsi di quella sua genuina naturalezza proiettandosi fin oltre l'esosfera, accendersi come una palla di fuoco e vibrare verso gli astri. È il rito primordiale di fusione della natura umana con gli elementi terrestri (The Changing Winds), la corsa al cardiopalma negli acidi percorsi space-rock dei precursori Hawkwind o degli Ozric Tentacles (la mostruosa opener Dragon Of The Deep Part Three (Excellent Swordfight), epitome del Mammatus-pensiero). Voce alta e allucinata che si insinua, senza mai salire in cattedra però, tra stilettate di giri chitarristici discendenti dello stoner. E dall'infinità dello spazio si torna sulla Terra e si scava, fino ad arrivare al nocciolo, al centro del pianeta per dissolversi tra gli incandescenti gas (la teminale title-track). Mai così retrò, mai così freschi, non una caduta, non un singolo passaggio a vuoto, quaranta minuti di alta scuola.

PLAYLIST GENNAIO - GIUGNO

2007-07-01T09:49:00.000-07:00

Primi sei mesi alquanto avari di grandi dischi, con non pochi nomi di punta che hanno "dato buca" con lavori interlocutori (Nine Inch Nails, Queens Of The Stone Age) o schifezze da mandare seduta stante nel dimenticatoio (Chris Cornell, Hella, Korn). A dir poco impressionante la penuria di uscite di rilievo in ambito estremo, pare che questo sia destinato ad essere un anno di vacche magre. In ogni modo, le opere di grande spessore per adesso sono col contagocce.

NEUROSIS : Given To The Rising

Si chiude un cerchio, se ne apre un altro, una nuova tappa del karma neurosisiano.

(Recensione completa on-line su Silent Scream Zine)

MINSK :The Ritual Fires Of Abandonment

I toni altamente evocativi delle composizioni elevano l'ascoltatore verso una dimensione trascendentale in cui lo spirito può uscire da un soffocante limbo ed epurarsi.

(Recensioni complete on-line su Silent Scream Zine e su Il Cibicida)

IL TEATRO DEGLI ORRORI : Dell'Impero delle Tenebre

Tutto sta cadendo, tutto è in rovina sotto gli occhi di tutti, il mondo è un'ampolla riempita col siero della follia.

Recensione completa on-line su Il Cibicida)

BATTLES : Mirrored

È molta la carne sul braciere dei Battles, il sapore è un pò particolare, ma quando il vostro palato prenderà confidenza togliersela dalla bocca sarà problematico.

(Recensioni complete on-line su Silent Scream Zine ed Il Cibicida)

PORCUPINE TREE : Fear Of A Blank Planet

All'alta qualità delle liriche va ad affiancarsi un tessuto strumentale pregevole e delle melodie altamente ispirate che, fondendosi in un tutt'uno, si tramutano in una lega inossidabile.

(Recensioni complete on-line su Silent Scream Zine ed Il Cibicida)

HANNE HUKKELBERG : Rykestrasse 68

Arte semplice e ricercata quella della Hukkelberg, un disco di classe sia nei suoni quanto nella natura intrinseca delle canzoni stesse.

RWAKE : Voices Of Omens

L'universo doom-sludge ci regala un'altra gemma malefica.

(Recensione completa on-line su Silent Scream Zine)

SLEEPYTIME GORILLA MUSEUM : In Glorious Time

Terzo centro in carriera, roba che si addice solo a quei gruppi con delle idee in testa e le capacità per esporle.

(Recensione completa on-line su Silent Scream Zine

HACRIDE : Amoeba

Dire che gli Hacride sono una tra le migliori formazioni del prog estremo non deve apparire gratuita enfasi.

Recensione completa on-line su Silent Scream Zine)

GRAILS : Burning Off Impurities

Le impurità sbiadiscono lentamente e rimane il candore di un silenzio innocente e solenne, la genesi della vita stessa.

Recensione completa on-line su Il Cibicida)

Vanno senza dubbio segnalate le buone uscite di Martin Grech e degli Angelic Process (opere che richiedono ancora altri ascolti di approfondimento), così come i nuovi lavori di Verdena, Nadja, Clutch, The Locust, Pure Reason Revolution, Pig Destroyer, Jesu, The End, Bokor, Aidan Baker, Fear Before The March Of Flames, Carnal Forge, The Chariot, Shellac e Wilco tra gli altri.

Da tenere d'occhio alcune interessanti formazioni apparse negli ultimi tempi come Lesbian, Middian, Manatees, White Lichens e Mammatus.

Qualcosa di meglio poteva uscir fuori da "Somewhere Else" dei Marillion, così come i 65 Daysofstatic: il loro "The Destruction Of Small Ideas" mi ha detto ben poco.

Alcune delle catastrofi sonore di quest'anno sono già menzionate nel preambolo di apertura, ma di certo gente come Dream Theater, Pelican e Marilyn Manson sfidano i nomi di cui sopra. Riguardo ai Tomahawk, onestamente non so che dire.

HIGH TIDE

2007-06-09T04:27:00.000-07:00

Sea Shanties

In un panorama musicale che poco concede alle sorprese ed ancor meno alle reali innovazioni, andare al ripescaggio di certe gemme dimenticate dai più pare essere una pratica confortante per chi si nutre di musica fuori dalle logiche del "consumo". Per anni gli High Tide sono rimasti sotto la polvere, ricordati solo "da chi c'era" e da uno sparuto manipolo di cultori e tuttologhi dell'hard-progressive britannico, quello esoterico e malvagio che band come Black Widow e Necromandus hanno contribuito a creare. Tra i prime-movers del prog nel vero senso della parola, il primo parto della formazione capitanata dal violinista Simon House e dal chitarrista Tony Hill (sono della partita anche Roger Hadden alla batteria e Peter Pavli al basso) è Sea Shanties, opera coeva ad un certo "In The Court Of The Crimson King" dei King Crimson, vero decalogo del rock progressivo. Di recente la Eclectic Discs, label inglese che dedica parte delle proprie operazioni alla ristampa di materiale anni '70, ha sottratto gli High Tide ad un immeritato dimenticatoio che per lungo tempo li ha resi prigionieri. I sea shanties erano dei canti tradizionali intonati dai marinai mentre scagliavano le proprie lance durante le battute di pesca. Il titolo fuso al nome della band può farci intendere come l'oceano e l'abisso e i moti evolutivi delle maree facciano sostanzialmente parte dello stile e delle immagini evocate dalle composizioni. Il sound della combriccola inglese, i cui albori risalgono al 1969, anno in cui "Sea Shanties" venne pubblicato, è acido e ruvido, reso ancor più particolare nello spettro cromatico dal violino di House, invero una seconda chitarra al servizio degli arrangiamenti. I punti di contatto coi King Crimson non si esauriscono con le sole coincidenze temporali: se si hanno ben presenti gli arrangiamenti con violino di "Larks' Tongues in Aspic" e "Starless And Bible Black" è facile individuare in Pushed, But Not Forgotten una (probabile) fonte di ispirazione. Anche i Blue Cheer si prestano come ottimo termine di paragone per quel riffing graffiante e cupo, sabbathiano ante litteram. Un ingorgo malato di blues, hard-rock ed escoriazioni psicheliche che si congiungono in lunghe digressioni improvvisative rigogliose di assoli e cambi di ritmica che spezzano la struttura tipica delle songs. E' un'aria densa quella circola da queste parti, e non di rado vengono evocati tempestosi scenari marini come nel delirante volo pindarico di Death Warmed Up, autentico capolavoro strumentale in cui l'estro di House ed Hill dipinge abissali correnti e schiumose emersioni che squarciano il liquido suolo. Le melodie sono proferite con spirito declamatorio (Futilist's Lament). L'approccio è pressoché devastante se lo si rapporta ai tempi (basti ascoltare la finale Nowhere per farsi schiacciare da certi passaggi che saranno poi appartenenti al corredo genetico dell'heavy-metal), e l'immaginario opprimente e sinistro hanno fatto di "Sea Shanties" una gemma delle tenebre di un periodo musicale tra i più vivaci ed innovativi della storia del rock a metà tra Grateful Dead, Atomic Rooster, Blue Cheer e King Crimson. O per meglio dire, in pieno stile High Tide.

(Liberty, 1969 - Eclectic Discs 2006)
Futilist's Lament / Death Warmed Up / Pushed But Not Forgotten / Walking Down Their Outlook / Missing Out / Nowhere

High Tide

Il discorso si complica in parte l'anno successivo con la pubblicazione del secondo (ed ultimo, almeno per quasi vent'anni) album cui viene conferito il nome della band stessa. High Tide dimostra una maggiore padronanza tecnica e compositiva, ne giova così una coesione ben più spiccata che concorre alla creazione di un impatto più impermeabile e meglio rilegato tra le maglie. I testi sono sempre improntati su tematiche oscure ispirate dalla letteratura romantica anglosassone (Coleridge fu un grande punto di riferimento), così come avvenne per le liriche del debutto. Blankman Cries Again è ossessiva nel suo continuo reiterare le melodia portante, col violino di House a dare un taglio quasi celtico e le parole trovano spazio solo nei primi passi del brano. The Joke è un tour de force tra lunghi assolo di chitarra che si distendono su grappoli di note in cui si trova respiro solo nell'acustico finale. Saneonymous, nei suoi quasi quindici minuti, addensa la pesantezza del riffing bluesato dei primissimi Black Sabbath in un lirismo vocale, paradossalmente il migliore che la band sia stata capace di proporre. "High Tide" è inverosimilmente un album sì più complesso, ma nello stesso tempo anche più snello: le composizioni si snodano principalmente su due / tre strutture portanti cariche di orpelli improvvisativi che donano dinamicità al discorso.

(Liberty, 1970 - Eclectic Discs, 2006)
Blankman Cries Again / The Joke / Saneonymous

Gli High Tide si scioglierano di lì a poco, sconfortati da una scarsa considerazione sia della critica che del pubblico e per circa venti anni il loro nome venne ostracizzato. La band è stata rimessa su da Hill verso la fine degli anni Ottanta con risultati alquanto discutibili e di scarsa rilevanza. Inutile dire che la fiamma nera che ardeva agli esordi è oramai irrimedibilmente spenta. Restano comunque in eredità due album di eccezionale bellezza e dall'arcano fascino, che a dispetto delle solite cronache della storia del rock, hanno dato non poco al progressive e all'hard-rock, con quei suoni aggressivi e malefici, caratteristiche che lentamente il metal ha assorbito e fatte proprie. E' giusto quindi togliere la polvere dai cassetti della memoria e celebrare i giusti meriti di questo piccolo ma importantissimo nome.

IMPRESSIONS #3

2007-06-01T09:54:00.000-07:00

HANNE HUKKELBERG : Rykestrasse 68
(Nettwerk, 2007)

Confidenziale e leggiadro, Rykestrasse 68 ha rappresentato per me una piacevole sorpresa nell'anno discografico in corso. Idee semplici, melodie avvolgenti , emozioni sussurrate con pudore per dar vita ad un piccolo gioiellino sonoro. La voce di Hanne Hukkelberg ammalia con quel timbro senza escrescenze od impurità, sensuale quando le tonalità si abbassano, è specchio di un'anima che pare fluttuare in un trasognato paese delle meraviglie (Fourteen). Difficile non ammettere che ci siano tracce di Bjork disseminate un pò ovunque, sia negli arrangiamenti (palesi in Obelyx e Pynt) che nello stile vocale della cantautrice norvegese. In ogni modo, "Rykestrasse 68" ha nella qualità delle nove canzoni di cui si compone, la sua grandissima forza ed il suo mirabile fascino. Elettronica impiegata con discrezione, con l'unico compito di dare maggiore colore e calore a questo piccolo viaggio all'interno del diario dei ricordi del soggiorno in terra di Germania di Hanne lo scorso anno (Berlin, brano d'apertura ed incantato luccichio tra semplicissimi giri di chitarra acustica, è un titolo-simbolo). The North Wind è puro candore pop sospeso su di una mongolfiera di archi, Cheater's Armory è uno sbarazzino jazzato in cui la songwriter scandinava pare fare spallucce e scappare via sorridendo. Si fa persino carico di trasfigurare Break My Body dal repertorio dei Pixies in un acquerello dalle malinconiche tinte. Ticking Bomb aumenta un tantino il passo generale e non poco mi ha ricordato la Clara Hill più incalzante. Arte semplice e ricercata quella della Hukkelberg, un disco di classe sia nei suoni quanto nella natura intrinseca alle canzoni stesse. Un innocente ma quantomai ipnotico talento.

COALESCE : Functioning On Impatience
(Second Nature, 1998)

Nell'albero genealogico del metal-core, i Coalesce vanno inquadrati tra coloro che hanno eiaculato per primi i semi della definizione totale e moderna tra i due generi (il metal - death e thrash i sottogeneri prediletti - e l'hardcore), incontro stilistico che ha figliato una pletora di band molto valide (ma anche qualche bel brocco pronto a sfruttare il trend) negli ultimi anni. La band del Kansas, nel 1998, dava fuoco alle polveri con un disco brevissimo (sette tracce per circa venti minuti di autodistruzione). Le contorsioni delle chitarre generano figure storte ed irregolari che si incastrano coi tortuosi tracciati ritmici, belligeranti molotov lanciate alla cieca sulla folla. Sean Ingram esordisce monodico con i suoi latrati prima che gli altri della cricca sopraggiungano per far danni, declamando versi di sfida, perchè tanto you can't kill us all. Functioning On Impatience è un groviglio di ferraglia che stride (My Love For Extremes), incroci di traiettorie storte ed irregolari (New Language), di prese di coscienza sullo schifo della vita attuale: "so tell me to go to hell for all I care. Life without love is no different. I've been there and it offered no hope. Dead is dead" (On Being A Bastard). Venti minuti di intensa violenza psicologica e preparazione alla rivolta. Nora e Norma Jean tra gli altri dovrebbero ringraziare ciò che questa (ahimè) scomparsa formazione ha loro insegnato.

STOLEN BABIES : There Be Squabbles Ahead

(The End Records, 2006)

Il fatto che stiano sul catalogo della The End Records è già sinonimo di qualità. Se avete un minimo di confidenza col taglio (più o meno) tipico delle band del roster dell'etichetta americana, potrete già intuire che, nello stile degli Stolen Babies il nero è un colore che fa spesso capolino. Se poi ci mettiamo che alcuni membri degli Sleepytime Gorilla Museum (tra cui Dan Rathburn che registra e produce in questa sede), loro compagnetti di label, hanno dato loro una mano per la realizzazione di There Be Squabbles Ahead (e le affinità si estendono anche alle assonanze stilistiche) i conti iniziano a tornare. C'è del grottesco nel loro sound, senza ombra di dubbio (il video di Push Botton non ha bisogno di commenti). C'è anche la follia sbilenca dei Mr Bungle ad innervare un impianto che non poco deve al post-punk (Awful Fall provoca escoriazioni, state attenti) e a certo spirito cabarettistico e clownesco, sia nell'impiego di certi suoni (la lezione degli imprescindibili Thinking Plague è sempre presente) che nelle storpiature strutturali di alcune canzoni. Guidati dalla voce dell'istrionica ed affascinante Dominique Persi (anche alla fisarmonica), i quattro tirano fuori dal cilindro conigli dagli occhi demoniaci e marionette animate che paiono uscite da una favola dal tragi-comico finale. È un mondo fatto di sorrisi cattivi, denti aguzzi e da incubi non dichiaratamente travestiti da sogni. Parafrasano i Nine Inch Nails di "Pretty Hate Machine" in So Close, danno vita a marcette da fanfare di paese (Swint ? Or Slude?) o a intimismi più rock-oriented come Lifeless o ancora al narcotico samba gotico di The Button Has Been Pushed. "There Be Squabbles Ahead" è l'esordio di questa band da tenere d'occhio e che, dalle nostre parti, è finora passata colpevolmente inosservata.

THE SAWTOOTH GRIN : Cuddlemonster
(Dead By 1918, 2004)

Le evoluzioni del grind-core hanno creato una generazione di musicisti che da quell'oltranzismo ha estratto il lato più caotico e destabilizzante per poi plasmarlo con i dettami dell'indie-punk di marca At The Drive-In o con gli isterici origami tipici del math. Ecco serviti i Sawtooth Grin, giovane banda di psicopatici proveniente da New York, che dalla metropoli ha aspirato il lato più caotico e polverizzante. Aggressioni grind cedono il passo a fraseggi con grappoli di note dillingerescapeplaniane, col singer che si strappa la gola come un novello Jacob Bannon, ma in modo meno viscerale. Ficcano i The Locust in un pantano dove più identificabili riff alternative si affacciano per dare un pò di respiro in mezzo al continuo martellare ritmico o per interropmere gli scatti di ira che fioccano. Insomma, come dei (primi) Blood Brothers allo stadio ultimo di nevrosi. Non imprescindibili ma nemmeno meritevoli di ignoranza. In tipico stile "spazz-core".

DAVID TORN : What Means Solid, Traveller?

2007-05-13T06:59:00.000-07:00

L'errante alla ricerca del significato del concetto di "solido" in un mondo fatto di totale astrazione ed evanescenza. Interpreterei così il quesito che è anche il nome di questo album. Raggiungere lo stato solido, la pienezza della vita, passando prima attraverso l'impalpabile, la sfuggevolezza del non-concreto, del pre-materico che si estrinseca in soundscapes elaborati, in sovrastrutture indecifrabili. David Torn gioca con i pezzi di un puzzle che si tramuta in mappa per il viaggiatore, costretto a toccare diversi luoghi, diversi stati mentali, diversi livelli di coscienza necessari alla traversata. Scorrendo i titoli dei brani si ha quel senso di movimento, di viaggio interiore tra stazioni, ponti che bruciano, giorni insabbiati in cui il vento spazzerà i sedimenti e ci renderà liberi. Le textures (come ama chiamarle proprio lo stesso compositore) sono elaborate, cariche di effetti e riverberi che sbocciano anche in lassi di tempo più lunghi del previsto, lunghi bordoni elettrici si distendono tagliando l'atmosfera (Elsewhere, Now Than Waving, a metà tra Tangerine Dream e Popol Vuh). La voce di Torn si mimetizza in più frangenti, scandisce qualche verso, ma è vessillo di desolazione nei gospel in slide di Tiny Burns A Bridge (uno dei momenti più alti di What Means Solid Traveller?) e In The Sand Of This Day I Will Not Be Free. Il background jazzistico del chitarrista è disgregato e riordinato secondo criteri adatti ad architetture fitte di incastri e loop ritmici in una commistione di stili e tecniche impressionanti, impreziositi da corrosive manipolazioni del timbro della chitarra che diventa mezzo per esperire soluzioni abnormi ed originali. . ...Til You Are Free riesuma Hendrix scomponendolo con la sintassi di Robert Fripp, che è vivida presenza nei fuochi che divampano in Spell Breaks With The Weather e Gidya Hana (che si tinge di armonie arabiche su un tessuto jazzato) e nel retaggio di Such Little Mirrors. C'è una forte indole cinematografica, aspetto questo che Torn svilupperà negli anni a venire lavorando alle colonne sonore di "The Order" e "Friday Night Lights". I suoni generati creano così atmosfere quasi aliene, stranianti ma estremamente fascinose, in cui le particelle di aria paiono dilatarsi, assumere nuove forme, mutare il loro stato in consistenti molecole che migrano sospese. Tornato di recente con un altro, eccezionale album intitolato "Prezens" (dove la complessità di strutture totalmente fuori da ogni canone convenzionale regna sovrana), David Torn è uno tra i più geniali ed innovativi maestri della sei corde, scultore di forme sonore indecifrabili, regolate dal solo codice della libera espressione. Che sia la libertà la vera solidità nella dura dimensione dell'esistere?

(CMP, 1996)
Spell Breaks With The Weather / What Means Solid, Traveller? / Such Little Mirrors / Tiny Burns A Bridge / Gidya Hana / Each Prince, To His Kingdom, Must Labor To Go / Particle Bugs @ Purulia Station - In The Sand Of This Day / In The Sand Of This Day I Will Not Be Free... /...Til You Are Free / Elsewhere, Now Than Waving

IMPRESSIONS #2

2007-05-05T18:53:00.000-07:00

BUGGE WESSELTOFT : It's Snowing On My Piano
(Act, 1998)

Non ancora giunto al downtempo electro-jazz dell'eccelso "Moving" di sei anni più tardi, il norvegese Bugge Wesseltoft, mastermind dell'etichetta Jazzland, una tra le migliori realtà del panorama jazz attuale, dipinge col suo secondo capitolo discografico un delicato affresco dalle tinte pastello quasi sbiadite, tentando l'esplorazione del suo lato più intimista. Dodici brani di solo grand piano con architetture essenziali in cui è la sola melodia portante (raramente sostenuta da una ritmica) a fungere da materia prima. Il jazz è qui proposto in una veste inusuale e al suo ceppo possono essere ricondotti solo semplici fraseggi. È più che altro una continua ode allo spirito in salmi contemplativi e trasognati, in cui note lievi si congiungono in un puzzle armonico equilibrato e morbido, viaggiando su candide progressioni che si poggiano dolcemente, proprio come la neve che cade cauta ed ordinata. Un approccio raffinato e mai altezzoso o distaccato. Melodie impalpabili ma allo stesso tempo pulsanti, capaci di far vibrare le corde dell'anima. Nevica sul pianoforte di Bugge ed il gelo, stavolta, ci scalda il cuore.

DEEP TURTLE : Turkele
(Zerga, 2003)

Parrebbe difficile prendere sul serio un gruppo che adotta, come ragione sociale, la storpiatura del nome di una delle band più altisonanti della storia del rock e che, tradotto, significa "tartaruga profonda". E invece i Deep Turtle vanno assolutamente presi sul serio. Inverecondi seguaci (ma non in maniera impersonale) del verbo dei NoMeansNo, da cui mutuano il lato più minimalista ed improvvisato, si formano nei primi anni novanta, si scioglieranno nel '96 per poi tornare nuovamente insieme nel 2001. Attualmente attivi, ciò che rende questa band abbastanza peculiare per parlarne, oltre all'interessante musica, è il fatto che, essendo finlandesi i loro testi siano scritti interamente in spagnolo. Per loro è un vanto e non ne dubitiamo affatto. Scendendo ad un livello sonoro, Turkele va ad incastonarsi in quella cortina che c'è tra il post-rock, il post-hardcore fugaziano e lievi cenni jazzati. Il tutto è miscelato con arguzia e la giusta dose di umorismo (le andature giocose di Perdido) che non guasta mai. Con canzoni che si pongono contro lo sfruttamento irrazionale delle risorse naturali da parte dell'uomo e, soprattutto, in opposizione alle pericolose politiche ambientali e guerrafondaie degli Stati Uniti, le tartarughe intagliano brani dove fraseggi convulsi dall'afflato latino imperversano a più riprese nelle maglie strumentali, richiamando non poco gli stilemi dei Mars Volta (Pesadilla, Cupuvis, Martillos Malditos). Stacchi e ripartenze nervose, voce caustica, basso sferzante e divagazioni rumoristiche in sette brani per poco più di venti minuti. Gente più seria di quel che si possa pensare a priori.

TREPHINE : Trephine
(Public Guilt, 2005)

La musica dei Trephine da Baltimora è davvero incalzante e tosta. Ennesima prova di come il concetto di prog-rock stia mutando, assumendo ora sempre più nuove e svariate forme che esulano dai formati classici intrisi di virtuosismo, incursioni sinfoniche e dreamtheaterismi assortiti. Qui all'esordio su Public Guilt con l'opera eponima, i quattro strumentisti statunitensi non vanno tanto per il sottile. Nel loro sound si trova di tutto: noise-core, thrash metal, oscurità doom (Goes To Hell, Mr Wiggles (part one) nasce lenta e cupa), zigrinature math, complessità ritmiche e tempi contorti, facendo confluire un simile impasto in dinamiche costruzioni prog. Si provi ad immaginare una fusione tra i geni di Mastodon, Clutch, Dysrhythmia e Melvins che genera così un ibrido strumentale furibondo e carico di nervi (Age Of Reptiles, Metal Detector, Resident Advisor), escoriante ed affilato, una dimostrazione di potenza mista a classe degna di un gruppo dalla spiccata personalità, nonostante le ascendenze. Speriamo che in futuro non pochi possano accorgersi del loro creativo estro.

PORTLAND IN DARKNESS : 43rd Parallel with Conifer & Ocean

2007-04-29T08:48:00.000-07:00

Prima ancora di essere una indie-label, 43rd Parallel è un collettivo di musicisti di Portland che, accomunati dalla passione per le pubblicazioni in vinile, si sono riuniti per produrre non solo le proprie band madre, ma anche altri piccoli gruppi del panorama stoner, doom e sludge americano. Le uniche notizie reperibili le si intercettano sul "solito" MySpace , dato che ancora l'etichetta è sprovvista di un proprio sito (attualmente in fase di allestimento). Non si sa quindi quando essa sia nata, ma è certo che il numero di pubblicazioni (finora solo split) è alquanto esiguo. Tra le band che hanno condiviso 10" e 12" ci sono i bostoniani Cortez, gli A Thousand Knives Of Fire, Sin Of Angels e Beneath Oblivion. Tirature limitatissime (dalle 350 alle 1000 copie circa) in diversi colori, giusto per stuzzicare gli irrefrenabili appetiti dei fans del formato vinile. Mi servo di questa piccola label come punto di partenza, o meglio, come trait d'union, per spendere qualche parola su due delle tre band che le hanno dato vita. Perché non tutte e tre è presto detto. Purtroppo i Moneycastasia non hanno ancora inciso nulla e l'unica testimonianza della loro attività è un video presente sulla loro pagina MySpace che è pressoché superfluo, data la brevità (giusto una ventina di secondi) e la pessima qualità audio. Nell'universo p2p non v'è traccia alcuna di registrazioni a loro intestate, penso che bisognerà attendere ancora un pò. Non resta che puntare i riflettori sulle altre due band coinvolte nel progetto.
Dal nome suggestivo tanto quanto le loro creazioni sonore, i Conifer sono un quartetto strumentale da tenere sott'occhio. Nell'unica loro release omonima del 2004 i Nostri flirtano con diversi linguaggi musicali. L'apertura di Troy pare sottratta alle radure ambientali dei Boards Of Canada, con le frequenze che si intrecciano e ribollono, prima che si innesti un arpeggio che i Mogwai della prima ora non avrebbero affatto disdegnato. Ed è solo l'inizio di un ammaliante viaggio, in cui le dinamiche sono cesellate perfettamente per creare grandi aree di pieni e vuoti che si interscambiano. Quando tutto sembra acquietarsi arrivano da chissà dove voci orrorifiche che paiono strangolarsi tra di loro, come se degli spiriti malvagi avessero deciso di manifestarsi in uno scontro fratricida accompagnato da un tessuto che nel frattempo ha assunto i tratti somatici del doom. È un continuo rifrangere di stili, un continuum che si spezza in continuazione, pur mantenendo una filigrana che gli impedisce di sfibrarsi e slacciarsi: si passa in un batter d'occhio dallo stoner al post-rock, da deflagrazioni di chitarre ad abbassamenti di intensità inattesi di origini ambient. Nella sola Troy, nei suoi venticinque minuti, è riassunta gran parte dell'essenza di Conifer, che nella successiva Turning Sand Into Glass si svolge quasi completamente in ambito stoner/doom, a differenza di Widowmaker, a metà strada tra i Mono ed i Tortoise meno squadrati. Albuquerque Reprise, dopo aver trovato valvola di sfogo in disperate urla confuse tra sedimenti di chitarra, plana verso climi notturni non proprio rassicuranti.
Altra formazione invischiata nella faccenda sono gli Ocean, forse quella di maggiore "spicco" tra le tre. Il quartetto di Portland è autore di Here Where Nothing Grows, monumentale debutto suddiviso in tre lunghi capitoli che, sommati, raggiungono la nient'affatto trascurabile durata di 65 minuti. Il loro monicker non può non rimandare alle maestosità di enormi masse d'acqua che si spostano, ingrossandosi e impiccolendosi sotto il regime delle maree. E la band non tradisce tali figurazioni con una musica magmatica ed epica, seguendo gli insegnamenti dei Burning Witch, ma soprattutto, accodandosi a quel sound sporco e fascinoso caro agli imprescindibili Buried At Sea (c'è Sanford Parker alla produzione) e agli Unearthly Trance degli esordi, oltre a non nascondere certe fascinazioni per momenti più onirici di estrazione prog-core/post-rock (come in The Salt, dove non è peccato intravedere i Pelican in mezzo). Sembrerà retorico, ma le tre composizioni di "Here Where Nothing Grows" hanno davvero il genoma dei flussi sonori, con crescendo inesorabili accompagnati da movenze lentissime (che raggiungono nella conclusiva The Fall le andature di un corteo funebre), ondeggiando in tenebrosi spazi marini dove la luce non filtra nemmeno per mezzo di volontà divine. L'opener First Reign è il giusto e solenne inizio del cerimoniale in cui è facile rimanere colpiti da quella voce lacerata e carica di malessere o da quelle chitarre sature che tanto piacerebbero ai Rwake, prima che si spenga, inabissandosi nelle profondità subacquee. Galleggiamo sospinti da una brezza nera che d'improvviso smette di soffiare e ci fa precipitare rovinosamente per terra. Storditi ci rialziamo e diamo un'occhiata in giro. Il vuoto assoluto ci circonda, pare volerci inghiottire. Come una maschera di ghiaccio, la paura veste i nostri volti. È la fine del viaggio, l'ultima fermata. Qui, dove nulla cresce.

CONIFER : Conifer
(Important! Records / 43rd Parallel, 2004)

OCEAN : Here Where Nothing Grows
(Important! Records / 43rd Parallel, 2005)

Links:
myspace.com/moneycastasia

myspace.com/conifer - conifermusic.com

myspace.com/ocean - oceanofdoom.com

STRAPPING YOUNG LAD : City

2007-04-20T10:37:00.000-07:00

Impressionante capolavoro della scena metallica della scorsa decade, City è anche un disturbante ed estremo manifesto delle barbarie psichiche che il sistema sociale contemporaneo perpetra giornalmente nei confronti degli individui, annientandone le attività mentali, rendendoli emeriti parassiti svuotati di ogni impulso umano, incapaci di instaurare profondi rapporti col prossimo. Di tale situazione si fanno portavoce gli Strapping Young Lad dello psicopatico e genio ipercreativo Devin Townsend. Belluini fabbri di furia metallurgica, i Lads penetrano fin dentro le viscere del sistema per ridurlo in polveri impercettibili, frantumandone ogni regola con intenti iconoclasti e sovversivi. La metropoli è il grembo entro il quale ogni singolo ego annega nell'oceano dell'anonimato, serrato negli inumani orari di lavoro, farciti come polpettoni con tutta la spazzatura che i mass-media proiettano ogni santo giorno, adepti del pagano culto dell'oggetto, automi che affollano con occhi spauriti i marciapiedi dell'enorme agglomerato urbano che li fagocita lentamente. L'odio nei confronti della massa amorfa senza ideologie ed obiettivi raggiunge come un razzo infiammato pericolosi stadi di parossismo acuto. Un gran bel vaffanculo alto quanto un grattacielo è servito con ghigno isterico alla stupid people e alle loro useless fucking lives. Un tale catastrofismo a livello lirico non poteva non bearsi di un contorno sonoro trita-timpani e sciogli-cervella. Avendo in line-up un'assoluta belva ferina come Gene Hoglan alla batteria e altrettanto dotati “commilitoni” come Jed Simon alla seconda chitarra e Byron Stroud al basso, il buon Devin si sguinzaglia con belligeranti intenti per scatenare l'apocalisse. Tonnellate di chaos cibernetico, suoni convulsivi e formicolanti che sedimentano come macigni su distorsioni che sono bisturi poggiati poco simpaticamente alla gola, pronti ad affondare, assolute estremizzazioni degli schemi dettati dai Fear Factory di “Demanufacture”. Velvet Kevorkian è la dichiarazione di guerra, All Hail The New Flesh, oltre ad essere il manifesto programmatico dell'intera opera, è la genesi della mattanza, tempesta di battute e riff affilati su cui si stagliano le impetuose melodie di Townsend. “City” non è infatti tutto rumore come solo gli ascoltatori più disattenti (o magari, disabituati a tanta devastazione sonora) potrebbero intendere. Al suo interno si agitano sempre grandi ed epiche melodie che concedono una più vigorosa intelligibilità, come il finale di Detox testimonia, solco informato da un riff che esce dalle casse come una mannaia su un impianto ritmico a tratti power-thrash. Oh My Fucking God è la vetta più alta della ferocia nichilista dei quattro, con frangenti di rumore elevato ad infinito, delirio pulsante che si estrinseca soprattutto nei versi, impossibili da decifrare durante l'ascolto. Devin è lo strizzacervelli in perenne crisi di nervi, sbraita come fosse posseduto, declama, manda affanculo tutto e tutti, apre puliti squarci e poi torna col suo fare farneticante, ma non senza quel suo sense of humour degno dei geni incontaminati come lui. Da queste parti il disordine è regolato da ferrei paradigmi di lucida follia. Hoglan è letteralmente polverizzante col suo drumming da drum-machine (in)umana: il suo ingresso in All Hail The New Flesh è una letale crisi tachicardica, tanto per fare un piccolo esempio. Home Nucleonics è una bomba pronta ad esplodere sotto i caldi guanciali degli stupid human beings, messi in guardia del fatto che la technology will hit us while you're looking for a man. E a quel punto nutrire rimorsi sarà del tutto inutile, nonché fuori tempo massimo. Tutto ciò funge da preambolo al momento più “normale” del disco, AAA, marziale e sinuoso tempo medio che più si avvicina morfologicamente ad una comune canzone. La cover di Room 429 dei Cop Shoot Cop sta proprio in mezzo all'ennesima sfuriata di ira funesta di Underneath The Waves e la conclusiva Spirituality, la cui maestosità appare come la proclamazione di una vittoria sugli impertinenti ed anonimi individui su cui si sono riversate così tante scariche elettriche sterminatrici. O, più verosimilmente, come la ricerca di una spiritualità oramai persa nel sistema di valori collettivo, riponendo una fioca speranza sull'esistenza di qualcuno che là fuori senta ancora il bisogno di averne una. Un'esplosione nucleare di veemenza mai vista prima, questo album ha spostato più avanti il baricentro dell'estremismo musicale alla maniera di un vento atomico. Osservato attraverso la lente “sociologica”, “City” è un oltranzista urlo che buca come la punta di un trapano la cortina fumogena della “fasulla personalizzazione” (suonerie personalizzate, accessori personalizzati, vacanze personalizzate e via di personalizzazione andando) svenduta a buon mercato da chi punta al controllo totale dei comportamenti della massa, sempre più frustrata da un benessere tecnologico che è solo un palliativo propinatole per star zitta e continuare a muoversi nello scacchiere del mercato, resi giorno dopo giorno disumanizzati vagabondi delle enormi strade della metropoli, che di questo “inarrestabile progresso” è il simbolo più vistoso. Fedele specchio del disordine ideologico/morale che regna sovrano nell'età contemporanea (ed in dieci anni dalla sua pubblicazione la situazione è andata solo peggiorando), non ci si scandalizzi affatto del suo codice genetico altamente distruttivo e violento. Una società estrema non può non dar adito alla nascita di opere estreme. E “City” è, tra queste, uno dei capolavori supremi.

(Century Media, 1997)
Velvet Kevorkian / All Hail The New Flesh / Oh My Fucking God / Detox / Home Nucleonics / AAA / Underneath The Waves / Room 429 / Spirituality

DEAD CAN DANCE : The Serpent's Egg

2007-04-18T08:24:00.000-07:00

Un organo austero in tensione su una nota, lievi gorgheggi che si elevano verso dapprima medie, poi sempre più alte vette. Silenzio. Esplosione di venti che convergono in un brivido che taglia come una lama la schiena ed è apoteosi che, lentamente, plana ondeggiando in picchiata sul selciato per spegnersi. Nella sola The Host Of Seraphim è condensata l'emozione di intere carriere di gruppi e solisti che nemmeno sommando l'intensità del loro repertorio tutto toccherebbero tali, inusitati vertici di pienezza emotiva. Per i Dead Can Dance invece rappresenta il battesimo al cardiopalma per uno dei loro album più riusciti di sempre, The Serpent's Egg. Lisa Gerrard veste i panni della medium tra questo e chissà quale ultra-terreno mondo sfoggiando i suoi proverbiali lirismi. Dapprima dettando l'andamento ritmico con le sillabe proferite dalle due linee vocali che si intrecciano nella raggelante Orbis De Ignis; tratteggerà poi arabeschi nella monodica Song Of Sophia o si prostrerà all'offerta di litanie dall'afflato pagano decorate da funerei rintocchi di campana in un incedere ossessivo e reiterato (Chant Of The Paladin) o ancora in volteggi su nude composizioni dallo spirito medievale (The Writing On My Father's Hand). Ecolalia ha la sintomatologia della soundtrack di un film sulla misteriosa storia di una civiltà scomparsa, donando minacciose melodie ad una ipotetica scena di guerra primordiale. Anticamera perfetta per il tribalismo “amazzonico” di Mother Tongue, selvaggio nelle sue percussioni che paiono provenire direttamente dal sottosuolo. Brendan Perry appare autoritario e declamatorio, salendo in cattedra nella pastorale Severance, la cui partenza liturgica darà poi spazio sul finire ad una successione melodica d'ispirazione celtica, o tra i lampi gotici di In The Kingdom Of The Blind The One-Eyed Are Kings, per giungere alla ballata “barocca” da odissea interiore di Ullyses. Il sepolcro è chiuso.

(4AD, 1988)

The Host Of Seraphim / Orbis De Ignis / Severance / The Writing On My Father's Hand / In The Kingdom Of The Blind The One-Eyed Are Kings / Chant Of The Paladin / Song Of Sophia / Ecolalia / Mother Tongue / Ulysses.

IMPRESSIONS #1

2007-04-11T03:26:00.000-07:00

L'enorme mole di album di cui vorrei riferire settimanalmente e l'evidente impossibilità (per ragioni di tempo), congiunti alla sempre crescente logorrosi musicale (mi andrebbe anche di parlare di altro ogni tanto, ma sono cose troppo intime, preferisco la mia più confidenziale Moleskine), mi inducono a ripiegare su recensioni più o meno brevi, evitando il solito "ingigantimento" su una sola opera. Nessuna connessione tra i dischi trattati, semplici ascolti fatti in tempi recenti e nulla più. Il fatto che le abbia chiamate "impressions" ha un suo perché: le mie sono solo impressioni, non sentenze.

ANTIGAMA : Zeroland

(Selfmadegod Records, 2005)

Esordiranno presto su Relapse, speriamo facendoci seriamente del male, gli Antigama, il cui nuovo full-length "Resonance" è schedulato per il 15 maggio prossimo. Durante questa dolce attesa mi è sembrata cosa buona e giusta rispolverare Zeroland, pernicioso delirio del quartetto polacco oramai vecchio di due anni. Calati negli inferi del grind-core più selvaggio, i Nostri ne manipolano le soluzioni con voci un pò più pulite (ma puntualmente filtrate) e aggiungendo una varietà strutturale che non ne confina gli svolgimenti alle sol(it)e scorribande votate alla carneficina. Per certi versi potrebbero aprire una breccia psichedelica (ed industrialoide) all'intransigente cortina di uno dei generi estremi che, grazie a menti assolutamente geniali come Dillinger Escape Plan, Nasum e The Locust (e tutta la trafila di discendenti), è riuscito in tempi recenti a rinnovarsi e, perché no, ad evolversi dando una scossa anche ad ambiti sonori limitrofi. Otto brani (più la title-track che è una outro di "soli" nove minuti e mezzo) dalle durate striminzite per un album che fila via veloce, ma non senza lasciare i segni del suo passaggio. Come da tradizione molte delle loro arringhe si sviluppano su corse al cardiopalma, inframezzate da repentini stacchi e ripartenze altrettanto improvvise. Anche quando le movenze si fanno un pò più caute con Sorry il discorso rimane inalterato nella sua escoriante linea oltranzista. Che il nuovo album possa consacrarli?

HELLYEAH : Hellyeah
(Epic Records, 2007)

Onore a Vinnie Paul che, dopo la tragica scomparsa del leggendario fratello Dimebag Darrell, ha avuto la forza di rialzare la testa e rimettersi in carreggiata. Suoi nuovi vompagni di ventura sono adesso Chad Gray e Greg Tribbett (rispettivamente cantante e chitarrista dei Mudvayne) ed il duo proveniente dai Nothingface Jerry Montano (basso) e Tom Maxwell (chitarra). In molti resteranno abbagliati dai nomi coinvolti, complici anche i toni esorbitanti utilizzati da alcuni autorevoli magazine esteri che ci presentano gli Hellyeah, volendocelo anche far credere, come un imprescindibile supergruppo. Mai assunto fu più lontano dalla realtà. Partendo da quanto proposto recentemente dai Damageplan, i Nostri cercano di riprenderne l'impatto ed il riffing, nonchè la struttura stessa delle canzoni, ma senza quella carica che nei succitati non è che fosse poi così spiccata. La brutta copia di un originale già sbiadito quindi. Le songs sono sterili giochetti da (finti) duri e tamarri, prive del benché minimo spunto creativo. La voce è graffiante e non ripudia certe inflessioni melodiche (You Wouldn't Know), ma il tutto scorre senza lasciare la minima traccia. I riff vorrebbero essere tosti unendo nu-thrash, hard-rock dal taglio alquanto moderno e southern, ma questo è un discorso trito, ritrito, e persino avariato. Alcohaulin' Ass è uno degli episodi che si salvano, ma sta troppo dalle parti dei Lynyrd Skynyrd. L'opener Hellyeah cerca di squoterci ed è una missione che porta a termine solo ai primi passaggi sulla piastra; qualcosina si salva poi sul finale, ma non ci si immaginino chissà quali miracoli. La sagra dello sbadiglio è servita. Gli Hellyeah puntano molto sulla (presunta) immediatezza di una proposta che non ha un gran bel niente da dire al giorno d'oggi, un'innocua "dimostrazione di potere" che da queste parti non c'è. Disco perfetto per le charts (in quanti si lasceranno abbindolare dai nomi coinvolti nell'operazione?), ma che non sarà poi tanto difficile che si impolveri e sprofondi in un meritatissimo oblio in tempi più brevi di quanto ci si possa immaginare.

RED SPAROWES / GREGOR SAMSA : Red Sparowes / Gregor Samsa (Split)
(Robotic Empire, 2006)

Qualche mese prima di fare il definitivo botto col recente (e meraviglioso) "Every Red Heart Shines Toward The Red Sun", i Red Sparowes pubblicano uno split con Gregor Samsa, eccelso compositore della scena post-rock/slow-core statunitense. Due composizioni a testa per un visionario viaggio che ha inizio tra le distese spaziali dei "passeri rossi", coi loro continui giochi tra spazi pieni e spazi vuoti, crescendo inesorabili di malinconica bellezza, ed epiche melodie che tuonano fragorose tra le maglie del vento. Albe radiose e foschie argentee prendono forma mentre le chitarre ne spianano il corridoio verso un abbacinante infinito. Due perle di classe estrema, come sempre. Non è da meno il coinquilino Samsa. La sua è una poetica onirica e riflessiva, piena di mestizia che non tracima mai nello sconforto più assoluto. Al suo interno risiede la speranza per una quiete interiore che non può non giungere senza un precedente imbrunire dell'io. I passi iniziali di Young & Old / Divine Longing sembrano richiamare il tema portante della soundtrack di "Twin Peaks", ma va da sè, semplici assonanze. Il canto di Gregor è estremamente confidenziale, levigato e placido seguendo una linearità melodica ricca di grazia. Le architetture delle sue composizioni si rivolgono alla maestosità degli archi, soprattutto nel solenne finale della già citata Young & Old, indubbiamente la migliore tra le due ivi incluse recanti la firma di Samsa. Vibrante e per certi versi anche toccante alla maniera dei Sigur Ròs di "Agaetys Birjuyn", una candida e dolce sorpresa.

JACK ROSE : Jack Rose
(VHF, 2006)

Trasferitosi a Philadeplhia nei primi anni di questo nuovo secolo, Jack Rose, già componente del trio drone/noise Pelt, intraprende una carriera solista che ha come unico protagonista la sua sei corde. Questo eponimo lavoro è uscito lo scorso anno e consta di sette tasselli di blues acustico in cui il fingerpicking si incrocia con lo slide. Lirismo dai toni campestri, bucolici e solitari a cui viene dato vigore dal perenne strisciare dello slide, il quale plasma ora melodie fiammeggianti (Dark Was The Night), ora intarsi dalle tinte country (Revolt), ora movenze circospette ma allo stesso tempo intriganti (Levee), ora sobri temi tipici dello slow-blues (St. Luois Blues). Spirits In The House è un lungo percorso in lande meditative increspate da arpeggi a cascata, come se si stesse seguendo uno dei percorsi ascetici di Derek Trucks. Non per tutte le orecchie, ma senza dubbio un lavoro amabile.

VIRUS : Carheart
(Jester Records, 2003)

Chissà se sentiremo più parlare dei Virus. E non nego che tra queste parole si agita un velo di rammarico. Il chitarrista/cantante Czral è tornato di recente nei suoi Ved Buens Ende, appena ripresosi da quel drammatico volo da un palazzo di Oslo che stava per costargli la vita nel marzo del 2005. Per il momento, il progetto pare essere stato messo in stand-by a tempo indeterminato. Sorto nel 2000, l'anno successivo il marchio Virus esordisce con "The Drama Hour", riproposto nel 2003 con il titolo di Carheart sotto l'egida della Jester Records, etichetta gestita dai membri degli Ulver. La miscela del terzetto norvegese (sono della partita anche il bassista Plenum ed il batterista Esso) è parecchio complessa e stratificata. La chitarra è in perenne tensione tra accordi in minore di origine black metal e le dissonanze stranianti dei Voivod, la voce è declamatoria pur senza possedere il piglio del padrone, nonostante non manchi di incutere una certa reverenza. "Carheart" è un film in bianco e nero dove ogni tanto si scorge qualche macchia di sangue vivo rigurgitata dal sottosuolo. La fluidità a monte del discorso è un fatto sul quale non si può soprassedere, soprattutto se messo in relazione a suoni tanto spigolosi, a tracciati tortuosi dai ripetuti passaggi jazzati ma non per questo eccessivamente inestricabili. Hustler e 4 si risolvono su arpeggi sinistri che fungono da linea portante per tutto lo svolgimento. Ossessivi e dall'animo catastrofico, nelle loro trame risiedono abrasioni dal vago sentore industrial e progressioni ricamate direttamente sullo stoner. "Carheart" è invero un misterioso gioiello del sottobosco psych/prog contemporaneo. Affrontarlo è una vera goduria.

SOUL COUGHING : El Oso

2007-04-01T08:02:00.000-07:00

È un vero peccato che il passaggio dei Soul Coughing nel panorama musicale non sia stato notato da una porzione di pubblico maggiore di quella che, invece, rivolse loro la propria attenzione. Forse il fatto di essere assolutamente inclassificabili e (fin troppo?) originali li ha estromessi da un audience per certi versi ingrato. Nati a New York nel 1992 per volontà del singer Mike Doughty, mente del progetto, il quartetto giungerà solo nel 1994 all'esordio col singolare "Ruby Vroom", già sotto l'egida del colosso Warner Bros. E non è difficile cogliere la particolarità della loro proposta: suoni strambi per un pop che si intreccia col jazz e col funky, dando vita a canzoni sghembe, quasi stralunate. Due anni più tardi è la volta di "Irresistible Bliss" che segna un piccolo passo indietro, almeno sotto un profilo prettamente qualitativo (nonostante contenga uno dei loro episodi migliori di sempre, "Sugar Bon Bon"). La definitiva maturità dei Soul Coughing giunge nel 1998 con l'epitaffio El Oso, perfetto compendio di un cammino evolutivo che arriva ad una solidità nella scrittura prima di allora non conquistata e ad una precisa ricerca nei suoni che sono elemento fondamentale nell'impianto del gruppo e principalmente di quest'opera. Ogni song si sviluppa su una semplicissima idea di base che ne informa completamente l'asse di svolgimento. C'è una linearità costante nel fluire dei brani, con un ricorso perenne alle reiterazioni di segmenti melodici, versi brevi che giungono fluidamente ai chorus. Quindi canzoni concise, senza sbrodolamenti di nessun tipo. È così che si raggiunge la perfezione di Rolling e St.Luoise Is Listening, momenti in cui gli arrangiamenti sono di profonda importanza per non rendere banali idee sostanzialmente molto agili. La batteria è quadrata, scandisce i tempi con quel rullante metallico caratteristico dei Soul Coughing, andandosi ad intrecciare con traiettorie di basso sbilenche e cariche di groove, un groove a momenti hip-hop (influenza palese anche nel modo di cantare di Doughty, che ricorre spesso a dei rap leggermente modulati). I meccanici stridori di Misinformed e Houston sembrano venuti fuori da uno di quei videogiochi tipici degli anni '90, Circles è una perfetta hit per un'estate calda e pigra, frizzante e frivola con la sua apparente ingenuità melodica. In Blame pare che il basso si sia tramutato in un elastico, si allunga e ritorce su se stesso, mentre al di sopra il motivo si ripete come un'ossessione. Maybe I'll Come Down rivolge tutta la sua sinuosità col suo incedere svogliato, il pianoforte a dare più colore ad un arrangiamento parecchio scarno. $300, Monster Man, I Miss The Girl portano in seno un'aria minacciosa ed incalzante, complici le ritmiche drum'n'bass a sostegno. Pensacola è invece sussurrata, evanescente nel suo essere quasi assente per una buona metà, The Incumbent è un rap à la Beck, a tratti anche spigoloso. La band deciderà di cessare la sua ttività nel marzo del 2000. Qualcuno si darà al cinema indipendente (Mark de Gli Antoni - tastiere ed effetti), chi formerà nuovi progetti (gli UV Ray del bassista Sebastian Steinberg e del batterista Yuval Gabay), chi porterà avanti una carriera solista sempre relegata all'underground (Doughty ha finora pubblicato il non esaltante "Haughty Melodic" nel 2005). Nel 2002 uscirà un ottimo greatest hits, "Lust In Phaze", buona scusa per approcciarsi in maniera quasi completa al discorso sonoro del four-piece statunitense. Che verrà ricordato come una tra le entità migliori degli anni novanta, quantomeno nella sperimentazione in fatto di canzone pop, un gruppo interessante e divertente, da (ri)scoprire senza alcun indugio. Chi ha apprezzato gli Skeleton Key di "Obtainium" non può non rintracciare l'etimo della proposta proprio tra questi solchi.

(Warner Bros, 1998)
Rolling / Misinformed / Circles / Blame / St. Luoise Is Listening / Maybe I'll Come Down / Houston / $ 300 / Fully Retractable / Monster man / Pensacola / I Miss The Girl / So Far I Have Not Found The Science / The Incumbent.

TAKE 5 : Coliseum, Blacklisted, Mind Eraser, Sulaco, Pillory

2007-03-11T08:29:00.000-07:00

Circumnavigando la rete non è poi così difficile imbattersi in gruppi interessanti ma che ancora in pochi conoscono. Il crescente successo di una piattaforma come Myspace.com (che sfrutto anche con la mia neonata band) alimenta spesso il successo di piccoli gruppi giusto l'altro ieri misconosciuti ai più. Chi segue la scena "presunto-indie" sa bene quali effetti tale mezzo ha prodotto per gruppi come Clap Your Hands Say Yeah e Arctic Monkeys. In questa sede non parlo di ste robe qua, alquanto dispensabili a mio avviso nel panorama musicale odierno, bensì di cinque piccole band dell'underground metallico statunitense. Cinque nomi, cinque stili differenti ma non per questo non attigui. Probabilmente in futuro firme più eminenti del sottoscritto parleranno in termini entusiastici di queste band. Tutte, a parte una giunta già al secondo lavoro, hanno un solo album all'attivo su labels indipendenti. Per quei pochi avventori che si imbatteranno in queste parole, questo è un invito all'ascolto più che al giudizio.

Nascono nel 2004 nei dintorni di Louisville, in Kentucky, i Coliseum. È dell'anno seguente il loro debutto su Level Plane Records, intestato con la stessa ragione sociale della band. Lo stile dei Nostri si incastra perfettamente tra il casinismo dei Motorhead, l'irruenza degli Entombed dell'ultimo corso ed il veleno a profusione degli High On Fire. Hanno un impatto devastante come una ruspa e per certi versi parecchio stradaiolo e punk, con chitarre dense e corpose ed un singer dall'ugola al catarro. Non concedono nulla alla melodia, quantomeno nelle linee vocali. Solo nella finale The Simple Answer Is... si ode una lieve sovrapposizione "pulita", ma è un dettaglio alquanto trascurabile. Li aspettiamo adesso per il sequel di Coliseum, che dovrebbe venire licenziato entro l'anno in corso dalla Relapse, etichetta per la quale il combo ha firmato nel dicembre 2006.
COLISEUM : Coliseum
(Level Plane Records, 2005)

Non sono una delle tante entità dedite al metal-core che va tanto in voga di questi tempi i Blacklisted da Philadeplhia. La loro essenza è equamente ripartita tra la rabbia intransigente e belligerante dell'hardcore e la violenza tagliente del thrash. Le strutture dei brani inclusi nel fin qui loro unico lascito discografico The Beat Goes On, pubblicato dalla Deathwish Inc nel 2005, sono ultra-compresse ed infuocate. Le loro composizioni vanno dritte al sodo e sono realmente "straight to the face". I Riff sono lame affilate pronte a lacerare la carne, sorretti da un drumming solido che si lancia in attacchi hardcore notevoli. Anche l'inclusione dei consueti cori rimarca non poco la matrice "core" di questi quattro, incazzati musicisti. Tellurici e rocciosi, thrash-core senza fronzoli o melensi ritornelli con melodie d'accatto. Per questo ci piacciono.
BLACKLISTED : The Beat Goes On
(Deathwish Inc., 2005)

Giunti già al secondo capitolo della loro breve carriera, i Mind Eraser sono davvero gente poco raccomandabile. Di questo quartetto proveniente da Boston sono riuscito ad ascoltare solo l'ultimo Glacial Reign (il primo lavoro si intitola "Cave"), interessante ibrido di grind-core e soluzioni vicine allo sludge e al doom. Impetuosi e solenni decelerazioni in mid-tempo donano varietà all'ossatura dei brani, informati quasi interamente su efferate corse al cardiopalma in tipico stile Nasum (il riffing ne ricalca spesso le gesta). Ciò che più convince dei Mind Eraser è la bravura nel saper miscelare le influenze rendendole un inscindibile tutt'uno. Canzoni come Equation, Full Spectral Dominence, Abuse Excuse, Schizophrenic, Wrote Off e la finale Curtain (mortale tempo medio edificato su un riff che per poco non ci taglia la faccia) sono esempi di come siano capaci di dare vita a musica estrema di un certo spessore. Da tenere assolutamente sotto occhio.
MIND ERASER : Glacial Reign
(Painkiller, 2004)

I Sulaco sono probabilmente la formazione più interessante dell'intero lotto (insieme ai Mind Eraser). Il terzetto guidato da Erik Burke, che ha in curriculum militanze con Lethargy, Nuclear Assault e Kalibas, suona un post-core progressivo che non pochi comuni denominatori ha coi Mastodon e gli Swarm Of The Lotus: circolarità nel rifferama, architetture ritmiche intricate, ed una certa assonanza col death-core malato dei Today Is The Day e le contorsioni math-metal dei Coalesce. Scorie sludge pervadono il loro debutto su lunga distanza Tearing Through The Roots, rilasciato nell'agosto del 2006 via Willowtip. Gli isterici monologhi dei Nostri si risolvono spesso in code finali immersi in echi psichedelici, ma prima di giungere alla fine bisogna passare per tortuosi tracciati dove l'imprevedibilutà delle strutture è pietanza fissa nel menù. Qualità tecniche parecchio elevate permettono al trio di entrare persino nell'ambito del brutal death metal, sparandoci addosso una mole enorme di elettroni incandescenti.
SULACO : Tearing Through The Roots
(Willowtip Records, 2006)

Con i Pillory ci spingiamo parecchio dentro territori ultra-estremi. Il five-piece di Boston, formatosi nel 2003, non dispensa affatto mitragliate violentissime dove convergono grind-core truculento e brutal death metal di stampo floridiano. In No Lifeguard At The Gene Pool, unico genito discografico del gruppo fino a questo momento, il singer Pete Adams alterna senza tregua urla spacca-tonsille e grugniti e rigurgiti vari. In The Morning Grind pare di essere stati cacciati dentro un mattatoio dove si scannano maiali: versi suini si odono da ogni dove nel caotico finale. Le songs dei Nostri godono di varietà negli svolgimenti, ma ogni tanto soffrono un'eccessiva lunghezza che per album di un certo tipo è un pò controproducente. I Pillory ci sbattono contro una realtà malata e distruttrice, al limite dell'alienazione umana, come spiegano i testi, lontani dalle solite storie di smembramenti vari tanto cari al genere di riferimento. Si ha un attimo di respiro nel tronco centrale di Hangnail In A Fingerfuck, momento di calma apparente con chitarre che si sfibrano verso radure psichedeliche, ma finisce lì. Il resto è un imperituro scorrere di stacchi e ripartenze, picconate in faccia che ci fa sempre un gran bel piacere ricevere.
PILLORY : No Lifeguard At The Gene Pool
(Unique Leader Records, 2005)

LINKS:
www.myspace.com/coliseum

www.myspace.com/blacklisted

www.myspace.com/minderaserhc

www.myspace.com/sulaco

www.myspace.com/pillory

EXPLOSIONS IN THE SKY : All Of A Sudden I Miss Everyone

2007-02-25T18:50:00.000-08:00

Quello degli Explosions In The Sky è un film che abbiamo già visto altre volte. Sappiamo come inizia e come finisce, la nostra conoscenza della trama è a dir poco minuziosa. Non stupisca quindi se, mettendo il dischetto a girare nella piastra dello stereo, un insistente senso di dejà-vù rigurgiterà da qualche angolo della stanza. Il quartetto texano torna a due anni da “How Strange, Innocence” mantenendo intatto in maniera che più ortodossa non si può il proprio trademark. Con un'immagine di copertina a metà tra l'espressionismo carico della “Notte Stellata” di Van Gogh e i riflessi di luce su di un crespo pavimento d'acqua del Monet di “Impressions Du Soleil Levant”, il quarto album in studio degli Explosions In The Sky propone la formula che ha reso celebre il nome del gruppo: partenze timide con arpeggi appena sussurrati che si sovrappongono per generare un reticolo denso di melodiosi giri post-rock, cui si aggiungono progressivamente nuove figure melodiche, salendo inesorabilmente verso l'alto in maestosi crescendo, fino a deflagrare in accecanti e sognanti voli d'uccello, per poi spegnersi d'improvviso, planare verso il selciato e risalire in un ciclico altalenare. All Of A Sudden I Miss Everyone è tutto qui, nulla più, nulla meno. La trance estatica degli EITS non genera più gli effetti di qualche anno fa. Vuoi perché i Godspeed You! Black Emperor rimangono i campioni del post-rock orchestrale/strumentale, vuoi perché il genere, di per sé mostra la corda e le uniche vie di salvezza giungono dalla osmosi con progressive-rock e post-hardcore con nomi quali Pelican, Red Sparowes, Russian Circles tra gli altri. Gruppi che col post-rock hanno dei flirt parecchio consistenti (pur non rientrando totalmente nell'accezione) e che possiedono una componente descrittiva e votata al “viaggio sonoro” assolutamente superiore. Cosa che, a confronto, fa impallidire i texani, i quali ci propongono l'ennesimo remake di cui non sentivamo la mancanza.

(Temporary Residence, 2007)

The Birth And The Death Of The Day / Welcome, Ghosts / It's Natural To Be Afraid / What Do You Go To Home / Catastrophe And The Cure / So Long, Lonesome

THINKING PLAGUE : In Extremis

2007-02-18T08:50:00.000-08:00

Certi gruppi non hanno la minima intenzione di concedere appigli all'ascoltatore che, irretito in un microcosmo di note come meteoriti che galleggiano e strutture che si sfilacciano, riesce a fatica a venire a capo di lavori tanto urticanti ed obliqui quanto dannatamente affascinanti. I Thinking Plague rientrano pienamente nel manipolo di ensemble che tutto danno al di fuori di certezze nei loro album. Sorti in Colorado nel 1981 con In Extremis superano nel 1998 l'ostacolo della terza prova in studio raggruppando composizioni scritte durante tempi diversi nel corso degli anni Novanta con una line-up differente dall'originale. Con schieramento a sette elementi (con una lista interminabile di compartecipazioni), i Thinking Plague appaiono sin da subito destabilizzanti, inoltrandosi in stranianti immaginari fiabeschi, ma di quelli con un finale tutt'altro che lieto (Kingdom Come lascia poco spazio a sorrisi, così come Maelstrom). Il telaio melodico è letteralmente lacerato, fatto a brandelli in continue asperità che smantellano progressivamente ogni nucleo tonale. La voce di Deborah Perry, intrisa di un'innocenza solo apparente, si staglia su di un sì tortuoso percorso strumentale in maniera istrionica, seguendone l'andazzo politonale con estrema naturalezza. La disintegrazione delle normali concezioni compositive conduce i Nostri a mettere nero su bianco l'odissea Les Etudes D'Organism, dove gli insegnamenti della scuola prog-jazz di Canterbury vengono sgretolati e metabolizzati secondo le esigenze del genio del gruppo, che si lancia in spericolate digressioni dall'animo circense. Quel che maggiormente colpisce dei Thinking Plague è la bravura nel non essere esplicitamente maligni, ma di strisciare velenosi, permeando le proprie composizioni, anche quando queste sembrano scanzonate, di un'inquietudine subliminale, avvertibile solo ad un livello inconscio. Un po' come se si estraessero le viscere metalliche agli Sleepytime Gorilla Museum. L'attitudine grottesca, a tratti quasi grandguignolesca, è la stessa.

(Cuneiform, 1998)

Dead Silence / Behold The Man / This Weird Wind / Les Etudes D'Organism / Maelstrom / The Aesthete / Kingdom Come

THE DEREK TRUCKS BAND : Songlines

2007-02-03T18:03:00.000-08:00

A soli ventisei anni Derek Trucks è uno dei più importanti e, perché no, innovativi chitarristi rock/blues del panorama statunitense. In poco tempo si è guadagnato dapprima la stima dei fan degli storici Allman Brothers entrando in pianta stabile nella formazione di Gregg Allman (un po' del merito potrebbe anche andare alla sua parentela con lo storico batterista del gruppo, Butch Trucks, di cui Derek è nipote), e da circa dieci anni lavora a questo interessantissimo progetto di ricerca sonora (ma espanderemmo volentieri il concetto ad un livello più strettamente “culturale”), la Derek Trucks Band. Il suo stile chitarristico si compone di numerose sfumature, non solo per il caldo timbro adottato a metà tra il blues ed il jazz che offre così una più vasta gamma cromatica alla tavolozza dei suoni, ma anche (diremmo soprattutto) per l'ostinata propensione del giovane Derek a voler esplorare differenti linguaggi sonori provenienti da diverse culture, in una sorta di viaggio mistico (e non a caso il titolo dell'album è tratto da un libro incentrato sulla visione ascetica della musica da parte degli aborigeni australiani scritto da Bruce Chatwin) che si pone come fine ultimo il loro perfetto equilibrio in un solo, inscindibile corpus. Supportato da una formazione che infonde tecnica e cuore alla musica ivi suonata, Songlines vale la pena d'essere sviscerato nelle sue diverse prospettive. Basandosi sulla concezione compositiva tipica delle jam-band, appellandosi al suo retaggio da bluesman che gli consente di abbeverarsi anche a materiale non originale, Trucks mette subito sul piatto l'anima (quasi) gospel di Volunteered Slavery del compositore non vedente Rahsaan Roland Kirk, condita da fraseggi bluesati e di flauto, che funge da prologo all'incalzante rythm'n'blues con lievi svisature fusion di I'll Find My Way, in cui il coloured cantante Mike Mattison vi depone una prestazione sentita ed espressiva, grazie anche al suo timbro vocale avvolgente. In Crow Jane (essendo un traditional trasuda “oralità” da ogni dove) dimostra anche grande versatilità lanciandosi in un falsetto che a momenti richiama il fantasma di Janis Joplin (!). E’ con il qawwali griffato dal mai troppo rimpianto Nusrat Fateh Ali-Khan che Derek Trucks dipinge arabeschi e volte che gettano l'occhio su un giardino rigoglioso di profumate e misteriose vegetazioni su cui sorvolano coriacei ed ascetici volatili, tant'è forte e descrittiva la componente spirituale di Sahib Teri Bandi/Maki Madni. In slide-guitar è invece la rilettura della trascinante Chevrolet di Taj Mahal, anteponendosi in scaletta alla solarità quasi frivola e scanzonata del funkeggiante soul di Sailing On, come se ci trovassimo in un soleggiato e pigro pomeriggio domenicale a squarciare con la prua di una piccola barca il placido pavimento d'acqua a noi sottostante. In mezzo a tutto questo ben di Dio troviamo anche passaggi di sanguigno rock/blues come Revolution o liquidi e sinuosi andamenti in chiave reggae come quello di I'd Rather Be Blind, Crippled Crazy (a firma originale di OV Wright). Non appaia esagerato se si afferma che viene in mente Ian Anderson dei Jethro Tull quando ci si imbatte nel bell'assolo di flauto in costante rapporto dialogico con la chitarra in All I Do, composizione nata da un'emulsione di jazz, funky/soul e percussività etnica. Aspetto, quest'ultimo che sale in cattedra nella successiva Mahjoun, dove armonie esotiche si vestono di una trasparente veste rurale americana. Anche la seguente I Wish I Knew (How It Would Feel To Be Free) è una reinterpretazione: standard composto da Nina Simone intriso di gospel a più non posso, trascinante e gaudioso nel suo incedere, precede la conclusiva This Sky dai toni fortemente crepuscolari, tanto che pare inondare di rosso il cielo mentre un sole svogliato viene inghiottito dal punto più distante scorto dai nostri occhi. Songlines si rivela così un album dotato di una miriade di dettagli e particolari diversi che riescono a convivere tra di loro grazie ad una sapiente ed accurata miscela che li pone in giusta proporzione. Si delinea un emozionante quadro di non casuale libertà stilistica, in cui gli idiomi musicali/culturali appaiono inscindibili, in totale opposizione alla segregazione etnico/ideologica cui il mondo in cui viviamo tenta di indottrinarci giornalmente. Suoni che oltrepassano il mero concetto di musica.

(Columbia, 2006)
Volunteered Slavery / I'll Find My Way / Crow Jane / Sahib Teri Bandi - Maki Madni / Chevrolet / Sailing On / Revolution / I'd Rather Be Blind, Crippled Crazy / All I Do / Mahjoun / I Wish I Knew (How It Would Feel To Be Free) / This Sky

QUINTORIGO : In Cattività

2007-01-27T17:33:00.000-08:00

I Quintorigo meritano un posto d'onore nella storia della musica italiana. In primis per l'eccezionale singolarità della loro proposta, nonché per il pregevole estro strumentale. In secondo luogo per aver avuto in formazione un cantante come John De Leo, impressionante manipolatore umano di tonalità e timbri (adesso rimpiazzato da una Luisa Cottifogli davvero all'altezza). E, non ultimo fattore, per la sempre altissima qualità dei lavori rilasciati. Un bellissimo esordio nel 1999 con “Rospo”, la cui title-track vinse (meritatamente) il premio della critica al festival di Sanremo, manifestazione che vide i Nostri rispondere nuovamente presente all'appello l'anno successivo con l'intrigante “Bentivoglio Angelina”, inclusa in “Grigio”, disco che attirò su di loro l'attenzione di un'inattesa più vasta fetta di pubblico. Ciò che mi ha sempre affascinato del quintetto romagnolo è la geniale ed irrimediabile fusione di linguaggi sonori quasi in antitesi tra loro: assetto da musica da camera (sax, violino, violoncello, contrabbasso), attitudine rock, songwriting d'autore, inflessioni jazz, oltre ad un'incredibile capacità di rielaborazione di brani altrui. Elementi che nell'ultimo full-length in compagnia di De Leo vengono condotti alle estreme conseguenze, lasciando inoltre deflagrare il genio incontaminato del gruppo che si abbandona alla più totale sperimentazione nelle atmosfere, nelle strutture, nei suoni, negli stili. In In Cattività la banda di Forlì raggiunge i massimi vertici espressivi e l'assoluta maturità, superando di gran lunga i già elevati picchi contenuti nei primi due lavori in studio. Non deve quindi stupire se il termine capolavoro calza a pennello in questo caso. Il dissonante e spettrale violino che precede il perverso “dormi” sussurrato da De Leo in apertura di Illune (ninna nanna) ci immerge già nella fumosa aria che avvolgerà l'intera opera. Pulviscolo che pare diradarsi con le luminescenze di Neon-Sun, ammaliante rivolgersi ed intersecarsi di armonie sospese su cui si adagiano pindarici vocalizzi. La romantica Bogliasco ci proietta in una camera da letto le cui tende si muovono sinuose e malinconiche sospinte da miti brezze di un amore appena infranto, ma è anche il preambolo al grottesco circo messo in piedi da U.S.A. e Getta, che rimarca il dissenso no-global della band già ampiamente espresso in passato con “Egonomia” (contenuta in “Grigio”). L'intermezzo strumentale Myxectbo n Ckopocts rielabora parte del refrain della meravigliosa Neon-Sun, ponendo in risalto la coesione tematica del disco, apparentemente frammentata dall'enorme mole di stili mescolati per l'occasione. Si pensi allo schizofrenico rap di Raptus, cronaca frazionata in tre parti di una fantomatica riunione di un condominio in cui risiede un signore inesistente: paurosa sequenza di sbalzi di registri vocali ed enorme dimostrazione di quanto la voce di De Leo sia teatrale ed espressiva come poche, duttile e versatile. Non potevano di certo mancare le cover. Ad essere ricostruite stavolta ci sono le oscurità di Clap Hands di Tom Waits, il celeberrimo standard swing composto da Cole Porter Night And Day e l'altrettanto famosissima Darn That Dream scritta a quattro mani da Eddie Delange e Jimmy Van Heusen. Persino un brano autografo, Deux Heures De Soleil (originariamente nel debutto “Rospo”) viene adesso riproposta tra esplosioni di ira e rilassamenti. La meravigliosa voce di Ivano Fossati fa il suo cameo dapprima nella penombra jazzata di Dimentico e poi nel serpeggiante fascino di Illune, schiusa da percussioni lievi, languidi e liquidi accordi di pianoforte, spicca il volo tra archi dal sapore cinematografico che ne sorreggono gli effluvi emotivi. Il coraggio non è quindi mancato ai cinque talenti romagnoli che scandagliano con la maturità e la consapevolezza dei grandi ogni impulso artistico, dando origine al loro vero e proprio capolavoro, piccolo monumento alla creatività senza limiti e momento di grazia assoluta per uno dei patrimoni musicali di cui l'Italia può e deve andare fiera.

(Universal, 2003)
Illune (ninna nanna) / Neon-Sun / Clap Hands / Bogliasco / U.S.A. e Getta / Myxectbo n Ckopocts / Dimentico / Night And Day / Deux Heures De Soleil – deux / Raptus (Il Signore Inesistente) / Rap-Tus / Raptus (La Dimora Inaccesa) / Darn That Dream / Illune

SLEEPING PEOPLE : Sleeping People

2007-01-21T04:49:00.000-08:00

Il paradosso si concreta nel rapporto che intercorre tra la ragione sociale scelta e la musica suonata da questi individui. Altro che gente dormiente, al massimo sonnambuli schizofrenici. Gente che quando imbraccia gli strumenti non sta ferma un attimo, in preda a convulsivi impeti sonori. E i pruriti degli Sleeping People hanno libero sfogo in un math-rock dove figurazioni ritmiche irregolari sono affette da nervoso funambolismo e l'ossessione per il fraseggio reiterato e fitto di matrice kingcrimsoniana (periodo “Discipline” / “Three Of A Perfect Pair”) è fondamentale statuto. Non inventano nulla, tanto meno paiono aver in testa sovversivi intenti di stravolgimento delle leggi del genere, ma quanto proposto in questo debutto eponimo è una piccola leccornia per gli amanti di trame squadrate e movenze sghembe, legate assieme da una paratassi quasi geometrica. Gli Sleeping People uniscono per bene le zigrinature dei Laddio Bolocko al dinamismo dei Dyrhythmia, coniugandoli a tutt'altro che celate slabbrature prog (parecchio spiccate in Fripp For Girls). In Technically You... incombe l'animo metallico dei Don Caballero mentre gli spigoli appaiono leggermente smussati in Nachos, nido di melodie meccaniche. Con ex membri di Tarentel e Deerhoof in line-up, gli Sleeping People si segnalano come un act che suscita interesse grazie a costruzioni organiche e frastagliate, che magari andrebbero un tantino più cesellate, ma di cui non si può già ora porre in dubbio il valore.

(Temporary Residence, 2005)

Blue Fly Green Fly / Nasty Portion / Fripp For Girls / Technically You... / Nachos / Johnny Depp / Untitled

MNEMIC : Passenger

2007-01-20T04:07:00.000-08:00

Mechanical Spin Phenomena fu un esordio coi controfiocchi. Un fulmine a ciel sereno a fine 2003 che fece balzare non pochi dalla sedia, sottoscritto compreso. I Fear Factory del dogmatico “Demanufacture” che si immergevano nelle apocalittiche melodie degli Strapping Young Lad maneggiando con cura le cervellotiche complessità ritmiche a base di poliritmi e cambi di accento dei Meshuggah. Il tutto insaporito da una vena progressive che trovava nella micidiale XXDBXX il raggiungimento della forma perfetta. Pompati più del dovuto dalla loro attuale partner discografica, la Nuclear Blast, giusto un anno a ridosso dal primo full-length giungeva il secondo capitolo in studio. Con The Audio Injected Soul i cinque danesi abbandonavano molti dei sentieri sperimentali appena imboccati in favore di movenze più prossime ad una classica forma canzone, con una pedissequa ricerca della zampata melodica ad ogni costo. Magari riuscirono a catturare l'attenzione di una più vasta fetta di pubblico, ma i risultati furono tutt'altro che esaltanti, complice una violenza alquanto plastica. A tre anni di distanza da quella nota un po' stonata, gli Mnemic tornano nuovamente in pista con Passenger, lavoro che segna l'ingresso in line-up del singer francese Guillaume Bideau, ex-frontman dei validi Scarve, in sostituzione del defezionario Michael Bogballe, che mollò la band subito dopo il debutto degli SmaXone, progetto a cui prese parte insieme al batterista Brian Rasmussen. I Nostri calano più o meno gli stessi assi dell'ultima fatica, elaborando alla loro maniera un thrash cibernetico dalle distorsioni iper-potenti (complice la produzione al vetriolo di Christian Olde Wolbers – chitarrista dei Fear Factory - e Tue Madsen), non disdegnando affatto l'innesto melodico, come era logico attenderso. Della grandezza dell'esordio è rimasto davvero poco, nonostante non manchino frangenti pregni di possanza notevole come Pigfuck e Humanaut, quest'ultimo iracondo schizzo di metallo geneticamente modificato alla maniera degli Strapping Young Lad. In The Nothingness Black e Meaningless sputano fuori refrain a presa rapida che rischiano seriamente di farvi bruciare il cd a furia di ascolti. Non è da meno l'ottima In Control. Come sempre l'impianto ritmico è tellurico e marziale, il riffing affilato, ogni suono ben bilanciato nell'insieme e, perfettamente raccordati ai propri referenti, gli Mnemic mostrano il dovuto carattere. È però sul finale che si perdono, lasciando spazio a cedimenti di ispirazione parecchio palesi. I giri a vuoto di Stuck Here, la mollezza di What's Left, la velleitaria foga di Shape Of The Formless smorzano non poco un giudizio nonostante tutto positivo, ma che porta sempre più a pensare che gli Mnemic che conoscevamo difficilmente torneranno in tutto il loro splendore. Avevamo previsto ben altri risvolti per questa band.

(Nuclear Blast, 2007)

Humanaut / In The Nothingness Black / Meaningless / Psykorgasm (feat. Shane Embury & Jeff Walker) / Pigfuck / In Control / Electric Id Hypocrisy / Stuck Here / What's Left / Shape Of The Formless / The Eye On Your Back